Les meilleurs films français de 2022 selon takeshi29

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Je ne suis pas un inconditionnel des tentatives d'Albert Serra, que je trouve parfois aussi gratuites que fascinantes, à l'exemple de son "Liberté" qui avait fait parler il y trois ans.

Mais là quelle claque ! Ce "Pacifiction" est une expérience visuelle et sonore de tous les instants, le travail sur la photo et sur la mise en scène est prodigieux. Durant la projection je me suis fait une remarque qu'on se fait forcément de plus en plus rarement quand on avance en âge : « Je n'avais encore jamais vu ça », par exemple lors de cette scène de surf que je n'oublierai jamais, ou ce dernier passage en boîte de nuit qui rapproche de la transe.

Bref ce film est exceptionnel au sens littéral du terme, il aurait pu rafler tous les prix cannois, et donc forcément il est reparti sans la moindre breloque. Il faut quand même être aveugle pour ne pas remarquer que cet objet est à part, comme l'est Benoît Magimel, de plus en plus Depardieu et surtout grandiose.

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Stéphane Brizé prouve une nouvelle fois à quel point il compte dans le cinéma français actuel. Car c'est un talent d'utiliser les erreurs de ses films précédents, en l'occurrence "La Loi du marché" et "En guerre", pour en tirer un troisième qui atteint une forme de grâce retrouvée comme à l'époque de "Mademoiselle Chambon".

Le cinéaste continue son passionnant travail "sociologique" mais remet surtout le sentiment au centre du jeu, il considère à nouveau que les regards ont souvent plus de poids que les mots, surtout ceux d'un acteur avec qui il ne fait désormais qu'un, qui semble être son porte-voix autant que son double.

Regarder le duo-couple Lindon-Kiberlain évoluer à l'écran devient ainsi aussi émouvant que troublant, on ne sait plus vraiment qui on voit, des interprètes ou de vraies personnes qui (re)joueraient à quelques nuances près la comédie de leur vraie vie.

Et c'est ça aussi le cinéma : brouiller les pistes, instiller le doute. De doute en revanche il n'y a pas quant au talent de metteur en scène de Brizé, ce dernier plan, d'une beauté et d'une simplicité renversantes, vu il y a déjà trois semaines, ne me quitte plus depuis.

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Philippe Faucon c'est de la rigueur, du cinéma sans artifice de cinéma, la simplicité du trait, donc "Les Harkis" c'est : des faits rien que des faits, des scènes brèves qui refusent systématiquement l'explicatif, pas d'effets inutiles de mise en scène, pas de musique qui surligne et indique ce que doit ressentir le spectateur, pas un brin de démonstratif ni de spectaculaire et pas plus de voyeurisme.

Bref je n'irais pas jusqu'à dire que Faucon c'est Bresson, mais il partage avec lui le souci de l'honnêteté intellectuelle et artistique. Et ce film est donc une des plus belles choses actuellement sur les écrans.

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Là on est typiquement dans ce que sait dénicher l'ACID en matière de documentaires de création.

C’est ce qu’on appelle un film coup de poing, de ceux qui vous secouent fort, vous font mal, vous questionnent longtemps, très longtemps après la fin de la séance. Je râle souvent à propos des documentaires qui devraient tranquillement se contenter d’une diffusion sur le service public, avec leur manque total d’idée de cinéma. “Soy Libre” est tout l’inverse, sans un rond il invente en permanence pour parvenir à avancer. À l’image d’un frère et d’une sœur qui rappellent que parfois l’art est un geste vital, une façon de crier pour ne pas tomber.

A découvrir le 9 mars.

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Selon moi le meilleur film sur les gilets jaunes parmi les très nombreux sur le sujet. Antonin Peretjatko imagine une romance, une parade amoureuse par toits interposés pendant que dans la rue "Un pays qui se tient sage" en prend plein la gueule.

Alma Jodorowsky, Damien Bonnard, des anonymes, une fiction perchée et solaire mêlée à du documentaire enragé et engagé.

Quand Antonin arrête de faire le malin il s'avère détonant.

