Liste ordonnée de films de 2021 (date de sortie en salle en France)

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Le film demande certes au spectateur de se rendre disponible pendant trois heures. Mais ce qu'il offre en retour est magnifique, et on a envie de le remercier pendant des heures après l'avoir vu. Ryusuke Hamaguchi a su concilier l'exigence narrative (prix du scénario à Cannes) et l'exigence de mise en forme que requiert le cinéma. Hamaguchi (ou Murakami ?) s'autorise, en particulier dans le dernier tiers, des coups de théâtre qui peuvent surprendre, à l'intérieur de la petite musique bouleversante qui s'élabore et nous atteint petit à petit. Mais il ne s'agit pas vraiment de coups de force scénaristiques dans le but de faire avancer son récit : Hamaguchi ne s'intéresse qu'aux répercussions intimes ou existentielles sur ses personnages (ainsi cela ne dénature pas sa démarche). Le prix de la mise en scène aurait tout aussi bien pu lui convenir : si on est attentif aux moindres détails, ce n'est pas uniquement le fait du côté romanesque, mais aussi par la qualité de regard du cinéaste. Il n'y a pas un seul plan de raté ou d'approximatif, on ressent toutes les scènes comme si elles avaient la durée idéale etc. Sans parler de la direction d'acteurs et de la puissance d'incarnation des interprètes... "Drive my car" suit le trajet (intérieur) de plusieurs personnages, mais pas comme une aventure, un parcours linéaire semé d'embûches. Ici, le passé s'invite et dialogue avec le présent, quand bien même le film n'a recours à aucun flash-back et respecte l'ordre chronologique du début à la fin. Aucune longueur malgré sa durée.Tant mieux, car il faut bien 3h pour en apprendre davantage sur les personnages sans les brusquer. Au niveau qualitatif, l'intimité qu'on noue avec eux est sans comparaison possible avec les films qui ne proposent à leurs spectateurs et spectatrices que de tenir la chandelle...Dans l'histoire du cinéma, les films "modernes" ont parfois été reliés au thème de l'incommunicabilité. "Drive my car" est encore travaillé par ça, mais ose peut-être aussi le contraire : d'une part, on continue à être relié aux personnes disparues, et d'autre part, au présent, on n'a pas besoin de parler la même langue pour parler le même langage...

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Ce n'est pas un, mais quatre récits que nous raconte Mohammad Rasoulof dans son nouvel opus (Ours d'or à Berlin en 2020). Ils ne s'entremêlent pas, et peuvent se voir indépendamment les uns des autres, mais ils ont des rapports entre eux, et l'ordre dans lequel ils nous sont présentés ne doit rien au hasard. Ce sont des contes moraux, dont on ne dévoilera pas ici les tenants et les aboutissants, car le cinéaste nous propose un cinéma beaucoup plus narratif que contemplatif (bien que des plans soient de toute beauté, ce qui est remarquable pour un film tourné dans la semi-clandestinité). En fil rouge, le film critique l'usage de la peine de mort en Iran. La grande originalité, par rapport à de précédents réquisitoires (de "La Dernière marche" de Tim Robbins à "La Voie de la justice" de Destin Daniel Cretton), tient dans le fait qu'il s'intéresse non pas aux condamnés à mort, mais aux personnes chargées de les tuer (qui peuvent être par exemple des appelés effectuant leur service militaire). De ce fait, l'intérêt des histoires qui nous sont proposées ici réside moins dans le suspens (bien qu'il y ait des chutes qui peuvent être surprenantes bien que logiques) que dans la réflexion humaniste que ces récits font sédimenter en nous.

