On regarde quoi en 2024? (Films)

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Promising Young Man

Remarquée grâce à Promising Young Woman, Emerald Fennel livre son deuxième long-métrage Saltburn et convainc qu'elle est une jeune réalisatrice qu'il va falloir suivre de près. Lorsque l'on rentre dans le film à l'aveugle, on ne sait où placer nos suspicions, car tous les protagonistes semblent cacher leur jeu, et au fur et à mesure que ce déroule ce récit dépeignant l'ennui des trop riches, la tension monte jusqu'à un point de bascule à mi-chemin qui fait lâcher une moue de dégoût. Puis tout s'enchaîne, et alors que les dominos tombent, on se rend également compte de l'incroyable talent de Barry Keoghan aperçu jusqu'alors dans des petits rôles ne lui faisant pas honneur. Le thriller est prenant, beau et gerbeant à la fois, et on ne pourra lui reprocher que sa fin trop explicite, car le doute ne planant plus, il était inutile de nous prendre par la main pour revisiter toutes les scènes clés.

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Il est tombé par terre, c'est la faute à Hüler

De part une mort aux circonstances trop floues s'engage un procès, celui d'une femme que l'on acculera jusqu'à étaler toute l'intimité de son couple avec la hargne d'un roquet. Et si l'on ne saura jamais si son mari est victime d'un accident, d'un meurtre ou d'un suicide, c'est parce que là n'est pas le sujet abordé par Justine Triet. On construira le portrait de Sandra pour mieux le démolir par l'entremise de la hargne judiciaire à laquelle elle fait face, en faisant tour une manipulatrice meurtrière, une mère indigne et une femme aux mœurs douteuses, alors même que les pièces présentées lors du procès tendrait à ranger le spectateur de son côté. Et lorsque le verdict tombe enfin, on n'en tirera rien, pas plus que le personnage brillamment campé par Sandra Hüler. Chapeau madame la juge.

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Play "Sabotage"

Années après années, Soderbergh continu de lâcher des petites pépites qui ne rencontrent pas forcément leur public. En 2022, alors que l'on sort le nez dans la pandémie, c'est Kimi qui débarque sur HBOMax, thriller paranoïaque parfaitement ficelé et utilisant intelligement le Covid pour caractériser son héroïne et l'univers dans lequel elle évolue. En 1h30, Zoë Kravitz déroule une intrigue simple et efficace, avec arc évolutif et catharsis inclus. Un film à l'ancienne dans un contexte moderne, et au dynamisme certain, Kimi vaut clairement le détour.

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Name Dropping à gogo

Avec son animation singulière rappelant Laïka, ses designs originaux, ses personnages attachant et son rythme endiablé, Mutant Mayhem semblait être le film idéal pour relancer une franchise qui a été au mieux médiocre jusqu'ici (le dessin animé des années 80), ou absolument infâme (les productions Michael Bay). Mais malheureusement, tout le métrage est alourdi par une écriture lourdingue qui se contente de lâcher trois références pop à la minutes et se vautre dans un langage "djeun" éphémère, et ce jusqu'à l'indigestion. Un film qui vieillira très mal par ce simple sabordage, et qui partait pourtant avec de bons atouts.

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Money never slips (away)

Une incursion efficace dans les bureaux froids et cyniques d'une des boîtes responsables de la crise de 2008 qui sortira la première du feu en usant de ses parachutes dorés. Tous les acteurs sont bons, dans le rôle de crevures dont les états d'âmes s'arrêtent dès que le montant du chèque est annoncé. Et si l'on a aucune empathie pour eux, ils fascinent de par leur détachement et leurs justifications qu'ils semblent plus se répéter pour se convaincre eux-mêmes que les autres. Prenant.

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Claire à les foies

Unsane a été tourné en secret par Soderbergh sur un iPhone 7, et a réussi son expérience de faire d'un petit film B un succès artistique et commercial compensant largement son petit budget à 1,5m$. Mais il se révèle surtout être un thriller diablement efficace, avec un changement de paradigme à la moitié, et où l'image distordue nous fait pénétrer dans la psychée tourmentée de Sawyer (admirable Claire Foy). Quand en plus de cela, il aborde le sujet du harcèlement et des arnaques à l'assurance dans les milieux hospitaliers avec une telle frontalité, il se gagne une place de bonne petite pépite méconnue.

