films visionnés en 2024 (classement avec annotation)

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Le 12/01 en téléchargement sur la TV

On a longtemps mis en avant la trinité Xavier Dolan, Denis Villeneuve et Jean-Marc Vallée (un peu Denys Arcand aussi pour le cinéma d’auteur) comme les grands cinéastes Québécois. A la vision du sublime les chambres rouges, je me dis que d’autres cinéastes semblent bousculer cet ordre établit.

Car oui, les chambres rouges et l’un des immenses films de 2024. Que ce soit sa mise en scène absolument sublime (ce plan séquence monstrueux dans le palais de justice ou ce jeu de regard tétanisant entre le présumé tueur et l’héroïne), sa gestion magnifique du son, ses comédiens incroyables (magnétique et terrifiante Juliette Gariepy), sa belle gestion du hors champ ou encore sur les thèmes abordés et le malaise que le film provoque, le long métrage est un quasi sans faute.

Car oui, le film navigue constamment en eau trouble avec une héroïne assez insaisissable ce qui crée des moments de malaises et de tension par moment insoutenable surtout dans son dernier acte. De plus, les chambres rouges et peut être le film le plus accompli sur la fascination du public pour les serials killers. Alors oui, le film a quelques petites baisses de régimes au milieu de son intrigue mais c’est tellement peu de chose au vu du résultat final absolument captivant et qui parvient à créer un malaise absolument palpable surtout dans son dernier acte.

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Le 07/03 au cinéma

Après avoir savamment présenté l’univers et germer des graines dans le 1er opus, Denis Villeneuve peut enfin lâcher les chiens dans ce deuxième opus. Si je regrette une première partie légèrement longuette sur l’initiation du héros aux rites Fremens dans la première partie du récit, on peut dire que le reste est juste un chef d’œuvre magistrale.

La photographie et la mise en scène est magnifique et plus variées que dans la première partie (mon dieu ce noir et blanc sur la planète Harkonnen !), le récit politique gagne de l’ampleur et devient enfin un récit non Manichéen où chaque nation tente de dominer une autre par rapport aux vices de notre monde (le capitalisme, la terreur ou le fanatisme religieux).

Les personnages gagnent en épaisseurs et les acteurs sont excellents. Une grande fresque politique, un film d’amour et un récit digne de Shakespeare dans un récit parfaitement rythmé et intelligible. Un immense Blockbuster.

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Le 21/05 au cinéma
Revu le 05/06 au cinéma

Après avoir révolutionné le film d’action et révolutionné l’industrie Hollywoodienne avec Fury Road comme George Miller pouvait refaire l’exploit avec ce préquel qui serait immédiatement comparé à son aîné ?

La réponse est simple, en réalisant un film totalement différent. Moins avare en action, Furiosa développe davantage son univers et ses personnages et va parler de comment un mythe se crée. Alors oui les CGI sont plus visibles et la photographie encore plus irréelle et pétaradante de couleur saturée à l’extrême.

Mais justement, le film est l’histoire d’un mythe et c’est bien une iconographie mythologique qui est utilisée dans le film. Au-delà de cela son univers est fascinant, les développements de personnage souvent dans le silence ou dans le trop plein de dialogue pour le personne de Hemsworth est d’une grande justesse.

Le rythme est impeccable, les scènes d’actions dantesques et le développement d’un monde capitaliste mourant où les tyrans tente vainement de maintenir leurs positions via le peu de ressources qui reste à leurs dispositions est d’une grande pertinence.

Que dire de ce duel entre Furiosa et Demntus deux faces d’une même pièce entre l’espoir déchu d’un côté contre la désolation de l’autre ?

Si on ajoute à cela des acteurs tous en grande forme on a un film certes qui a quelques défauts visuels et une musique un peu trop recyclé de Fury Road mais qui parvient à se hisser au niveau de son illustre aîné. Très certainement le grand blockbuster Américain de l’année avec Dune 2.

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Le 23/01 sur ciné + sur la TV

Revu. Note inchangée

Je n’avais pas vu le roi et l’oiseau depuis 6 ans et je suis toujours médusé à chaque visionnage de la puissance de ce film d’animation. Visuellement riche, souvent drôle et avec de super idées, il n’empêche qu’il aborde des sujets très sérieux comme la liberté sous fond de chute d’une dictature.