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Le cinéma français produit de plus en plus de films "de genre", avec des résultats contrastés. Julia Ducournau avait frappé fort dès son premier long métrage, "Grave", qui était aussi un teen movie. L'attente était forte, et la cinéaste réussit à faire encore mieux avec "Titane", Palme d'or d'un jury cannois audacieux. Alexia est d'abord une petite fille qui survit à un accident de la route grâce à un ajout d'une plaque de titane dans son crâne. Devenue adulte, elle semble avoir perdu toute humanité, entretient avec les automobiles des rapports érotiques, et tue ceux qui se dressent sur sa route. Recherchée par la police après une tuerie, elle tente de se faire passer pour le fils, disparu il y a de longues années, d'un pompier inconsolable, qui survit à coups de stéroïdes... On a le droit de baisser les yeux, à des instants où la scène est difficilement soutenable. Et pourtant, on ne sort jamais de ce film, qui capte l'attention de bout en bout. Il ne le fait pas avec des coups de force scénaristiques. Il s'agit plutôt d'une trajectoire moins prévisible, où de la lumière peut surgir des ténèbres, et une véritable émotion s'installer en profondeur. Le "genre" n'est qu'un moyen qui ne doit pas masquer la singularité et l'amplitude de la mise en scène de Julia Ducournau, plus humaniste qu'il n'y paraît.

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Youri (Alséni Bathily), 16 ans, a grandi à Gagarine, la cité d'Ivry-sur-Seine inaugurée par le cosmonaute russe en 1963. Lorsqu'il apprend que la cité est menacée de démolition, Youri décide de rentrer en résistance. Grand bricoleur, et accessoirement féru d'astronomie, il est aidé dans son entreprise par ses amis, notamment Diane (Lyna Khoudri), une jeune Rom du terrain vague voisin... Pour leur premier long-métrage, Fanny Liatard et Jérémy Trouilh dépoussièrent le regard cinématographique sur la banlieue. Ses jeunes héros, même s'ils sont un peu plus âgés, rappellent ceux des "Petits frères" de Jacques Doillon, loin de l'approche dominante. Mais il y a surtout la mise en scène, audacieuse, maîtrisée, surprenante (même les champs/contre-champs prennent une proportion inédite). Dès les premiers plans, on se sent happé. A partir d'un point de départ réaliste, le film s'en échappe peu à peu et finit par décoller irrésistiblement.

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Sur le papier, l'argument est mince : c'est l'histoire d'une rencontre imprévue, dans un train qui traverse la Russie vers le milieu des années 1990 (les téléphones portables n'étaient pas encore largement diffusés). Elle est amoureuse d'une femme, mais part sans elle, en jeune archéologue, découvrir les pétroglyphes de Mourmansk. Lui est un jeune homme russe qui descend au même endroit, mais pour travailler dans une mine. Mais, à l'écran, cette rencontre prend une ampleur inattendue, mais pas dès le départ : les personnages ne sont pas glamour comme d'autres rencontres de voyage ( genre Winslet et Di Caprio dans "Titanic", ou Murray et Johansson dans "Lost in translation"). Yuriy Borisov est d'ailleurs au bord de la caricature, mais sans jamais y tomber. Mais il se passe toujours quelque chose sur le visage de Seidi Haarla, que la caméra scrute sans voyeurisme. Si ces deux personnages a priori éloignés mettent du temps avant de communiquer vraiment, la mise en scène de Juho Kuosmanen est d'emblée à l'écoute, trouvant la bonne distance et la juste durée des plans pour apporter de la grâce à l'ensemble. "Petit" film, mais grande réussite.

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L'adoption est souvent traitée dans les médias sous l'unique angle des parents adoptants ou du difficile parcours des candidats à l'adoption. Amandine Gay, née sous X, livre des témoignages beaucoup plus rares : ceux d'enfants adoptés en France et devenus adultes. Ils sont cinq, originaires de Corée du Sud, du Brésil, du Rwanda, du Sri Lanka et d'Australie. Cet angle est beaucoup plus politique qu'il n'y paraît, ce qui n'étonnera pas de la part de la réalisatrice de "Ouvrir la voix". Mais la cinéaste ne parle nullement à la place de ces témoins. Au contraire, elle les laisse raconter les nuances de leurs histoires familiales (ils et elles ont eu des parcours, des expériences ou des choix parfois similaires, parfois différents). Formellement, Amandine Gay a fait des choix forts, comme celui de ne pas les faire apparaître face caméra. Leurs témoignages, uniquement en voix off, s'entrecroisent habilement et sont illustrés par des photos ou des vidéos de famille. Et, un peu comme chez Mariana Otero ou Eric Caravaca, ces réflexions intimes nourrissent aussi des questionnements politiques, sur la pluriparentalité ou encore sur les rapports qui sous-tendent l'adoption internationale.