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Revu

An American Tale

Je n'avais pas revu Erin Brockovich depuis sa sortie en 2000, il y a donc 23 ans, et force est d'admettre que c'est très prenant. C'est une histoire simple, sans débordements ostentatoires de réalisation (Soderbergh se concentrant là sur ses personnages et son affaire), portée par une Julia Roberts au sommet de sa forme, la musique de Thomas Newman qui ancre le film dans son époque, des filtres jaunes comme on en fait plus sauf pour représenter le Mexique, et un Aaron Eckhart au look douteux. Pas que des compliments, mais pourtant ça fonctionne quand tout ça est mêlé ensemble pour donner un film de réussite, avec de la gouaille et du feel-good. Ca peut paraît facile, mais quand c'est bien fait que ça marche, ça rendrait presque nostalgique.

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And action!

Avec Stéphane, on ne sait jamais sur quel pied danser. Alors qu'on attend la bascule tout au long des bizarreries qui s'accumulent, on perd aussi en empathie pour Timothée, et on se demande comment tout cela va finir (mal, on s'en doute). Et le final, faisant parfaitement usage du format found-footage, est en apothéose, avec une imagerie purement cinématographique mise au service de tout ce qui a été construit jusque là. Un film anxiogène, potache, et malin, qui fait avec trois bouts de ficelles bien plus que la floppée de productions Blumhouse ou autres productions train fantôme.

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Timbré

Charade est avant tout une question d'alchimie :
L'alchimie entre son couple d'acteur en parfaite osmose avec d'un côté Audrey Hepburn toujours aussi pétillante et de l'autre Cary Grant qui s'amuse de son charme naturel, d'une part.
L'alchimie entre le film d'espions, la comédie, et la comédie romantique, où là aussi un savant équilibre est trouvé pour que l'on soit mouvementé par les multiples rebondissements et faux semblants, tout en appréciant l'enchaînement des situations comiques et répliques cinglantes, d'autre part.
Une joyeuse histoire de noms interchangeables, de cadavres en pyjama, et d''escapades dans le Paris des années soixante.

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Total Anihilation

Si How to blow up a pipeline traite avec sérieux son sujet, il réduit au strict minimum ses personnages pour se concentrer sur une forme de film de braquage. Malheureusement, j'ai trouvé l'alternance entre flashbacks sur les personnages et déroulé du plan trop mécanique, ôtant toute surprise dès dix minutes passées. De même, le fait de réduire ses personnages à peau de chagrin, d'avoir une bande-son toute en synthés lancinants, et d'avoir une image plate, font que le film est froid. Un bon fond, mais une forme qui pêche.

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Jackie au royaume des flics

Dès la scène d'introduction, le ton est donné via une successions de diapos exposant les enjeux en deux minutes : voici les méchants, voilà ce qu'on va faire nous, les gentils. Cela laisse ainsi libre cours au film pour se concentrer sur deux points qui sont la quintessence du cinéma de Jackie Chan : l'action et la comédie. Si la première demi-heure (scène du bus mise à part) m'a laissé mi-figue mi-raisin avec une scène de gunfight dans le bidonville pas toujours lisible ni intéressante, et des blagues pas finaudes, dès la scène du tribunal passée, on rentre dans le plaisir pur. Entre les âneries chorégraphiés de Chan avec les téléphones, et cette dernière partie tout simplement hallucinante dans le centre commercial, la barre remonte très vite, très haut. Le cinéma hong-kongais étant moins scrupuleux quant à la sécurité de ses équipes sur les tournages, on assiste à des cascades spectaculaires de par leur côté réel. Les coups portés font mal, les plans laissent la chorégraphie parler d'elle-même, et l'usage d'objets en tous genre dans les affrontements apportent un côté ludique et jouissif. L'implication de Jackie est telle qu'il a subi des brûlures au second degré et s'est disloqué le pelvis, tout ça pour l'art d'un film d'action qui dépote toujours quarante ans après.

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Le Choc Toxique

Sympathique comédie de moeurs confrontant les écrits satiriques de l'auteur éponyme incarné par Ramzy à la honte que sa famille pourrait en ressentir. C'est drôle, rythmé, et ça déconstruit adroitement les préconceptions de la famille franco-maghrébine et du milieu littéraire à la française. Ramzy y est impeccable, et on pourrait faire un parallèle avec le Tout Simplement Noir de Zadi sur ce que c'est d'être une minorité. Le succès fait-il du personnage un représentant des arabes de France? Y-a-t'il vraiment une identité maghrébine? Malin.