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J'aime Annie Ernaux et les films Super 8 de famille me bouleversent, il aurait donc été surprenant que la rencontre avec ce film ne soit pas à la hauteur de mes espérances. Et en effet je me suis régalé, trouvant en ce montage intime une sorte de complément à l’œuvre littéraire, à ces réflexions sur les classes sociales, sur une forme d'illégitimité mais aussi de trahison que la récente Prix Nobel n'a cessé de creuser.

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Parfois il faut savoir tuer le père, même quand il s'appelle Rohmer... (cf critique)

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Descendre Mia Hansen-Løve et dire le plus grand bien de Louis Garrel, longtemps considéré comme acteur/ réalisateur bobo par excellence, cela peut paraitre curieux, mais en réalité il y a bien longtemps qu'il navigue du cinéma de son père ou d'Honoré à des productions bien plus grand public comme chez Hazanavicius ou Maïwenn.

Et en tant que réalisateur, si l'on suit bien sa trajectoire, on a toujours senti une attirance pour la comédie, la romance, un cinéma modeste où il pourrait jouer avec son image, comme dans sa récente "Croisade". Mais étonnamment il y avait une sorte de grand écart entre ce qu'il semblait vouloir donner et ce que les spectateurs semblaient recevoir.

État de fait qui pourrait bien changer avec cet "Innocent" qui louche clairement vers les comédies populaires à l'ancienne, effet renforcé par "l'esthétisme 35 mm". C'est généreux, débridé, merveilleusement écrit, et surtout porté par des actrices et acteurs qui semblent se régaler, exploiter des registres qu'ils n'avaient fait qu'effleurer jusqu'ici. Garrel, Roschdy Zem, Noémie Merlant, Anouk Grinberg, tous sont à mourir de rire, mais pas que car cette comédie policière aux abords légers aborde en creux des sujets douloureux et graves.

Mais comme par politesse Louis Garrel ne s'y attarde pas, son film est une bouffée d'air frais et de plaisir, un geste qui je l'espère vraiment sera cette fois compris par le public le 12 octobre.

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En très peu de films Mikhaël Hers est déjà un cinéaste important, de ceux qui savent vous bouleverser par de simples gestes de mise en scène, un travelling, une façon de figurer le mouvement ou de s'approprier un lieu pour en faire un personnage, de vous ramener dans un de ses films précédents par un plan quasiment identique (Un parc et votre cerveau se rappelle d'Amanda, et de larmes que vous n'arriviez plus à dissimuler).

Ici il nous renvoie dans les années 80, mais pas en nous imposant une reconstitution lourdingue, et si on se croit retourné en arrière en l'espace de quelques minutes c'est plus par des ambiances, des souvenirs qu'il fait remonter à la surface en convoquant aussi bien Bulle Ogier que Bernard Lenoir.

Et là boum on prend un prend un bon coup de nostalgie dans la figure, mais pas en se disant que c'était mieux avant, non c'est juste doux d'être là, avec ces personnages qui pourraient être votre famille, vos amis, vos amants.

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André Bonzel, coréalisateur de "C'est arrivé près de chez vous", signe là un documentaire en forme de journal intime, à partir de films amateurs mis sur sa route par un destin capricieux.

Objet narcissique pour les uns, travail de montage remarquable, bouleversant car bien plus universel qu'il n'y parait pour les autres, ce "Et j'aime à la fureur" sortira mercredi prochain et sa conclusion est toute simple mais redoutablement juste :

« Je crois que finalement au bout d'une vie la seule chose qui reste ce sont les gens qu'on a aimés. »

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S'il peut s'avérer clivant par sa violence non éludée, par son rythme lent et sa voix-off troublante, ce "Bruno Reidal" est assurément la claque parmi les films sortis ce mercredi.

Après son déjà très impressionnant court, "Le Gouffre", Vincent Le Port aura pris son temps pour accoucher de son premier long de fiction, et on comprend pourquoi : parfaitement documenté le ce film s'empare d'un fait divers et nous le raconte par le menu en "caméra embarquée". A l'intérieur du cerveau d'un tueur d'enfant lui-même à peine sorti de l'enfance. Il est questionné, se questionne, et par la force des choses nous questionne.