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Deux documentaires en un dans ce nouveau film de Gilles Perret et François Ruffin, peut-être le meilleur qu'ils ont fait (ensemble ou séparément). Le premier mérite du film est de donner la parole à des femmes que l'on entend si peu : auxiliaires de vie, en milieu scolaire (auprès d'élèves en situation de handicap) ou à domicile, agents d'entretien, etc. Les horaires éclatés, les rémunérations au Smic horaire (donc parfois en dessous du seuil de pauvreté, à cause du temps partiel subi), la pénibilité physique. Le second mérite du film est de suivre l'évolution d'une mission parlementaire que Ruffin a initiée, bien avant la crise sanitaire, sur les métiers du lien (très majoritairement féminins, d'où ces rencontres), et qu'il est contraint de mener avec un député LREM, Bruno Bonnell (un personnage très contrasté). La crise sanitaire a brièvement mis en lumière ce précariat (ces "métiers que l'on rémunère si mal", à "l'utilité commune" incontestable, dixit Macron pendant les 2 minutes où il a été de gauche). Mais la majorité présidentielle reste cruellement droit dans ses bottes néolibérales, à part un ou deux mots qui ne coûtent rien. Malgré tout, le documentaire, au montage très digne et agrémenté de chansons de Bourvil, se clôt sur une séquence finale émouvante et formidable, qui donne tout son sens, politique au sens noble du terme, à la démarche.

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Un couple de cinéastes (Tim Roth, à contre-emploi, et Vicky Krieps, la révélation de "Phantom Thread", encore formidable ici) sont en résidence sur l'île de Farö, là où Bergman a résidé et tourné certains de ces chefs d'oeuvre ("Persona", "Scènes de la vie conjugale"). L'ombre du maître plane sur le couple, surtout que de drôlatiques parcours touristiques célèbrent la mémoire du génie du septième art (cruel jusque dans sa vie). Chris et son mari, plus expérimenté qu'elle, sont dans un autre registre, mais chacun a son univers. Au bout d'un moment, Chris commence à raconter ce qu'elle a écrit, et c'est l'histoire d'un autre couple (Mia Wasikowska et Anders Danielsen Lie, inoubliable dans "Ce sentiment de l'été") en séjour sur l'île, le temps d'un mariage, qu'elle raconte... Mia Hansen-Love nous réconcilie avec son cinéma : elle n'est jamais aussi à l'aise qu'en se centrant sur l'intimité, en s'inspirant peut-être du couple qu'elle a longtemps formé avec Olivier Assayas. L'exercice de style aurait pu être nombriliste, il est en fait délicieux et magnifiquement incarné. La fluidité avec laquelle on passe d'une couche à une autre (et même de Bergman à ABBA !) est remarquable.

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L'histoire d'une chanteuse issue d'un milieu populaire et qui va devenir une diva de la variété internationale, jusqu'à évoluer dans une absurde prison dorée... Le personnage s'appelle Aline Dieu, mais on peut bien sûr penser à une personnalité bien réelle, "trésor national" au Québec. Jadis, Robert Charlebois avait évoqué les paradoxes de la vie de star populaire dans une poignante chanson, "Ordinaire". Celle-ci pourrait servir de fil rouge à cet étonnant long métrage. Mais, n'empêche, Valérie Lemercier est, elle, assez extraordinaire, justement. Le grand budget dont elle a disposé ne sclérose pas sa mise en scène. Dans le genre si normé du biopic, elle ose des scènes pleines d'invention, subtilement décalées (au sens non dévoyé du terme : par leur extravagance, certaines scènes font d'une certaine façon un pas de côté par rapport aux conventions). C'est une sorte de paradoxe, alors que la deuxième partie de carrière de l'idole est fait de shows calibrés à l'américaine. Le film ose évoquer son enfance ou son histoire d'amour avec une sorte de pygmalion sans tomber dans la caricature. Ni hagiographie, ni satire, Valérie Lemercier trouve un ton qui n'appartient qu'à elle. Respectant l'intelligence et la sensibilité des spectateurs et spectatrices, elle fait preuve de nuances, mais des nuances flamboyantes...

