JAZZ - Blues

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Disque enregistré entre 1925 et 1928 par Armstrong et ses groupes Hot Five et Hot Seven.

Louis Armstrong est le pionnier du jazz et le premier grand soliste du jazz. Il pose les fondations de cette musique noire américaine qui aurait pu demeurer un folklore limité au sud des États-Unis, et qui s’est répandue au contraire dans le monde entier. Armstrong affirme son style très tôt, le tout dans un beau sourire : une attaque franche à la trompette, une articulation parfaite (chaque note est parfaitement détachée, comme ciselée), un son puissant , très clair, ouvert, avec beaucoup de « feeling », un vibrato ample.

Entre 1925 et 1928, “Satchmo” grave une série de titres mémorables à la tête de ses Hot Five et Hot Seven. Les vingt-six titres enregistrés par son premier Hot Five entre novembre 1925 et novembre 1926 consacrent la prééminence du soliste. L’orchestre de jazz de La Nouvelle-Orléans est fondé sur le jeu collectif, un jeu d’ensemble, jeu d’unisson entre les différents instruments qui est ponctué par de courtes séquences d’improvisation collective. Dans les premiers temps du jazz, les musiciens ne jouent en solo que dans les courts breaks qui parsèment les morceaux. L’esprit libre du pionnier de ce petit-fils d’esclave, c’est le dépassement des conventions. Il invente une musique pleine de joie et de larmes, de désir et de liberté. En s’imposant comme soliste, Armstrong fait éclater l’orchestre Nouvelle-Orléans. Par sa riche personnalité, il rompt l’équilibre organique d’une musique polyphonique en ouvrant la voie à une nouvelle musique, plus personnelle.

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Dans les années vingt, Coleman Hawkins « invente » le saxophone ténor. Il n’est pas le premier musicien de jazz à utiliser l’instrument, mais il en transforme la physionomie en profondeur et en fait le rival de la trompette qui est alors l’instrument-roi du jazz.

Le 11 octobre 1939 il enregistre une version d’anthologie de « Body And Soul ». À l’image du « West End Blues » de Louis Armstrong, du « These Foolish Things » de Lester Young et du break de « A Night In Tunisia » de Charlie Parker, elle fait partie de l’histoire. En quoi cette version, ces deux chorus d’improvisation, ont-ils fait date ? Coleman Hawkins a délaissé les sautillements d’un phrasé staccato emprunté aux clarinettistes de l’époque (chaque note est détachée) au profit d’un jeu plus fluide (le vibrato gagne en ampleur, la sonorité en épaisseur), tout en lyrisme suave qui, avec le temps, se modernisera en se patinant, s’assouplissant..

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Django Reinhardt, manouche, est né dans la roulotte familiale en Belgique. Autodidacte, analphabète, Django explore librement la musique. À treize ans, il joue dans les bals musette. La nuit du 2 novembre 1928, sa vie bascule : il est brûlé dans l’incendie de sa roulotte. Il perd partiellement l’usage de la main gauche. Il parvient à se forger une technique instrumentale adaptée à son handicap et, au terme de plus de deux ans d’efforts intenses, il peut jouer à nouveau de la guitare et devient un célèbre virtuose.
La création du Quintette du Hot Club de France par Django Reinhardt et Stéphane Grappelli en 1934 est un moment décisif. D’une part pour le guitariste qui va connaître un énorme succès. Le Quintette du Hot Club de France, composé uniquement d’instruments à cordes, va connaître un énorme succès. Décisif aussi puisqu’il correspond à l’émancipation d’un « jazz français » puisqu’il signe l’avènement d’une musique au swing inédit, sans tambour ni trompette ; il permet la création d’une musique, un nouveau langage pour le jazz européen qui, pour la première fois, s’affranchit du modèle noir américain. Django est avec Charlie Christian le pionnier de la guitare jazz, instrument qu’il a permis de s’émanciper en lui donnant une dimension orchestrale.

Cet album se présente comme un « best of ». Sont représentées deux phases de son art : à la guitare acoustique et, peu de temps avant sa disparition en 1953, à la guitare électrique. Django a troqué sa vieille guitare acoustique pour une Selmer électroacoutique. Il s’essaye avec succès au bebop. C’est un jeu d’une grande fraîcheur, complètement imprévisible, d’un élan vital qui jaillit de la six-cordes de Django. La nostalgie, le swing, la joie, la tendresse, une exaltation immense, sa musique s’entend aujourd’hui comme l’une des plus stimulantes célébrations du swing.

Verve (1947-1953)

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Cet album est réalisé au cours de deux sessions d’enregistrement, l’une en août 1949, l’autre en mai 1951. La première session réunit un quintette, Bud Powell’s Modernists, avec le trompettiste Fats Navarro, le saxophoniste ténor Sonny Rollins, le contrebassiste Tommy Potter et le batteur Roy Haynes et en trio avec Potter et Haynes. Pour la deuxième session, Bud Powell a formé un trio avec Curly Russell (contrebasse) et Max Roach (batterie) ou joue en solo.

