Arts sonores & Musiques nouvelles

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Christian Zanési est un compositeur français né à Lourdes le 22 mai 1952.
Il a été durant de nombreuses années le directeur artistique du GRM qu’il a quitté en juillet 2015. Depuis, en indépendant, il mène une carrière de musicien électronique et de compositeur.

Depuis les années 1990 il compose dans son home studio et puise son inspiration dans la rencontre poétique avec des sons remarquables.

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Le paradoxe de la femme-poisson (1998)

Musiques pour le spectacle chorégraphique de Michel Kelemenis.

Un bateau, deux reflets, trois sirènes et quatre marins.
C'est en partant de ces images, ouvertes, que j'ai composé en juillet 98, à Marseille, les musiques du spectacle chorégraphique conçu par Michel Kelemenis.
Jour après jour, durant ce mois intense, j'ai vu les sept danseurs se donnant sans compter, ajuster le moindre mouvement, geste après geste, pour tendre vers un idéal de fluidité. Alors, doucement, le temps de la musique a rejoint le temps de cette danse : spirales, étirements, immobilité et jaillissement.
Christian Zanési

Marseille est une mosaïque, une métropole portuaire où l'anonymat est corollaire de la diversité. Sa fondation est proche de la première description par Homère des fameuses sirènes. Comme celles-ci, elle séduit, promet beaucoup... et quand elle alimente les fantasmagories abusives, elle stimule aussi l'imaginaire et la création.
Parce que l'image du corps met à nu un patrimoine et une culture, la ville-port, ville d'accueil, contient le risque de frottements douloureux. Elle doit plus que toute autre faire preuve de vigilance à l'égard de multiples interdits castrateurs des richesses du corps, de son image et son mouvement. Alors la danse, éclat éphémère, devient indispensable et s'affirme comme une, expression de la liberté.
Michel Kelemenis

https://www.numeridanse.tv/videotheque-danse/le-paradoxe-de-la-femme-poisson

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The Lappetites sont un forum, un lieu de rencontre, un concept au sein duquel faire et échanger de nouvelles musiques via des jeux de liaison numériques et sonores dans des lieux éloignés et locaux au sein d'un terrain de jeu multi-locuteurs.

The Lappetites est né lors d’une soirée organisée par Kaffe Matthews au Tonic, New York, en avril 2001. Depuis 2002, The Lappetites regroupent : Kaffe Matthews, AGF et Ryoko Akama. Leur travail comprend une collaboration avec la compositrice française Eliane Radigue, un projet de performance audiovisuelle et de multiples concepts musicaux. La longue expérience de Kaffe Matthew en matière de son spatialisé en direct, la sensibilité sonore de Ryoko Akama au synthétiseur et l’exécution numérique et vocale d’AGF apportent un spectre dynamique dans le son sans frontières.

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"Before the Libretto" est le premier album des Lappetites. Le graphique sur la couverture montre quatre langues humides et roses isolées sur un fond blanc. Soit collé à l'auditeur, soit formant une étrange fleur pendante, son appariement avec le titre suggère un refus ludique de se conformer à l'attente. "Tzungentwist" parle en langues et en langues inventées. C'est plein de phonèmes, d'exclamations gutturales et de sifflements limpides.

"Avoiding Shopping" en plus d'être une idée délicieuse offre un rythme régulier (en quelque sorte). Des basses profondes et caoutchoutées rivalisent avec toutes sortes de détritus sonores, de bourdonnements et de touches de digitalia. Compte tenu des réflexions coupées sur une éducation en Allemagne de l'Est sur son site Web, le chant et le discours d'AGF sur "Heimat" (Patrie) acquièrent des nuances effrayantes lorsqu'ils sont mariés à une mélodie fragmentée de pépinière et à des bribes de ce qui ressemble à un rugissement patriotique. "Birken" est confessionnel, étrangement hanté et étonnamment dramatique.

La présence des voix parfois intimement enregistrées des artistes sur un certain nombre de morceaux "Tzungentwist", "Birken" et "Aikokuka" compense ce qui pourrait autrement être une affaire rigoureusement abstraite. Ce qui ne veut pas dire que leur présence vocale adoucit ou humanise nécessairement la musique, en fait, elle sert souvent à souligner la dureté de l'effet global.