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Un chanteur de rue quitte Paris pour Lourdes où il tente de retrouver une jeune femme qui lui est apparue la veille dans la Capitale. C'est le tout début d'une histoire certes improbable, mais qui se prête fort bien à une comédie musicale réjouissante. Les frères Larrieu sont des cinéastes imprévisibles à la filmographie très inégale. Ici l'audace paye : on se réjouit de voir Mathieu Amalric entonner des chansons composées par Philippe Katerine, Josiane Balasko se lancer dans un duo avec la voix de Dominique A, ou encore Mélanie Thierry déclamer de façon piquante du Jeanne Cherhal. Sans oublier le chanteur Bertrand Belin, au charisme oscillant entre Bashung et Mitchum, dans un rôle de musicien pas complètement accompli. "Ne soyez pas vous même" est le message drôlatique qui s'échange entre deux des personnages principaux. Une devise qui peut s'adresser aussi aux spectateurs/trices pour apprécier au mieux la réussite de "Tralala".

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Les politiques "sécuritaires" aggravent les problèmes qu'elles sont censées résoudre. On le voit aussi en Iran, où la toxicomanie progresse en flèche, alors même que la détention de 30g de drogue peut faire risquer la peine de mort tout autant que s'il s'agissait de plusieurs kilos... C'est dans ce contexte qu'on suit un flic (Payman Maadi, déjà apprécié dans "Une séparation") tenter de remonter une filière. Peu à peu, le film glisse vers une sorte de duel entre ce flic et un "gros poisson" (Navid Mohammadzadeh). La mise en scène aurait pu se contenter d'être efficace. Elle l'est indéniablement, mais le film enrichit les personnages, non réduit à des archétypes, et laisse aussi quelques scènes mémorables (entre autres une course-poursuite inaugurale interrompue de la plus inattendue des manières, ou une démonstration de gymnastique qu'un petit garçon exécute au parloir d'une prison, en guise d'adieu à son oncle).

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Tourné par un réalisateur français au Cambodge (l'intrigue se passe en réalité aux Philippines) avec des acteurs japonais, cette production atypique impressionne. Elle raconte l'histoire authentique de Onoda, un officier japonais formé par une unité spéciale (avec une éthique très différente de l'armée régulière), qui est envoyé en 1944 à Lubang, une île des Philippines, avec un commando. Attendant d'être relevé de sa mission par un supérieur, il se croit toujours en guerre, un quart de siècle après l'armistice. Il ne faut pas avoir peur de la durée du film (plus de 2h40), car on ne voit pas le temps passer. Arthur Harari réussit une fresque très inhabituelle dans le cinéma français, avec un sens de l'espace (qui peut faire penser autant à Werner Herzog que Terrence Malick) et un antihéros passionnant même si on le suit sans fascination (il n'a pas un charisme à la Klaus Kinski) ni sympathie.

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Il y a deux siècles, dans un coin perdu de l'Oregon, Otis, un cuisinier (surnommé Cookie) et King-Lu, venu de Chine, se rencontrent alors qu'ils projettent de faire fortune dans le Nouveau Monde. Ils en viennent à se lancer dans la vente de beignets au miel, concoctés à partir du lait, tiré en douce de la première vache de la région, appartenant à un riche négociant... Le film est éminemment politique, montrant la logique capitaliste à ses débuts (jusqu'à faire acheter à un client quelque chose qu'il possède déjà, en quelque sorte). Mais la cinéaste n'accable pas les deux compères, qui n'ont rien des notables héritiers de l'accumulation primitive pré-capitaliste (liée à l'esclavage puis la colonisation). On peut même voir le film comme une grande histoire d'amitié entre les deux filous. De même la traite nocturne de la vache est montrée comme une relation de respect, voire de tendresse entre l'homme et l'animal. Formellement, le film est une épure. La musique est discrète, parcimonieuse. Ce qui intéresse Kelly Reichardt, c'est le concret, des sons, des gestes, dans une mise en scène dépouillée qui magnifie les extérieurs et la lumière naturelle. Un des plus beaux films de la cinéaste, trop discrètement distribué dans les salles françaises, qui l'ont sorti tardivement, plus d'un an et demi après sa sélection au festival de Berlin, juste avant la crise sanitaire...