Si on ajoute à cela des personnages par moment savoureux jusqu’aux secondaires (le chien est adorable !), une musique sublime et une fin d’une grande puissance, on a un film d’animation culte qui aura inspiré les plus grands à commencer par le grand Miyazaki.

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Le 23/05 sur Canal + sur la TV

Les deux premières choses qui frappent quand on visionne le film c’est l’immense beauté de la photographie et de la mise en scène mais aussi que le film est d’une grande radicalité.

Car oui, la Passion de Dodin Bouffant c’est une immense déclaration à l’art culinaire et aux émotions que cela peut procurer. Il est donc normal d’avoir un film où l’on ne voit que des préparations de repas la plupart du temps. Le film est absolument merveilleux. Tout d’abord il parle de tout ce que l’on peut faire avec la cuisine.

Bien entendu souvent on l’a déguste et cela émoustille les papilles mais elle peut servir aussi à déclarer son amour à l’autre (magnifique scène de demande de mariage) ou encore de dévoiler ses secrets et de faire de l’apprentissage auprès d’autrui.

Alors oui il ne se passe pas grand-chose mais entre cette immense déclaration d’amour à l’art culinaire et la beauté de la mise en scène et de la photographie (toujours signifiante) qui rappelle un peu le cinéma de Hou Hsiao-Hsien (on évite de couper au maximum, on laisse exprimer ses comédiens à grand renfort de plan séquence et on essaye de magnifier les décors avec une étude minutieuse de l’arrière-plan), le film donne faim et il met en scène une magnifique histoire d’amour.

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Le 03/05 en téléchargement sur la TV

Il n’y a pas si longtemps le gouvernement Macron avait vivement critiqué l’institut psychiatrique en se demandant pourquoi elle était défaillante et pourquoi autant de « fou » était en liberté. Etat limite applique ici la meilleure réponse possible à cette invective d’un gouvernement hors sol.

Documentaire absolument édifiant, on voit ici le quotidien de Jamal Abdel Kader seul psychiatre de l’hôpital Beaujon à Clichy qui va aller de patient à patient, de service en service, d’étage en étage pour aider ceux qui souffre au mieux de ses possibilités. Très humain, très cruel le documentaire montre bien un milieu hospitalier au bord du gouffre entre des médecins au bord du burn out par manque de moyen et d’effectif mais qui font preuve d’une empathie rare pour aider comme ils peuvent même si cela les détruit eux.

Car oui si on regarde bien Jamal Abdel Kader a 34 ans et il est déjà brisé d’abord physiquement avec un dos en bouilli (quand tu portes la misère du monde seul sur tes épaules ça se comprend) et avec des cheveux blancs un peu partout. Mais le problème est psychique aussi, cerne très visible yeux vitreux par moment le psychiatre est au bord de la rupture et il a d’ailleurs arrêté depuis.

Si on ajoute à cela un regard assez unique sur les patients qui sont pour la plupart « fou » que par la perception qu’on a du monde ultra capitaliste d’aujourd’hui (comme le dit le film le fou c’est souvent le membre improductif de la société) et une forme caméra à l’épaule qui montre bien l’urgence de la situation, état limite est un immense documentaire qui montre bien la limite dans lequel est le milieu hospitalier mais aussi celui d’un gouvernement dont les actions sont à la limite du tolérable.

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Le 01/02 en téléchargement sur la TV

Quasiment 10 ans après le remarqué les combattants, Thomas Cailley revient enfin pour son second long métrage et quel film ! Venant donner une gentille fessée aux majors Américain, il va ici utiliser les codes du film de super héros pour les pervertir.

Pas de combat entre être génétiquement modifié pour sauver le monde mais simplement un film qui parle de l’intolérance de la société face aux êtres différents, de la famille, du deuil mais aussi de la mutation avec en métaphore le corps qui change au passage de l’adolescence.

Un film riche thématiquement et qui peut se targuer d’avoir en plus de cela une photographie absolument magnifique, des effets spéciaux globalement réussis et la prestation tout simplement stupéfiante de Paul Kircher. L’acteur constamment au bord du ridicule par moment ne franchit jamais la ligne rouge.

Son jeu est très étrange mais justement, vu que son corps mute, pas étonnant qu’on lui demande d’avoir un jeu foncièrement décalé par rapport aux autres comédiens. Le résultat final tient à du miracle tant sa prestation pouvait basculer à tout moment dans le too much. Un miracle, un peu comme la présence de ce film dans le paysage cinématographique français.