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Thaï Fighter

Le film envoie du bois lorsqu'il s'agit de castagner, avec des scènes parfaitement lisibles, à la physique palpable et aux chorégraphies bien vues. Et avec le contexte thaïlandais, on aurait presque des échos de The Raid. Malheureusement, il est bien trop long, et se perd dans l'élaboration d'un scénario totalement dispensable, au détriment de l'action frénétique que l'on est venu voir. Car les personnages et les enjeux ne sont que des archétypes, et qu'attendre la moitié du métrage (hormi deux minutes au début) pour voir enfin une baston, ça fait beaucoup. Gens maîtrise sa caméra, mais pas sa narration. On aurait préféré une entrée en matière simple, comme l'avait par exemple fait John Wick qui expédiait son histoire prétexte dès le premier quart d'heure. Dommage.

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Aux filles du rasoir

De Palma va piocher dans le gialo, chez Fleischer, ou chez Hitchcock, et en sort un thriller troublant. L'identité du tueur est donnée très rapidemment, mais le cinéaste se sert de la connaissance du spectateur pour créer des situations sous tension, toujours avec une caméra au cordeau. Magistral, comme souvent chez De Palma.

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Arac the Block

Je me répète, mais quel plaisir de voir le cinéma de genre français se porter aussi bien! Vermines attaque le film d'araignées avec un premier degré et une efficacité réjouissants. Des personnages crédibles et caractérisés, des situations et monstres dans un crecendo évolutif toujours novateur, et un humour sans cynisme qui fait mouche. On regrettera tout juste un dernier tiers qui perd en rythme, mais c'est anecdotique au vu de l'enthousiasme global provoqué par l''existence et la réussite d'un tel projet.

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A Star is Born

Un amour impossible qui donnera à Audrey Hepburn son premier rôle principal, et à Gregory Peck son premier rôle dans une comédie, le tout devant la caméra de William "Ben-Hur" Wyler, dans les rues de Rome. Le duo d'acteur crève l'écran, tandis que Wyler laisse les performances et le script imparable de Trumbo faire leur effet. Une réjouissance de tous les instants qui laissera cependant un goût doux-amer une fois le carton de fin à l'écran. Un sommet du genre.

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Murphy's Law

Beverly Hills Cop fait partie de ses films dont j'avais toujours entendu parlé et dont la bande-son est pour moi associée à certains sites des balbutiements d'internet, mais auquel je ne m'étais jamais intéressé, du fait que ce soit une comédie policière des 80s, et que dans le tas il y a un bon paquet de bouses. Mais maintenant que j'ai franchi le pas, j'en suis satisfait. Le film est beaucoup moins excentrique que ce à quoi je m'attendais, et se suit plutôt bien. Eddie Murphy porte aisément le film, usant de son bagou et de son talent d'improvisation pour épicer dialogues et situations. Et ça côté de ça, on a une relation avec les flics locaux qui va à l'opposé de ce à quoi j'ai été habitué, et ça c'est plutôt rafraîchissant. Non, décidément, il ne faut pas rester sur ses préconceptions filmiques tant la surprise peut être agréable.
Allez, je vais me mater Police Academy ! (Non).

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Le temps ne fait rien à l'affaire...

Les Rascals est incroyablement généreux, surtout pour un premier film. Il développe une énergie folle dans son histoire de guerre des gangs sous montée du néonazisme, évoquant par là West Side Story, et par ci The Warriors, et résonne avec un climat social inchangé quarante ans plus tard. Et si cette énergie porte le métrage, elle s'accompagne d'une montée en tension sur toute la durée, jusqu'à un final attendu mais tout aussi déchirant. Intelligent, vivant et toujours aussi nécessaire, Les Rascals place Jimmy Laporal-Trésor dans la shortlist des nouveaux cinéastes à suivre.