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Annie Ernaux bénéficie enfin d'une adaptation solide de l'un de ses récits. Nous sommes en France au début des années 1960, et Anne est une prometteuse étudiante en lettres issue d'un milieu modeste. Elle tombe enceinte, et n'a le choix qu'entre garder l'enfant (au risque d'abandonner sa vocation littéraire) ou avorter clandestinement à ses risques et périls, compte tenu de la législation de l'époque. Pour son deuxième long métrage, Audrey Diwan fait un choix stylistique fort : dans un format 4/3, elle multiplie les plans serrés sur son héroïne. Par ce dispositif, elle donne ainsi à percevoir l'étau qui se referme sur Anne, et déjoue également l'écueil des reconstitutions historiques trop léchées. Anamaria Vartolomei endosse le rôle avec abnégation mais sans ostentation, et peut s'appuyer sur de solides seconds rôles utiles à l'ancrage sociologique du récit (Luana Bajrami, Sandrine Bonnaire, Kacey Mottet Klein). Le film a touché le jury du festival de Venise, qui lui a attribué le Lion d'or (devançant les nouveaux films d'Almodovar ou de Jane Campion).

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Au départ, on se demande quel est l'intérêt de revisiter cette comédie musicale déjà adaptée au grand écran par Robert Wise en 1961. Le livret est le même, et l'hommage est respectueux, que ce soit dans la mise en images qui ranime le Technicolor de l'époque, ou dans les brillantes chorégraphies de Justin Peck, très inspirées de celles de Jerome Robbins dans la première version, mais en les transposant parfois encore davantage en extérieur. Et puis on se rend compte que Spielberg apporte un nouveau regard. Comme dans ses réalisations les plus adultes, il y ajoute plus de noirceur, voire un peu de politique : le théâtre des affrontements entre le gang des Jets et celui des Sharks est un quartier qui se gentrifie, avec des immeubles en ruine qui seront remplacés par des nouveaux logements pour une population plus aisée. Le thème du racisme semble également plus développé, et le destin des personnages en sort d'autant plus poignant. Au final, cette version n'efface pas l'originale, mais en propose une nouvelle lecture qu'on aurait bien tort de bouder.

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Joachim Lafosse continue d'explorer les thèmes du couple et de la famille. Ici, il suit les affres d'un père peintre atteint de bipolarité (maladie mentale moins souvent frontalement représentée que les dépressions classiques) et les conséquences sur son entourage, en premier lieu sur sa femme et son fils, aimants. On voit d'abord davantage les épisodes maniaques (tout aussi problématiques que les épisodes dépressifs), la suractivité, y compris nocturne, la tentation d'échapper aux prises de lithium... Par une mise en scène intense, le cinéaste belge arrive à regarder ses personnages sans les juger ni les condamner. Il y parvient par la mobilisation de son équipe technique et de ses interprètes : Leïla Bekhti, aussi impliquée que l'était Emilie Dequenne ("A perdre la raison") ou Bérénice Bejo ("L'Economie du couple") dans les précédents films de Lafosse, et bien sûr Damien Bonnard, nuancé sans être dans la retenue...