La conclusion d'une critique est censée fournir un résumé soigné des impressions de l'auditeur, mais Before The Libretto résiste. Une partie de sa puissance réside dans cette résistance.
(BBC Music)

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Bérangère Maximin est une musicienne expérimentale française qui réalise des compositions minimalistes. Installée dans son studio privé depuis 2008, elle a développé sa propre approche de l'art sonore et de la musique électronique, composant des pièces denses et immersives à l'impact immédiat. Sur cinq albums, elle a révélé un goût pour le mélange de sons disparates avec un sens du détail, des jeux effusifs et lyriques avec le matériel numérique et des nuances serrées. Sa musique engage l'auditeur dans une réflexion sur l'espace et les textures, l'ambivalence sonore et son indépendance par rapport à sa source originelle étant au centre de son travail.

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Sur son 6ème album "Land of Waves", elle explore l'idée d'un monde kaléidoscopique - une agrégation sonore d'êtres vivants, végétaux, minéraux, nature et bâtiments, utilisant divers objets sonores, petites percussions, synthés, guitare électrique, voix et électronique.

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Stephen Vitiello est un artiste visuel et sonore américain. Guitariste punk à l'origine, il est influencé par le vidéaste Nam June Paik avec qui il a travaillé après sa rencontre en 1991. Il a collaboré avec Pauline Oliveros, Robin Rimbaud (alias Scanner), Ryuichi Sakamoto et Frances-Marie Uitti ; ainsi que les artistes visuels Julie Mehretu, Tony Oursler et Joan Jonas.

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Les enregistrements de "Brood IX" ont été réalisés au pied de Peters Mountain dans le comté de Monroe, en Virginie-Occidentale, en juin 2020. Ce fut un rare moment d'évasion, pendant la pandémie. Les cigales de 17 ans (ce groupe, classé comme Brood IX) émergent du sol fin mai et créent un son sonore qui résonne des arbres et de la montagne. Ces cigales disparaissent ensuite début juillet pour ne plus être vues ni entendues à cet endroit pendant encore 17 ans. Même pendant l'enregistrement, ils tombaient d'en haut, atterrissaient sur le micro, sur nos épaules et n'importe quoi d'autre et s'accrochaient pour un dernier bourdonnement et un vol momentané avant de mourir.

Peters Mountain est un endroit où je retourne depuis plusieurs années, pour enregistrer un phénomène de vent rare qui se produit par moments, généralement en hiver et dont on dit qu'il rugit comme un millier de lions. Lors de ce voyage, il y avait peu de vent mais le rugissement de la couvée a pris le dessus. Le bruit de ces insectes montant et descendant alors que le soleil entrait et sortait des nuages.
(Stephen Vitiello)

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Joe Frawley est un compositeur américain qui a exploré les thèmes du désir, de la mémoire et de l'étrangeté à travers le piano et le collage sonore.

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Dans "13 Houses and the Mermaid", on ne peut s'empêcher de perdre toutes les références dont on dispose pour identifier les choses, essayant de comprendre le sens des douze maisons disposées comme une horloge sur la pochette du CD, tournant mille fois par minute pour apporter l'infini assez près pour saisir, pensant que ce collage incroyablement rapide pousse inévitablement l'auditeur au-delà des limites de la compréhension, pénétrant dans les salles bruyantes et puissantes d'une treizième maison. Son mystère n'est pas un secret : il est à l'intérieur, et il se construit au fur et à mesure que nous avançons, nous accordant et sortant de l'éther et écoutant ce qu'il a à dire. De douces mélodies de piano résonnent au premier plan tandis que les retombées statiques et numériques contaminent leur clarté de forme, exprimées par les restes de signaux inconnus. Ensemble, ils racontent une histoire de bruit et d'images de poteaux électriques qui coupent clairement le ciel, fusionnant toutes sortes de transmissions avec le mouvement des nuages ​​au-dessus. Le récit est fait pour vous, et vous seul ; regarder le paradis et écouter ses désirs fissurés et déformés, c'est donner forme à votre propre sentiment de déplacement dans le paysage sonore du piano étouffé, des alarmes et des airs perdus depuis longtemps dans la chute d'un câble.