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Le 11/04 en Blu Ray sur la TV

L’invasion des profanateurs version Philip Kaufman est un petit bijou de science-fiction. Le film est riche en tension et une attention particulière est portée sur l’étrangeté du quotidien à savoir que tout paraît normal mais que les personnages sentent que quelque chose cloche.

Si on ajoute à cela une mise en scène sublime, un fond d’un nihilisme saisissant à savoir le remplacement d’une race par une autre dans une discrétion absolue et des acteurs talentueux dont certains sont présents pour le clin d’œil savoureux (Leonard Nimoy le Spoke de Star Trek qui joue un extraterrestre) on a un film somptueux avec un des finals les plus glaçants que j’ai pu voir dont les maigres défauts se résume à quelques problèmes dans les décisions de certains personnages mais ça reste assez brillant.

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Le 17/03 sur OCS sur la TV

Dire que Vidéodrome est un film en avance sur son temps est un euphémisme tant il est terriblement actuel aujourd’hui et plutôt incompris quand le film est sorti à l’époque.

Il est question ici de notre fascination pour l’écran, le fait que le réel et la fiction est de moins en moins tangible mais également de notre fascination voyeuriste pour l’extrême que ce soit la violence (le snuff movie arrivera bien après ce film dans l’imaginaire des gens) et la pornographie.

Le film va d’ailleurs jusqu’à parler à un moment d’un monde où les gens auront d’autres noms dans l’univers télévisuel (inconsciemment on parle ici des surnoms qu’on a sur les réseaux sociaux alors qu’en 1984 internet n’existe tout simplement pas).

Un film d’une grande richesse et perturbant avec d’excellents acteurs. Si à mon sens, le film manque peut-être de vraie fulgurance de mise en scène comme la mouche du même metteur en scène, il n’en reste pas moins un film passionnant et prophétique.

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Le 08/01 au cinéma

Quelle claque ! En 1h25, Mars express parvient à rendre tangible un univers fascinant et en parlant avec une grande finesse de l’IA à travers un thriller de science-fiction magnifiquement rythmé et qui traite de beaucoup de sujets en filigranes.

Alors oui l’animation n’est pas la plus belle qu’on a vue mais Jérémie Perin privilégie la fluidité de son animation et la richesse dans les détails et le tout combiné rappel par moment le formidable travail que pouvait faire Satoshi Kon. Alors oui le film a des références multiples de tous horizons et sa fin est pour ma part assez frustrante mais il n’empêche que le film a un style bien à lui et qu’il est assez unique.

De ce fait, Mars Express est certainement l’un des tout meilleurs films d’animation de 2023 avec un univers d’une richesse incroyable qui passionne du début à la fin et en plus c’est Français !

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Le 21/03 sur OCS sur la TV

Film posthume de Jacques Becker qui décédera peu après la fin du montage du film, le trou reste impressionnant plus de 60 ans après sa réalisation. Très proche du documentaire, Becker tient absolument à viser le réalisme et surtout montrer le monde très procédurier de la prison.

Colis qu’on examine dans les moindre détails, ronde des gardes toutes les 15 minutes, cette authenticité prouve sert justement à créer de la tension lors des scènes où les prisonniers travaillent à s’évader.

Et justement il faut parler du travail sur l’effort quand ils doivent effectuer le fameux trou pour s’évader. Au-delà de montrer l’effort collectif, le film montre bien comment cette tentative d’évasion est difficile et physique.

Si on ajoute à cela une magnifique photo et une mise en scène au cordeau on accouche d’un film de prison anti spectaculaire très réussi.

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Le 06/05 sur Arte sur la TV

Quel dommage que la fin soit un peu ratée et qu’elle manque d’ambiguïté car on aurait pu assister à un grand chef d’œuvre. Pourtant assez méconnu, la loi du silence est un grand Hitchcock.

Les acteurs sont excellents, le rythme est parfait et la mise en scène est absolument divine avec en point d’orgue une scène de procès assez estomaquant.

Si on ajoute à cela les multiples thématiques du maître du suspens qui s’agencent parfaitement (les faux coupables, la puissance du regard et aussi le regard comme vecteur de point de vu qui représente presque une caméra) on a affaire à un grand film.