Inutile de dire que ce n'est pas confortable, qu'on sort de là secoué mais surtout persuadé d'avoir assisté à la naissance d'un réalisateur qui pourrait aller très loin, phénomène pas si fréquent.

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Pour commencer je voudrais dire qu'il faut un sacré courage pour annoncer d'entrée de jeu que l'enquête qui sera le matériau de base des 2 heures qui suivent sera irrésolue. Du courage, et une confiance envers le spectateur devenue bien rare, misant sur la faculté de celui-ci à passer outre le déceptif initial.

Mais Dominik Moll est décidément très fort et parvient comme souvent à créer une ambiance avec peu de choses, et même ici avec de l'anti-spectaculaire. Ce qui nous scotche ici est donc la banalité, celle qu'un Tavernier nous avait donné à voir avec son grandiose "L.627", le quotidien.

Et puis il y a le discours politique que tant d'artistes prononcent depuis quelques temps parce qu'il faut le faire, parce que l'époque le réclame. Moll et Gilles Marchand, celui qui avait déjà sur un sujet pas bien éloigné signé le remarquable "Qui a tué Bambi ?", vont au-delà, bousculent en nous balançant une vérité pas forcément agréable à entendre : « Il y a un problème entre les hommes et les femmes.»

Rassurant de constater qu'un tel film rencontre son public...

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Je ne parviens pas à expliquer pourquoi ce "Lycéen" n'est pas mon Christophe Honoré préféré, pourquoi ma note n'est pas plus élevée, alors que j'ai presque autant pleuré que face à mes "Chansons d'amour" adorées, alors que j'ai rarement vu un film aussi bien cerner ce qu'est l'adolescence avec ses exaltations et ses fragilités, le deuil et toute la complexité qui va avec, alors que je n'avais pas vu Juliette Binoche aussi fantastique depuis longtemps, alors qu'un immense acteur a peut-être vu le jour, PRODIGIEUX Paul Kircher.

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Impressionnant comme la maternité est LE sujet central parmi les sorties du moment. "Le Sixième enfant" dont je parlais à l'instant, le trash et réjouissant "Ninjababy" norvégien et donc le nouveau film de Rebecca Zlotowski.

Peut-être est-ce dû à la proximité qu'entretient la réalisatrice avec le sujet mais toujours est-il que cette fois celle-ci elle choisit la frontalité, une certaine modestie même, pour l'aborder.

"Les Enfants des autres" est simple et profond, mais surtout juste, il choisit le registre du mélo assumé mais avec une infinie pudeur, ne jugeant aucun des personnages, montrant leur faculté à donner de l'amour mais aussi à commettre des maladresses involontaires. Celles que nous commettons tous, que nous pensons anodines mais qui pourtant peuvent blesser profondément.

Et chose rare, Zlotowski ne prend jamais le spectateur en otage, elle ne nous enferme pas dans une forme de chantage affectif, la souffrance est réelle ici mais elle s'efface toujours, par un changement de plan, une ellipse, une discussion dans une brasserie.

Dernière chose, mais d'importance : le casting. Roschdy Zem est monstrueux de charisme comme à son habitude, on n'oublie pas facilement Chiara Mastroianni alors qu'elle apparait finalement peu à l'écran. Et puis il y a Virginie Efira que j'avais trouvée pour une fois peu à l'aise dans "Revoir Paris", au registre de jeu illimité, aussi crédible quand elle rit que quand elle pleure, sur un balcon que dans un jardin public, aussi belle que touchante. Bref j'arrête là, Madame takeshi29 va encore me faire une crise de jalousie.

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Assurément l'un des films les plus désarçonnants de l'année, qui ose tout et se décale en permanence, qui présente à la fois une Corse de carte postale, avec son soleil, ses enfants qui jouent, ses grands-mères qui discutent sur un banc, ses jeunes qui parlent foot en buvant un coup, mais aussi ses frangins jaloux qui castagnent un pauvre gars, ses rencontres sexuelles plus qu'explicites, ses digressions politiques pas tendres pour les insulaires.