Verbe (1949-1951)

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Après l’ère swing et avant, dans les années quarante, le bebop qui est la première révolution jazzistique, on assiste à un mouvement de revival (résurrection) du New Orleans, le jazz Nouvelle-Orléans des origines. Ce revival a été considéré à tort comme une réaction au jazz moderne, le bebop puisque son apparition précède de quelques années la naissance du bop. Ce New Orleans revival va connaître un grand succès en France dans les années cinquante, Sidney Bechet en étant la figure la plus emblématique et médiatique.

Le Fabulous Sidney Bechetl réunit plusieurs morceaux d’anthologie (« Shine », « All Of Me », « Avalon », « Rose Of The Rio Grande », « Sweet Georgia Brown »).

Blue Note (1951-1953)

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Tous les lundis, le public se presse au Haig. Il n’est pas rare d’y rencontrer, aux premières tables, Marilyn Monroe et d’autres stars de Hollywood venues écouter le quartette de Gerry Mulligan. C’est précisément dans ce petit club de jazz hollywoodien situé au 638 South Kenmore Avenue que le saxophoniste baryton forme son quartette au printemps 1952. Cette scène sera onze mois durant le laboratoire idéal de l’orchestre et la meilleure salle de répétition possible avant les différents enregistrements pour le label Pacific Jazz de Richard Bock qui est assimilé au jazz dit « West Coast » ou « Cool », ici dans le sens de frais. Dès son apparition sur la scène du jazz à l’automne 1952, le quartette sans piano (Gerry Mulligan, saxophone baryton ; Chet Baker, trompette ; Bob Whitlock, contrebasse ; Chico Hamilton, batterie) connaît un grand succès.

Cette association prolifique Gerry Mulligan / Chet Baker fut éphémère (moins d’un an), elle s’interrompra en 1953. Arrêté en possession d’héroïne, Gerry Mulligan se retrouvera derrière les barreaux pour six mois. Pendant ce temps, Chet Baker entamera une carrière solitaire, très vite couronnée de succès. »

Pacific Jazz (1952-1953)

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L'éruption fracassante du bebop au début des années quarante, est le grand tournant de l’histoire du jazz : en deçà, on parlera de jazz “classique”, au-delà, de jazz “moderne”. La modernité du jazz est là, surgie d’un coup, comme toujours en avant dans les moments de rupture, de jaillissement. Lassés de la rigidité des big bands, de leur musique commerciale, de sa structure swing, ils sont plusieurs musiciens, dont Charlie Parker et Dizzy Gillespie, les deux chefs de file du bebop, à se réunir en petits groupes après les concerts, « after hours », sur la 52e Rue, à Harlem, à l’Onyx ou au Minton’s Playhouse.

Verve (1952)

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Prestige (1956)

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Verve (1957)

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Sorti en 1956, c'est le premier de trois albums enregistrés en duo par E. Fitzegarld et L. Armstrong pour le label Verve Records, avant Ella and Louis Again (1957) et Porgy and Bess (1957).

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Verve Records, 1957

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Decca, 1958

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Impulse! Records (1963)

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Johnny Hartman est le seul chanteur avec lequel John Coltrane a enregistré en tant que leader. L'album se situe durant deux années (1962-63) durant lesquelles le saxophoniste prit du recul dans sa carrière par rapport au « New Thing » qu'il explorait alors. Il enregistre les Ballads, et signe deux albums de commandes : les duos avec Duke Ellington (Duke Ellington and John Coltrane, 1962) et Johnny Hartman.

Pourtant inconnu à l'époque, Hartman hésita avant d'accepter le contrat : il ne se considérait pas comme un chanteur de jazz et ne pensait pas que cette collaboration serait fructueuse. Le producteur Bob Thiele encouragea Hartman à aller écouter Coltrane au Birdland à New York. Après le concert, Hartman, Coltrane et McCoy Tyner ont joué quelques morceaux ensemble. Le 7 mars 1963, Hartman et Coltrane s'était mis d'accord sur une liste de 10 chansons à enregistrer, mais, sur le chemin vers le studio, en entendant Lush Life chanté par Nat King Cole, Hartman décida d'ajouter ce morceau sur l'album.

Presque tous les morceaux ont été enregistrés en une prise, sauf You Are Too Beautiful, qui nécessita deux prises, Elvin Jones ayant laissé tomber une de ses baguettes.


C'est l'un des albums de jazz préféré de Kyle Eastwood

https://www.youtube.com/watch?v=PUnyG01x7uk

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Enregistré en 1968

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Bill Szymczyk était fan de BB King depuis son enfance, il ne cessait de répéter: "Je veux produire B.B." On lui répondait "Tu ne peux pas, tu es blanc et tu es trop jeune."
Il s'est dit qu'en réunissant plusieurs musiciens pour jouer avec B.B.: "ça donnerait de jolies choses. J'ai proposé l'idée à B.B. Il a répondu qu'il était intéressé mais par pour tout un album; J'ai proposé une moitié d'album en live avec son groupe et l'autre moitié en studio avec mes gars. Il a accepté, ça a donné "Live & Well". Huit mois plus tard, on prévoyait de faire un nouvel album et il a accepté de le faire uniquement avec mes gars." (Bill Szymczyk).

Album produit en 1969