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Le 01/06 en téléchargement sur la TV

Le duo derrière la passion Van Gogh reviennent pour nous en mettre encore une fois plein les yeux et réussissent au passage à transformer l’essai en proposant un long métrage d’animation encore meilleur que leur précédent.

Visuellement encore une fois c’est sublime et l’aspect peinture est absolument saisissant de beauté. C’est bien simple on dirait une succession d’œuvre d’art. Heureusement, le film raconte également une belle histoire tragique sur un monde dominé par les hommes où les femmes doivent rester à leurs places.

Beau, tragique et infiniment triste le film n’échappe pas à quelques longueurs mais reste l’un des plus beaux films d’animation de cette année.

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Le 22/01 au cinéma

On peut faire un nombre de reproche incalculable à la dernière œuvre de Lanthimos. Son début en noir et blanc un peu trop arty et qui ne sert que de très gros prologues à son intrigue, son discours parfois un peu trop appuyé et aussi subtil qu’un tractopelle, son dernier acte assez irritant et sans subtilité ou encore ce trop-plein d’idée visuelle et de mise en scène qui déborde presque de l’écran.

Et pourtant, le film est une très belle réussite ! Tout d’abord son fond qui certes parle de féminisme mais qui met surtout en avant l’évolution « d’une créature » qui doit tout apprendre du monde et qui va passer par toutes les étapes avant de devenir une adulte accompli avec sa vision singulière du monde.

C’était casse gueule à souhait de faire cela et pourtant c’est passionnant à suivre et c’est d’une grande justesse. Que dire des comédiens et surtout d’Emma Stone superbe. Comme souvent chez le réalisateur c’est à la frontière du ridicule mais ça marche !

Enfin visuellement le film est somptueux et chaque chapitrage/lieux à une identité visuelle qui leur est propre. Le meilleur film de son passionnant metteur en scène ? Peut-être.

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Le 04/02 sur Ciné + sur la TV

Plus de 90 ans après sa réalisation, freaks fonctionne encore magnifiquement aujourd’hui ce qui est une prouesse. Grand film sur la noirceur de l’âme humaine, le film de Tod Browning montre bien que les vrai monstres de la société ce sont ceux qu’on désigne comme étant « normaux » dont l’apparence ravissante n’a d’égale que la noirceur de leur cœur.

En à peine une heure, Tod Browning arrive à caractériser un grand nombre de personnage sans que le spectateur se perde et il parvient à créer quelques scènes qui parvient à créer l’effroi en témoigne l’abjecte scène du banquet de mariage. Si la mise en scène manque malheureusement d’un peu de folie, il n’en reste que freaks n’a pas volé son statut de classique et qu’il fonctionne encore parfaitement aujourd’hui.

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Le 02/06 sur YouTube sur la TV

Troisième visionnage de la classe Américaine et si je ne le trouve pas aussi hilarant qu’au premier visionnage, il n’en reste pas moins extrêmement plaisant à visionner. Les gags fusent et sont souvent efficaces, les dialogues et le doublage sont aux petits oignons, le scénario est débile mais fonctionne et surtout le travail de montage est juste impressionnant.

C’est bien simple on arrive à y croire alors que c’est un mélange d’extrait de plein de films différents. Une petite pépite de l’humour à la française malgré quelques temps faibles par moment mais c’est inévitable de toute façon.

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Le 06/04 sur Netflix sur la TV

Après un détour Hollywoodien où Juan Antonio Bayona parvient à sauver juste par-là force de sa mise en scène Jurassic World 2 et certains épisodes des anneaux de pouvoir, le metteur en scène revient sur un projet un peu plus personnel pour prouver une nouvelle fois qu’il est un metteur en scène de grand talent.

Le cercle des neiges est un film qui ressemble beaucoup à l’un des précédents longs métrages à savoir The Impossible. Dans les deux cas une catastrophe arrive et Bayona nous donne à observer comment les individus arrivent à survivre et à s’entraider dans une situation désespérée. Le film est éprouvant sans aller dans l’ultra glauque et il parvient à montrer la puissance du collectif dans une situation désespérée.

Si on ajoute à cela une photographie absolument splendide et une rythmique ciselée à la perfection on a un grand film catastrophe qui manque peut être parfois d’un brin de caractérisation sur certains personnages mais ça reste vraiment très bon et éprouvant.