Bref c'est un objet forcément clivant, comme peut l'être du Guiraudie, qui tchatche et qui transpire, qui raconte beaucoup d'un monde et d'une époque où la mutation est plus que douloureuse. On y rit autant qu'on y souffre, on y croise ceux qui restent et ceux qui sont partis, comme une place de village qui vaudrait monde...

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Je n'y allais pas très confiant, pensant voir une grosse machine, mais c'était sans compter sur le talent de Thierry de Peretti et ce qu'il est capable d'insuffler de nouveau dans le cinéma français.

Comme dans "Une vie violente" il maitrise à merveille l'art de la tension, le danger diffus et l'explosion qui peut surgir à tout instant. Mais cette fois il n'en fera rien, ou plutôt pas grand chose. Et c'est justement ce qui est passionnant avec ce réalisateur, il ose prendre des risques, en l'occurrence ici jouer avec le déceptif. La facilité aurait été de faire dans le spectaculaire, lui choisit d'emprunter une autre voie et de privilégier une histoire d'amitié à un chaos politique qu'il semble pourtant promette dans la première partie du récit. Respect...

Et Roschdy Zem est énorme, et si ce n'est pas nouveau on ne l'avait jamais vu dans un tel rôle et oser une telle interprétation, aussi complexe que son personnage.

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Ce nouveau Dupieux est à classer aux côtés de ses films les plus déstabilisants et exigeants, "Réalité" ou encore "Rubber", ceux qui ne se donnent pas immédiatement. Chose relativement inédite chez le bonhomme, une certaine normalité vient se heurter à l'absurde habituel, certains des maux de l'époque sont démontrés plus que moqués, et la descente aux enfers est aussi inquiétante que comique, aussi folle et gothique qu'ordinaire.

Je vous laisse, Madame takeshi29 m'appelle pour qu'on teste un truc reçu hier du Japon...

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Formidable surprise, ce "Tout le monde aime Jeanne" a quelque chose de très belge même s'il vient de France et se déroule au Portugal. Cette façon si détachée de parler de choses graves, de préférer rire quand on a envie de pleurer. Vous savez cette forme de politesse qu'on retrouvait par exemple dans le miracle "Une vie démente".

Ici on parle aussi du deuil, d'une forme de dépression, on joue avec la forme en utilisant l'animation, l'humour est souvent décalé, noir, mais il fait du bien. Et puis bien sûr il y a les actrices et acteurs, Blanche Gardin en tête qui n'a pas besoin de faire grand chose pour en exprimer des tonnes. Et Laurent Lafitte exceptionnel dans ce rôle complexe, celui du gars qui sort des vannes comme il sort de l'HP.

Bref c'est un film furieusement tendre, intelligent, qui rend heureux. Parce que c'est chouette de voir vivre des gens qui ont compris que ce monde est cassé mais qu'il nous reste encore deux-trois trucs : la tendresse, les bières, la vaisselle qui ne tombera plus bas, une maman qui cuisine alors qu'elle est passée par la fenêtre depuis un bon moment. Et quand en plus cette maman s'appelle Marhe Keller...

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Jamais je n'aurais cru écrire ça mais le plus beau film de la semaine est probablement signé Charlotte Le Bon. Car elle a réussi une chose très compliquée, adapter un roman graphique, parce qu'elle est parvenue à retranscrire à l'écran ce qui faisait l'essence du si beau "Une sœur" de Bastien Vivès, la douceur et la rugosité mêlées de l'âge adolescent, un récit initiatique où l'onirisme prend sa place naturellement, où les paysages ne sont pas des alibis pour flatter la rétine du spectateur mais des acteurs, où la peau, cachée ou dénudée, vit ses premiers émois.

Une réussite, et surtout à ma grande surprise une cinéaste, qui confirme après son court "Judith Hotel", qu'elle n'est pas là pour faire la maligne, car "Falcon Lake" n'a rien d'une démonstration de force, tout au contraire c'est humble, simple, du moins en apparence...

