Top films 1920

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Sauf que le directeur de l'établissement a les traits du docteur Caligari, le marionnettiste aux plans machiavéliques contrôlant un pauvre somnambule dans son histoire, et l'intérieur de l'asile présente les mêmes aberrations géométriques que dans son cauchemar. Cesare, la "créature" (cf "Frankenstein", "Nosferatu", etc.) effrayante contrôlée par Caligari, n'est en réalité qu'un simple résident discret de l'asile comme Francis. La scène où il ouvre les yeux pour la première fois a quelque chose de vraiment effrayant.

Histoire de fou racontée par un fou total ou bien par un fou dont la conscience se serait réveillée, on ne saura pas. On pourrait même y voir un simple exercice de style, pour peu qu'on ne soit pas hypnotisé par cet univers horrifique. Robert Wiene ne faisait pas l'unanimité à l'époque : Jean Cocteau dira que "Caligari est le premier pas vers une faute qui consiste à photographier platement des décors excentriques, au lieu d'obtenir des surprises par l'appareil de prise de vues". On reconnaît là le réalisateur d'"Orphée", œuvre relativement peu accessible qui peut susciter une fascination similaire, bien que très différente (beaucoup moins morbide) dans son approche de l'onirisme. Mais on peut très difficilement contester au "Cabinet du docteur Caligari" son importance historique à l'échelle du cinéma (expressionniste, d'épouvante, et tout le reste). Et cette phrase presque finale résonne encore longtemps après que le film soit terminé : "ne le laissez pas prévenir l’avenir ou vous mourrez !".

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André Antoine (encore un qui devait toujours manger en premier à la cantine) s'est ainsi donné beaucoup de mal pour filmer la vie sur une péniche, avec des points de vue aussi nombreux que variés, que ce soit le long de paisibles travellings parallèles aux berges qui regardent la vie au bord des canaux ou lors des passages fréquents de ponts mobiles (se dressant ou se tournant de toutes les façons imaginables). Le pilote que le patron embauche pour l'aider dans ses tâches physiques, qui révèlera ses véritables intentions après une longue période d'acclimatation et de prise d'informations, est interprété par Pierre Alcover, un colosse à la présence assez incroyable — du moins lorsqu'il avait 27 ans... Un peu comme dans La Belle Nivernaise qui se terminait sur le mariage, flirtant avec l'amoral, de deux personnes considérées comme frère et sœur, L'Hirondelle et la Mésange adopte une trajectoire étonnante puisque le pilote qui était destiné à la belle-sœur finira obnubilé par la femme de son patron : une longue séquence effleurant l'érotisme (voire franchement érotique pour l'époque) qui voit la femme s'enrouler le buste d'une broderie agira à ce titre comme un ensorcellement. Le début d'un ultime segment, orientée vers la tragédie et le silence des eaux.

À travers le réalisme des situations (à l'origine de sa quarantaine qui dura 60 ans), la poésie diffuse, le tournage en extérieur qui refuse nettement le studio (par opposition à un Louis Delluc par exemple), ou encore l'interprétation des acteurs qui brillent par leur sobriété à une époque qui favorisait exactement l'inverse, L'Hirondelle et la Mésange développe une étonnante forme de modernité. Déroutante hier, appréciable aujourd'hui.

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Micheaux ne fait pas vraiment dans la dentelle (comme beaucoup de mélodrames qui lui sont contemporains cela étant dit) et souhaite assez clairement choquer les consciences : il a ainsi la main un peu lourde quand il fait le portrait d'une partie de la population noire et de son désir d'ascension sociale ou quand il décrit les différences Nord-Sud à la tronçonneuse. Il insère toutefois un personnage intéressant, celui de la protagoniste Sylvia, issue de la bourgeoisie cultivée tout en étant victime indirecte de la ségrégation. Signe mineur de nuance, il s'intéresse non seulement à certains Blancs qui ont un penchant un peu trop prononcé pour la corde au cou mais aussi à une partie de la communauté noire opportuniste qui souhaite avant tout se faire bien voir de ses maîtres blancs : c'est le cas du pasteur, qui utilise la religion pour asservir ses ouailles en les enjoignant de laisser les Blancs gérer la ville, ainsi que du serviteur extrêmement docile (et simplet) qui précipitera presque malgré lui le lynchage dont il ne sortira pas indemne.

Un film plein de maladresses et d'excès en tous genres, mais empreint d'une violence (morale, entre autres) franche qui détonne tout de même fortement dans le paysage cinématographique de l'époque.

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Il y a aussi cette très belle scène finale dans laquelle le Golem prend une jeune fille dans ses bras, comme attendri après un épisode de colère furieuse (impliquant un homme jeté du haut d'une tour immense et une femme morte traînée dans les rues par les cheveux, figure d'effroi), avant qu'elle ne lui retire l'étoile incrustée sur son torse et lui ôte la vie dans le même mouvement.

L'Allemagne des années 1920 : un récit dénué de stéréotypes sur le peuple juif (à confirmer, étant donné que Wegener collaborera avec le régime nazi et Josef Goebbels au sein du ministère de la propagande) et presque prémonitoire dans sa vision de la menace.