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Le 05/03 sur TF1+ sur la TV

Revu : Note inchangée

Impossible de ne pas prendre Dune 1ère partie sans prendre en considération sa suite car le 1er opus de Denis Villeneuve prépare en fait le terrain pour la suite de son récit. On peut bien entendu lui reprocher de n’être qu’un long prologue de 2h30, d’être un peu trop froid ou encore d’en garder un peu trop sous le coude.

Reste que l’univers est intéressant, que la photographie et la mise en scène est absolument splendide que Chalamet est génial dans le rôle et que le film sait pertinemment où il va et où il doit planter ses graines pour créer un récit politique intéressant tout en saupoudrant le tout d’une dramaturgie familiale que n’aurait pas renié Shakespeare.

De plus le rythme est parfaitement géré. Un très bon blockbuster qui a permis par la suite d’accoucher d’une immense pépite.

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Le 27/05 sur OCS sur la TV

Loin d’être le plus connu des films d’Eastwood, Honkytonk Man est pourtant une petite perle. Film crépusculaire sur la fin d’une vie et d’une époque le film peut se targuer de mélanger parfaitement comédie et drame, d’avoir des comédiens excellents et cerise sur le gâteau, visuellement c’est peut-être le plus beau film que j’ai vu du réalisateur.

Le film n’est pas parfait non plus et le bât blesse un petit peu sur l’écriture des personnages féminins (la misogynie n’est pas loin par moment) mais c’est finalement un petit point noir face à toutes les qualités évidentes de ce beau et crépusculaire long métrage.

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Le 12/04 au cinéma

Alex Garland ne choisit jamais la facilité quand il s’attaque à un genre et c’est le cas ici. En effet, ce n’est pas réellement la guerre civile et l’étude d’un pays morcelé idéologiquement qui intéresse le réalisateur dans le pourtant nommé Civil War.

Dans Civil War, Garland analyse à la fois la puissance de l’image et ce qu’elle peut signifier aussi bien pour celui qui la prend que celui qui la reçoit, mais le film parle également du passage de flambeau au moment où un pays connaît un tournant dans son histoire.

En ce sens, le film est clairement divisé en deux parties (ce que l’on peut observer lors d’un brusque changement de scope) et ce n’est pas pour rien que ce changement de scope intervient lors d’une scène où nos héros traversent une espèce de petit parc d’attraction improvisé qui peut rappeler dans un sens du Alice aux pays des merveilles.

Car oui si la première partie est ultra réaliste, la deuxième elle bien plus fantasmé sans vraiment quitter le côté réaliste détonne et montre encore une fois que l’image a une signification et un impact mais qu’elle n’est pas toujours reçu de la même manière entre celui qui la délivre et celui qui la reçoit. En ce sens les deux dernières minutes radicales et qui a laissé la salle pantoise montre aussi bien un passage de flambeau que la limite de l’image et de la morale.

Car si la jeune Jessie parvient à cet instant précis à devenir enfin comme son idole, cette dernière fatigué et qui a perdu foi en son art et qui n’y vois plus de sens ne parvient plus à prendre de photo et surtout sa morale là rattrape lors d’une scène où elle supprime la photographie de son mentor décédé.

Un film d’une richesse thématique infinie qui est couplé avec une mise en scène aux petits oignons, des acteurs investis (mention à la partition terrifiante de Jesse Plemons) et une soundtrack variée et efficace. Bien entendu devant une telle radicalité, tout ne fonctionne pas à la perfection et l’excès de métaphore ne fonctionne pas toujours sur certains choix scénaristiques. Reste que Garland confirme qu’il est définitivement un cinéaste passionnant.

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Le 05/01 sur Ciné + sur la TV

Kôji Fukada continue tranquillement de prouver qu’il est l’un des meilleurs metteurs en scène Japonais en activité et Love life et peut être son plus beau film à ce jour. Bien entendu, on peut lui reprocher de faire un cinéma trop classique lorgnant du côté de ses aînés comme Kore-Eda ou Ozu.

Sauf que contrairement à ses pairs, on sent que Fukada est d’une autre génération. Son film n’hésite pas à être plus brutal dans ses rapports à ses personnages et dans ce qu’il montre. Cela n’empêche pas le film d’être pudique avec des acteurs excellents et avec de magnifiques idées de mises en scène. Un beau film sur le deuil, la famille, le mensonge et la confrontation avec son passé.