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Samuel Theis trouve la distance et le ton parfaits pour aborder un sujet pourtant bien bien casse-gueule, il sait ne jamais tomber dans le graveleux ni le misérabilisme tout en n'éludant pas le drame. Comment un garçon de 10 ans peut soudainement devoir composer avec deux désirs simultanés : celui de s'émanciper de sa classe sociale sans la trahir, ainsi que celui de son cœur et ses hormones qui l'attirent vers des contrées tout aussi inconnues.

Tout cela est traité avec nuance et sensibilité, embrassé par une mise en scène qui colle aux personnages sans jamais les enfermer, mais qui permet aussi au spectateur de respirer malgré la tension qui se cache jusque dans les scènes solaires, et interprété de manière magistrale par un gamin au jeu d'acteur chevronné, et celle qui joue sa mère, elle aussi non professionnelle et prodigieuse.

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JB Thoret à son meilleur, profitant de ce documentaire sur Cimino pour prolonger son passionnant “We Blew It”, pour poursuivre la route et rencontrer cette Amérique loin des radars, celle qui vit autant dans un “Barfly” que chez Wiseman.

Si en tant que passionné de Cimino je regrette le peu de place consacrée aux autres films que “Voyage au bout de l'enfer” l’amoureux de cinéma s’est régalé car cette “version longue” * est un film fait pour la salle, ambitieux en terme de mise en scène, de travail sur le son.

* Ce film est la version longue (130 minutes qui défilent à une vitesse folle) de "Michael Cimino - God Bless America" diffusé sur Arte en mai dernier.

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Vicky Krieps sait tout jouer et pour mon plus grand bonheur elle squatte actuellement les écrans. Ce qui ne m'a pas empêché d'aller voir ce "Plus que jamais" avec quelques craintes, de par son sujet qui donne le plus souvent lieu à d'insupportables chantages à l'émotion.

Mais Emily Atef ne tombe aucunement dans cet écueil, choisissant de décaler son récit en même temps qu'elle décale géographiquement son personnage principal. L'histoire d'amour, la souffrance, les questions existentielles, rien de tout cela ne sera éludé mais sera travaillé en pointillés et en complexité. L'émotion du spectateur ne sera pas bridée mais respectée, elle adviendra en douceur, au fur et à mesure où 'éloignement de cette femme vis-à-vis de l'homme qu'elle aime fera sens.

La fin du film m'a saisi, pour plusieurs raisons, entre autres pour ce qui dépasse l’œuvre elle-même, parce que soudain mon émotion a été rattrapée par la vraie vie, une forme de mise en abyme vertigineuse. Comme si Vicky disait à Gaspard, à moins que ce ne soit l'inverse : "Serre-moi fort"...

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Malgré le tout frais prix Jean Vigo j'y suis allé à reculons tant j'avais trouvé le précédent d'Axelle Ropert, "La Prunelle de mes yeux", exécrable de prétention.

Et quelle divine surprise, ici elle change de genre, assumant totalement le drame, mais surtout de registre cinématographique, louchant très clairement du côté de gens comme Claude Miller ou même Pialat. Ça va donc forcément passer pour quelque chose de démodé alors que c'est plutôt un objet hors du temps donc indémodable, avec son grain à lui seul émouvant, la volonté de laisser la lumière naturelle faire les choses à l'écran rappelant à quel point nos yeux de spectateur ne sont plus habitués à cette image fluctuante, et surtout très belle.

Et puis il y a le jeu des acteurs, délicieusement décalé, et pas qu'en raison de la présence de Philippe Katerine, avec la révélation majuscule Jade Springer que la caméra épouse sans arrêt et en tout sens, saisissant la complexité, la fragilité, le foisonnement émotionnel d'un âge.

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Après le ravissant "Crash Test Aglaé" Éric Gravel signe un drame en forme de thriller, de ces trucs anxiogènes qui vous attrapent dès la première seconde pour ne plus vous lâcher. On finit la séance éreinté, physiquement et psychologiquement, à l'image de cette héroïne des temps modernes, broyée par la lessiveuse urbaine.