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Virginie est une mère célibataire qui a abandonné l'élevage de chèvres pour un élevage de sauterelles. Elle espère en tirer une farine hyperprotéinée qui pourrait alimenter d'autres bêtes. Mais les premiers clients souhaitent une plus grande quantité, et moins cher... Le réalisme des premières scènes rend crédible la suite qui couve, plus ou moins horrifique. Il pose des questions politiques, structurelles, sans verser dans le moralisme vis-à-vis de ses personnages. On peut comprendre que Virginie veuille se saigner aux quatre veines pour nourrir sa famille, et les enfants ont une existence propre, la fille ainée étant peut-être le personnage le plus perspicace du film. La bande son est très travaillée, et même impressionnante. Sorte de croisement entre l'horrifique animalier ("Les Oiseaux", "Phase IV") et le drame agricole ("Au nom de la terre"), le premier long-métrage de Just Phillipot est le meilleur film "de genre" français depuis "Grave" de Julia Ducournau.

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C'est l'histoire d'une lycéenne qui tombe amoureuse pour la première fois. Les prémices semblent banales, mais les deux adolescents ne le sont pas : on découvrira qu'elle vient d'une famille aisée, mais qu'elle a une maladie sérieuse, et que son amoureux se dépêtre avec la drogue... Les ingrédients pourraient être ceux d'un drame édifiant, mais Shannon Murphy en fait autre chose, un film plus enlevé, plus pop, plus proche d'un journal intime d'ado, sans jamais tomber dans la facilité ou l'édulcoration. La haute personnalité de son héroïne comme les audaces de la mise en scène dans certaines séquences ne sont pas sans rappeler Jane Campion période "Un ange à ma table". Un premier film très prometteur.

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Ruben et Lou, ensemble à la ville comme à la scène, sillonnent les Etats-Unis de concert en concert, avec leur groupe de metal. Un soir, l'audition de Ruben se dégrade. Il consulte un médecin qui lui annonce qu'il sera bientôt sourd. Ruben va-t-il apprendre à vivre avec sa surdité au sein d'une communauté de sourds, ou va-t-il tenter de réunir la somme conséquente que coûterait un implant ? Le film avance pas à pas avec Ruben. Si le traitement du son est remarquable, quoique attendu, le film convainc par sa finesse d'observation, dans les détails de l'expérience de Ruben, et dans l'évolution de sa vie sociale. Cette production indépendante, loin de tout effet mélodramatique, bénéficie également des interprétations, d'une grande justesse, de Riz Ahmed et Olivia Cooke.

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L'action se passe au Pays basque, en 1609. De jeunes tisserandes sont brusquement arrêtées et accusées de sorcellerie, simplement parce qu'elles vivent dans un village de pêcheurs, abandonné une partie de l'année par les hommes, mais terre de mission pour l'Eglise catholique... Le film est tourné en Espagne par un réalisateur argentin, Pablo Agüero, mais est inspiré par la mission inquisitrice dans le Pays basque français du juge Pierre de Rosteguy de Lancre (à la demande d'Henri IV). La mise en scène est très relevée, avec des moments d'anthologie, et le film, historique mais qu'on regarde avec nos yeux d'aujourd'hui, peut faire écho à des questionnements contemporains (sur le stigmate de "sorcière" et la manière dont on peut le retourner).

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On a peine à croire que ce film d'animation français est tiré d'un manga à succès de Jirô Taniguchi et Baku Yumemakura de plus de mille six cent pages, tant la fluidité narrative n'est jamais mise en défaut dans la réduction inévitable en un récit d'une heure et demie. Habu est un alpiniste solitaire (ses rares compagnons de cordée semblent l'encombrer), qui rêve d'inscrire son nom dans les annales de sa discipline. Après plusieurs revers marquants, il disparaît des radars. Une dizaine d'années plus tard, Fukumachi, reporter montagnard, croît l'apercevoir à Katmandou... Le film commence comme une enquête et se nourrit de nombreux flash-back. Puis peu à peu c'est surtout la quête de Habu que l'on accompagne, avec des séquences vertigineuses qui deviennent aussi un hommage à l'inhospitalière beauté des plus hautes montagnes.