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Le 03/02 en téléchargement sur la TV

Entre drame et comédie, les feuilles mortes d’Aki Kaurismäki rappelle beaucoup le cinéma des débuts de Jim Jarmusch avec des scènes insolites où la tristesse et la comédie est accentué par le jeu très flegmatique des comédiens.

Une filiation que le réalisateur assume puisque la scène la plus drôle du film a lieu à la sortie de la projection d’un film de Jarmusch. Hormis cela, le réalisateur réalise ici un très beau film.

Les comédiens sont excellents, la mise en scène tout en plan fixe est magnifique et le film est à la fois triste, drôle et tendre sur la possibilité d’un avenir à deux dans un monde d’une immense tristesse où les travailleurs précaires ne sont que de la chair à canon.

Comme Jarmusch Kaurismäki accorde un temps important au quotidien et à la beauté qu’il peut en émaner malgré les temps difficiles. Un film grand par le cœur et d’une humilité rare.

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Le 18/04 sur Disney + sur la TV

Paddington 2 de Paul King est un petit miracle car il parvient à prendre la recette qui a fait le succès du premier film tout en sublimant ses qualités. Le fond est ici plus sombre car on parle de la difficulté de l’intégration quand on est étranger et pourtant c’est fait avec un vrai sens de la comédie.

La mise en scène de Paul King est ici encore un cran au-dessus de ce qu’il avait fait avant avec des idées vraiment lumineuses et son antagoniste est ici non seulement bien mieux travaillé mais le fait de prendre Hugh Grant est d’une grande pertinence.

Les acteurs sont encore une fois très bons et la fin touchera en plein cœur les petits comme les grands. Une œuvre délicate et douce qui parlera à toute la famille.

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Le 08/03 sur Mubi sur la TV

Ancien bassiste de groupe, il était certains que John Carney aborderait la musique le jour de son passage à la mise en scène. Avec un budget minime de 160 000 $ et filmant parfois sans autorisation les rues de Dublin, le metteur en scène obtient un film à l’image des conditions de tournage.

Car oui on sent que le film est fauché et que la mise en scène est simpliste mais justement cela fait tout son charme d’autant qu’elle a parfois de sacrées idées. D’un côté cela lui permet de se concentrer sur le jeu des acteurs, la puissance de ses scènes musicales et de créer de l’émotion sans artifices chez le spectateur.

De l’autre cela crée un parallèle entre un tournage fait de bout de ficelle et sur la situation des personnages de l’histoire sans un sous mais avec des rêves plein la tête dont l’objectif est de sortir un premier album.

Si on ajoute à cela une romance qui fonctionne et des chansons comme toujours magnifique chez John Carney, on a encore un film très réussi pour un réalisateur qui mérite d’être davantage connu.

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Le 03/06 en téléchargement sur la TV

Bertrand Bonello vient nous donner des nouvelles de sa thérapie et il va toujours aussi mal. Derrière un pot-pourri de toute les influences qui l’ont influencé en tant que cinéaste (ce qui permet un renouvellement constant de la mise en scène ce qui est exaltant), Bonello parle d’une époque où plus personne n’ose aimer et où la rationalité prime sur les sentiments.

En ce sens c’est un cinéaste qui comprend parfaitement son époque (c’était déjà le cas avec le stupéfiant Nocturama). Preuve en est les quelques scènes de boîte de nuit où les gens semblent d’un côté danser sans grande passion mais surtout essayer de se rappeler une époque qu’ils n’ont pas connu pour essayer de raviver des sentiments de fausse nostalgie puisqu’ils n’ont jamais connu l’époque où ce genre musical était en vogue.

On peut bien entendu reprocher au cinéaste d’être trop cérébrale et froid mais cela va parfaitement avec les thématiques de son film. Si on ajoute cela des comédiens impériaux et une dernière scène horrible où point justement le sentiment amer d’une fin inéluctable on a affaire à l’un des meilleurs films de son auteur.

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Le 10/04 en DVD sur la TV

Les temps modernes aurait pu n’être qu’une critique acerbe du taylorisme et de son système de travail qui rend les travailleurs fous entre les mêmes gestes répétés à l’infini ou les cadences de travail impossible à tenir.

Heureusement, le film se détâche de cela par la suite et met en exergue l’ensemble des problèmes aux Etats-Unis entre pauvreté, chasse au communisme, bavure policières ou le fait que la prison semble bien plus douce que la réalité du quotidien pour une partie de la population.