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La chenille qui redémarre pas

Solide film de survie en plein conflit afghan, où le spectateur est cette fois ci convié à donner son empathie aux autochtones qui mènent la vie dure aux envahisseur soviétiques, seuls dans leur tanks. Cela étant, pas de manichéisme, les deux camps ont leur enflures et leurs braves. Le film a par ailleurs été tourné dans les arides déserts d'Israël avec de véritables tanks russes, ce qui confère au film un cachet étouffant et palpable. Méconnu, et pourtant bien plus intéressant que les autres films de Kevin Reynolds.

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Regular Wednesday

Le film est d'un classicisme confondant, tous les beats attendus d'un film d'apprentissage étant présents jusqu'au carton final, les personnages n'étant jamais plus que les archétypes qu'ils représentent, et les acteurs se contentant de faire leur taf. Mais on a quand même, en fin de course, deux-trois belles vagues bien filmées. C'est pas nul, c'est juste standard avec l'originalité du monde du surf finalement peut traité au cinéma.

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Vu en séance spéciale au Club de l'Etoile

Japan is King

Qu'il est bien que la Toho continue à produire ses propres Gozilla en parallèle du massacre systématique orchestré par Legendary, car après un fantastique Shin Godzilla, ce Minus One s'avère être l'opus qui marche le mieux en terme d'humanité, mais aussi en termes de scènes qui déboîtent. On se place dans l'après-guerre immédiat, et on suit le trajet d'un jeune homme qui a bafoué son honneur en refusant de se faire kamikaze. On est certes sur des archétypes de personnages, mais ils sont pleinement fonctionnels (et parfois touchants) pour mettre en valeur le monstre vedette dans des scènes originales et spectaculaires. Un sommet du kaiju eiga.

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Trio de toc

Le MCU continue de s'enliser dans une série de films insignifiants qui n'ont rien à raconter, rien à montrer, si ce n'est faire la pub pour le prochain film. Même l'idée initiale d'avoir trois personnages qui interchangent leur position en utilisant leur pouvoir n'est jamais exploitée autrement que dans une bête et méchant gloubi-boulga numérique très laid. Et toujours cet humour cynique nauséabond qui désamorce toute tentative de créer des enjeux. Bref, same old shit.

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Droit dans le Murray

Plus je vois de comédies des années 80 avec Bill Murray, plus je me dis qu'il jouait toujours le même personnage antipathique et indéfendable dans sa beauferie crasse et misogyne. Et ça va de paire avec Reitman. Stripes conforte cette impression, objectifiant les femmes, déroulant une histoire lourdaude et des personnages stéréotypées. Plus affligeant que drôle.

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Déf-haut de forme

Passons outre la véracité des faits relatés, l'histoire étant ici diamétralement opposé à ce que fut le réel P.T. Barnum, et concentrons nous sur le show en lui-même. Car The Greatest Showman se veut être autre chose qu'un film, il veut être un pur spectacle de divertissement au tempo effrené. Seulement ça ne marche pas. Le métrage va a tout à l'allure et tente de raconter quatre films en un seul, et ne gratte jamais la surface pour approfondir un quelconque aspect. A côté de ça, on a des chansons certes énergiques, mais au finalement toutes similaires et oubliées dès le lendemain, et dont l'impact émotionnel est nul du fait de personnages superficiels auquel on ne s'est jamais attaché. Alors oui, ça pétarade, ça joue avec des décors en toc et s'approche effectivement d'un cirque à l'écran, où l'on nous balance d'un numéro à un autre avant qu'on ait le temps de se poser des questions. Mais ça ne fait pas un film.

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Colordull

Au départ intrigant, on se détache de l'histoire au fur et à mesure que se déroule le récit. Les ficelles deviennent trop grosses, les ennemis de l'ombre trop visibles, et la tension s'étiole ainsi. Tornatore se sent par ailleurs obligé de tout expliciter à la fin, comme si le spectateur était trop bête. Un manque de confiance dommageable. On saluera tout de même une ambiance réussie dans ce milieu cossu, et une belle performance de Geoffrey Rush.

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Viol au-dessus d'un nid de Kookaburras

Un rape and revenge dans une Australie en pleine colonisation, venant de par son contexte brasser l'extermination des peuplades aborigènes, voilà ce que propose The Nightingale. Le bush est un théâtre rafraîchissant, les personnages bien brossées (avec une héroïne aussi raciste et haineuse que ses contemporains) et la violence âpre. Une bonne petite pépite from Down Under qui montre un talent à Jennifer Kent que ne laissait pas présager l'oubliable Babadook.