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Le roman fleuve de Balzac comportait trois parties. C'est essentiellement la deuxième qu'a choisi d'adapter Xavier Giannoli. L'histoire d'un jeune homme qui écrit des poèmes, et monte à Paris en espérant se faire éditer. En attendant, il accepte un emploi de journaliste littéraire... Ce qui frappe d'emblée, c'est l'audace, l'insolence de Balzac, qui livre un quasi-pamphlet du monde de la presse de l'époque, partagé entre partisans d'un pouvoir fort (royalistes) et avant-garde d'opposition libérale (y compris au sens économique du terme, tout s'y achète, les contrats l'emportent sur les convictions). Le récit est saturé d'ironie derrière chaque personnage, chaque dialogue. Du pain béni pour les interprètes (dont Jean-François Stévenin, dans un dernier rôle savoureux), qui s'y donnent à coeur joie. Devant sans doute gérer un budget important, Xavier Giannoli semble moins radical dans sa mise en scène, qui vise davantage la bonne copie consensuelle et élégante (même si dans ce matériau se glisse des éléments qui pourraient renvoyer également... au monde d'aujourd'hui).

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On entre dans ce nouveau film d'Apichatpong Weerasethakul avec une certaine appréhension. L'écosystème fragile de son univers allait-il survivre au déplacement de la Thaïlande à la Colombie, et à l'emploi de stars internationales du cinéma d'auteur (Tilda Swinton, Jeanne Balibar) ? Le point de départ est de plus assez casse-gueule : l'héroïne entend par moments une détonation mystérieuse. Elle est apparemment la seule à les percevoir (enfin presque, puisque les spectateurs aussi). Elle mène son enquête singulière (sur un son !), qui intrigue malgré (en fait grâce à) la lenteur délibérée des plans. Et force est de constater que le cinéaste arrive une nouvelle fois à nous hypnotiser, à nous embarquer par une étrangeté inimitable, jusqu'à une dernière partie qui justifie le titre, recelant de surprenantes réminiscences mémorielles. Une expérience sensorielle à tenter.

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Pour la première fois depuis "La Mauvaise éducation", Pedro Almodovar évoque les heures sombres de l'histoire espagnole (en ouverture et conclusion de ce film), tout en se concentrant sur autre chose, les destins liés de deux femmes d'âges différents qui accouchent le même jour. La force de la narration n'est pas de ménager des coups de théâtre (certains se voient d'assez loin), mais de croiser des enjeux de nature diverse. On peut s'interroger, à froid, sur le traitement de certains éléments. Ou s'étonner de l'importance qu'accorde Almodovar au lien biologique dans la filiation, ou du fait que les deux familles ont des employées de maison qu'elles ne traitent pas très bien (le film le dénonce-t-il ?). Mais, à chaud, et c'est l'atout du film, on est de bout en bout captivé par les personnages et leurs interprètes. En particulier, Penelope Cruz n'est jamais aussi bien que sous la direction du cinéaste, sans compter le talent de la nouvelle venue, Milena Smit, ainsi qu'un personnage masculin nuancé (Israel Elejalde).

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Deux compères qui survivent de combines assez aléatoires découvrent, dans le coffre d'une voiture qu'ils se sont (drôlement) appropriée, une mouche géante. L'un des deux propose de l'apprivoiser et de la dresser pour lui faire faire tout ce qu'ils souhaitent... Le point de départ est absurde, et les personnages sont très décalés (les deux glandeurs bien sûr, mais aussi d'autres personnages rencontrés par la suite). Mais, contrairement à certains films précédents de Dupieux qui s'usaient en cours de route, ici la note est vaillamment tenue jusqu'au bout, la durée (1h17) n'étant pas excessive. Le réalisateur donne ses lettres de noblesse à la crétinerie, qui lui permet une belle créativité, à distance de l'auteurisme comme de la vulgarité des produits grand public. Dix ans après le cultissime "Rubber", parodie de genre tournée aux Etats-Unis autour d'un pneu tueur, Quentin Dupieux fait, en langue française cette fois, à nouveau mouche.