Malgré ce fond assez sombre, Chaplin préfère comme toujours l’aborder sur le ton de la comédie et comment souvent c’est drôle, inspiré, bien rythmé avec de belles idées de mise en scène et il se permet en plus d’achever son récit sur une note d’espoir et un nouveau départ pour ses héros. Un film drôle et sensible qui n’a pas usurpé son statut d’œuvre culte.

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Le 18/01 en DVD sur la TV

Considéré comme l’un des grands films de Billy Wilder, la garçonnière n’a rien perdu de sa puissance aujourd’hui. Le plus grand point fort du film reste tout de même son mélange de genre entre romance, comédie un peu burlesque et comédie plus acide sur un monde du travail non méritocratique et sur un système basé sur les « dompteurs » et les « domptés ».

Au-delà de cet aspect, le film peut compter sur des comédiens vraiment en forme, une mise en scène maîtrisée et toujours à propos (très belle gestion des lignes de fuite sur les scènes de bureau qui montre des employés à perte de vue et interchangeable) et des dialogues ciselés. J’ai un petit regret sur la deuxième partie qui s’éternise un peu par moment mais l’ensemble reste d’une grande maîtrise.

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Le 20/05 sur OCS sur mon portable

Sean Baker continue d’explorer l’Amérique des laissés pour compte dans un film à la fois drôle sur certaines situations mais d’une profonde noirceur.

Car oui le héros principal est à l’image de son pays qui a exploité son corps et qui tente à son tour d’exploiter les autres pour survivre dans un bled paumé où la pauvreté est omniprésente et les perspectives d’avenir quasi nul.

Sean Baker est un grand cinéaste et sa mise en scène qui ressemble beaucoup à du documentaire ne l’empêche pas par moment de mettre en scène des plans à la beauté sidérante.

Si on ajoute à cela des acteurs talentueux et une maîtrise sans faille de son sujet, on peut dire que Red Rocket est un film particulièrement réussi sur une Amérique peu reluisante et antithèse de l’American Dream.

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Le 17/02 en téléchargement sur la TV

Le trop peu connu mais pourtant si talentueux Sean Durkin continue après son très beau Martha Marcy May Marlene d’aborder la masculinité toxique et l’emprise mental d’un quasi gourou auprès de son entourage.

En mettant en avant la vie incroyable mais vrai de la famille de catcheur Von Erich, Durkin met en place une véritable tragédie Grecque où un père de famille tel un ogre va sacrifier un à un tous ses fils afin qu’ils accomplissent ce qu’il n’a jamais réussi à faire dans sa carrière à savoir devenir Champion du monde poids lourd de la NWA.

Si je regrette un film un peu trop classique et un ensemble de tragédie qui ferait presque irréel si ce n’était pas une histoire vraie, Iron Claw est pourtant une très belle réussite. La photographie est magnifique et en total dichotomie avec le drame qui se jour.

La mise en scène est excellente et les acteurs tous très bons avec une alchimie palpable. De plus le film est très bien rythmé (on ne sent pas les 2h10 de film) et les différents thèmes abordés sont bien narrés. Encore une belle réussite pour Durkin.

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Le 24/03 sur Canal + sur la TV

Le livre des solutions et un peu l’autobiographie du réalisateur à une période de sa vie. En effet, alors que la post production de son film l’écume des jours se passent mal avec les studios, le metteur en scène s’enfuit avec ses proches collaborateurs dans le domaine familial à la campagne pour terminer le montage.

Dépressif à cette époque il est diagnostiqué bipolaire et arrête de prendre ses médicaments pour retrouver la créativité même si cela passe par des phases de rechutes compliqués. Le livre des solutions raconte cette partie de sa vie même si cela n’est jamais mentionné et l’appellation comédie dramatique n’est ici pas usurpée.

En effet, si le film est souvent est hilarant c‘est en grande partie à cause du personnage fantasque excellemment interprété par Pierre Niney qui fait pourtant vivre un enfer à son équipe. Drôle donc mais profondément dramatique car on plonge dans la psyché d’un metteur en scène mi génial mi fou qui détruit moralement son entourage et lui-même.

C’est drôle, assez triste car on parle tout de même d’un dépressif avec de belles trouvailles de mise en scènes, avec d’excellents acteurs, un rythme irréprochable et une fin qui prouve que finalement le metteur en scène ne s’est jamais soigné.