Cette femme qui court au rythme d'une musique qui vous essore autant qu'elle vous stimule, c'est Laure Calamy, et là pas besoin d'en rajouter, ceux qui la voient évoluer de film en film savent...

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Selon moi la proposition de cinéma de loin la plus excitante dans cette cuvée de l'ACID 2020 car ce film pose clairement la question de la limite de la fiction dans le documentaire. Question morale s'il en est quand le thème abordé est la folie.

Ce thème Ilan Klipper le travaille depuis le début de sa carrière, le malaxe pour arriver ici à se poser en quelque sorte en anti-Depardon, n'hésitant pas à user de la mise en scène pour basculer parfois dans le film de genre. C'est donc du cinéma qui questionne, mais aussi plus instinctivement amuse et émeut. Troublant, vraiment très troublant...

Il arrivera enfin en salles le 16 mars.

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Très très belle surprise la suite, avec cette histoire de fratrie à hauteur d'enfant.

Yohan Manca semble avoir déjà tout compris à ce qu'est le cinéma, soit une histoire de distance et de ton. En effet si cette chronique familiale est empreinte de douleur il n'y a pas une once de misérabilisme dans le regard posé, au contraire c'est la légèreté et le sourire qui l'emportent.

Une parfaite illustration de ce que chantait un certain Charles : « Il me semble que la misère serait moins pénible au soleil. »

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Nos copains belges de "Strip-tease" sont de retour et ils sont en très grande forme. On retrouve ici le même mélange que dans "Ni juge, ni soumise", fait de quinzième degré mais aussi d'une bonne dose d'empathie envers leurs personnages, même ceux qui sont soupçonnés de ne pas avoir mangé des frites si seuls qu'ils veulent bien le dire.

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Ce film n'est pas l'objet opportuniste, ses "Tranchées" étant celles du Donbass, que l'on pourrait craindre. Il s'agit avant tout d'un formidable documentaire de création, d'une grande beauté plastique. Mais derrière cet emballage plus que réussi se cache une réelle réflexion sur la guerre, sur l'attente avant le feu, construite sur les témoignages de combattants.

On est ici à l'opposé de ce que servent les chaines info, parfaite illustration de la différence entre reportage et documentaire.

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Mitra Farahani réussit un exploit : réaliser un doc aussi ofniesque, déstructuré et perché que les films de JLG seconde période. Cette correspondance par écran interposé entre Ebrahim Golestan et Godard est totalement lunaire, le premier semblant ne rien comprendre à ce que lui raconte le premier qui entre deux questions existentielles lui balance des selfies de sale gosse, se mettant en scène dans des postures qui amèneront Golestan à cette conclusion qui s'avère une parfaite synthèse : « Il est zinzin ».

Volontairement ou non on s'en fout, ce "À vendredi, Robinson" est une des meilleures comédies françaises de l'année, le truc le plus foutraque et surtout libre qui soit. Peut-être le plus bel hommage qu'on pouvait rendre au plus Français des Suisses, ou au plus Susse des Français.

A noter que ce film qui avait connu une sortie en salles plus technique qu'autre chose en septembre dernier fera partie de la sélection Best of Doc *, sorte de Festival Télérama du documentaire qui aura lieu du 8 au 21 mars 2023.

* Best of Doc #4 sera le rendez-vous phare du printemps pour fêter la place du documentaire en salle. Deux semaines de festival itinérant dans les salles de cinéma pour voir ou revoir dix des meilleurs films documentaires sortis en 2022 et rencontrer les réalisateurs-trices, participer à des débats sur l’actualité du cinéma documentaire, découvrir des avant-premières, des formats courts…

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Artavazd Pelechian convoque Beethoven, Avet Terterian, Mozart, Chostakovitch,Tigran Hamasyan et Youtube pour montrer à quel point il est déconseillé d'emm.... la nature. L'art du montage, de la construction et de la déconstruction pour un documentaire qui n'en est pas un, un film qui éjectera ou fascinera, à mille lieues de tous ces objets calibrés et lénifiants qui invitent à trier ses déchets.

Ici c'est une bonne vague de 7 mètres dans la gueule pour montrer où on en est. Chacun sa paroisse...