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Après "L'Empire de la perfection", consacré à John McEnroe, Julien Faraut propose un nouveau documentaire sportif sortant à nouveau de l'ordinaire. Il s'intéresse à l'histoire très singulière d'une équipe féminine de volleyball, constituée d'ouvrières d'une usine textile, qui va devenir au début des années 1960 l'équipe nationale du Japon, et accumuler les victoires internationales (record jamais battu), jusqu'aux championnats du monde et aux Jeux olympiques de Tokyo. Si le film réunit certaines des protagonistes, il offre surtout des images d'archives impressionnantes, sur leurs entraînements notamment, que Julien Faraut mêle de façon audacieuse à des extraits de manga inspirés par leur épopée, grâce à un sens du montage assez exceptionnel.

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Nelly, 8 ans, n'a pas eu le temps de dire au-revoir à sa grand-mère maternelle. Avec ses parents, elle se retrouve dans la maison de la défunte, qu'il va falloir vider. Sa mère retrouve ses cahiers d'écolière. Puis elle part, laissant seuls la fille et son père. Nelly joue seule avec un jokari, l'élastique casse. En cherchant la balle perdue, elle tombe sur sa maman, enfant, à l'âge de 8 ans... Même s'il y a des constantes, la cinéaste Céline Sciamma continue de se réinventer à chaque film. Après la grande forme, flamboyante, de son "Portrait de la jeune fille en feu", elle livre un opus plus intimiste sur le deuil et les liens familiaux, sous forme de fable fantastique. Son minimalisme ne plaira pas forcément à tout le monde, mais c'est pourtant là son intérêt : elle arrive à recréer tout un imaginaire avec une très grande économie de moyens. Elle tire le meilleur parti de ses petites comédiennes (les jumelles Joséphine et Gabrielle Ganz), avec un souci du détail et une discrète profondeur.

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On ne dira jamais assez à quel point le cinéma d'animation peut receler une grande richesse artistique, ne serait-ce qu'en s'intéressant à la grande diversité des techniques utilisées (a fortiori si on s'écarte des produits calibrés pour le succès). Depuis ses courts-métrages remarqués ("Hammam", "Conte de quartier", vus il y a quelques années au festival de La Rochelle), Florence Miailhe utilise la peinture animée (sur plaque de verre), ce qui donne ici un premier long métrage d'une grande beauté esthétique. L'écrin accompagne l'odyssée d'une adolescente contrainte de fuir un pays ravagé par la guerre, et de tenter avec son petit frère de passer la frontière et peut-être de rejoindre ses parents. Les épreuves successives sont montrées sans aucune niaiserie, tout en restant accessible au jeune public (adolescent).

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Constance veut sauver la ferme de son père de la faillite, en montant avec son fiancé un projet de reprise de l'exploitation, moins quantitatif mais plus qualitatif, éthique mais viable économiquement. Elle obtient le soutien d'un responsable syndical des exploitants, mais celui-ci abuse d'elle. Constance commence par encaisser en silence... Pour son deuxième long métrage, Naël Marandin réussit à tenir les deux thèmes de son drame (les difficultés paysannes dans le modèle agricole dominant, et les agressions et crimes sexuels), sans en sacrifier aucun, et en montrant comment ils s'entrelacent. Diane Rouxel n'est pas une star, mais une grande actrice qui nous fait comprendre la complexité des réactions de son personnage et de la notion de non consentement. Les mille nuances de son jeu constituent le grand atout du film, et compensent une musique un peu trop présente et à l'efficacité convenue.

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Bill Baker, un ouvrier américain spécialisé dans les forages pétroliers, rend visite à sa fille, emprisonnée à Marseille pour le meurtre de sa petite amie qu'elle dit ne pas avoir commis. Le jugement étant déjà tombé, il décide de rester dans la ville et de mener sa propre enquête (forcément maladroite). Ne parlant pas français, une jeune femme rencontrée par hasard lui sert d'interprète. Il s'installe chez elle et sa ravissante gamine... Malgré sa trame scénaristique, le film n'est pas un polar tendu (comme l'était "Spotlight", un précédent film du cinéaste), plutôt un drame qui prend le temps d'accompagner ses personnages attachants, qui s'apprivoisent malgré les différences culturelles qui ne sont pas niées. Belle interprétation d'ensemble, Matt Damon et Camille Cottin en tête.