D'une certaine manière, l'ensemble de l'album est comme un dispositif magique, élégamment et délicatement conçu avec des polaroids et une boîte apparemment faite à la main qui porte toutes sortes de tampons qui l'emportent sur la valeur documentaire des photographies. Il s'agit d'une œuvre d'art qui aura toujours sa place dans une boucle dans sa tête, changeant avec le temps et changeant notre façon d'écouter, car elle pointe vers toutes sortes d'endroits et aucun… elle pointe vers la masse labyrinthe des données entrantes partout à la fois, et pourtant ne se produisant que dans le rayon de notre perception. La seule suggestion que je puisse faire est de l'écouter de temps en temps, juste pour vous retrouver complètement perdu dans son réseau de significations possibles. C'est peut-être l'acte de foi qu'il faut changer, pour entrer enfin dans la treizième maison.
(David Murrieta)

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Isabelle et Stéphanie Bozzini, Alissa Cheung et Clemens Merkel forment le Quatuor Bozzini, un ensemble qui développe depuis une vingtaine d’années une approche holistique par l’amalgame de musiques classiques, d’expérimentations sonores et de créations issues de l’avant-garde artistique contemporaine.

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Deux œuvres de Phill Niblock écrites originalement pour orchestre, Disseminate (1998) et Baobab (2011), ont été arrangées par le compositeur spécifiquement pour le Quatuor Bozzini, ou plutôt pour une «multiplication» du Quatuor: vingt pistes d’enregistrement ont été produites pour chaque pièce — vingt instruments différents, l’équivalent de cinq quatuors à cordes. Essentiellement, la musique joue avec la nature changeante des partiels qui émanent des instruments acoustiques. Selon Robert Ashley, ces pièces s’inscrivent dans l’esthétique «drone hardcore» de la musique électronique américaine: «Niblock transporte l’orchestre dans le monde de l’électronique». La partition de Disseminate et Baobab présente différentes sélections d’intervalles microtonaux. Un certain ambitus est proposé autour des notes écrites, et ainsi à chaque coup d’archet les musiciens déterminent la hauteur des sons. Les vingt «instruments» sont ensuite enregistrés et mixés, amalgamant tous les microtons produits par «les cinq» Quatuor(s) Bozzini pour former une masse sonore extrêmement riche; un nuage de son qui bat, qui mute incessamment. Un tel signal sonore a besoin de temps pour se développer, et afin que ressurgissent les partielles, les musiciens doivent faire preuve d’une endurance digne d’un instrument électronique, et jouer de longs sons continus, totalement ininterrompus. En tant qu’auditeur, il est pratiquement impossible de percevoir les points de changements du matériau sonore. Notre sensation du temps est alors embrouillée, et notre écoute est attirée plus profondément vers les multiples textures des sonorités «drones hardcores».

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L'Ensemble Musikfabrik est un ensemble de musique classique contemporaine situé à Cologne. L'Ensemble Musikfabrik a été fondé en 1990 et est considéré comme l'un des principaux ensembles de musique contemporaine.

James Tenney (né le 10 août 1934 au Nouveau-Mexique – mort le 24 août 2006 à Valencia en Californie) est un compositeur et un théoricien de la musique américain, spécialiste de la musique de Conlon Nancarrow. Il a enseigné dans plusieurs universités, dont l'université de Californie. Il a étudié la composition auprès de Lejaren Hiller, Harry Partch, Carl Ruggles, Henry Brant, John Cage et Edgard Varèse. Il fait partie des artistes qui ont interprété Pendulum Music de Steve Reich en 1969 au Whitney Museum, avec Bruce Nauman, Michael Snow et Richard Serra.

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Ce que James Tenney a en commun avec les compositeurs auxquels il a dédié ses FORMS, toutefois, n'est pas une approche spécifique de la dynamique, mais du son. Et précisément cet intérêt curieux pour le son, à la fois en tant que phénomène physique et en ce qui concerne sa perception, a été un leitmotiv constant qui a imprégné toute l'avant-garde américaine du XXe siècle. Dans une certaine mesure, on pourrait même y voir une caractéristique décisive distinguant l'avant-garde américaine de son homologue européenne, plus structurellement et historiquement orientée.
(Raoul Morchen)

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Alexandra Spence est une artiste sonore et musicienne vivant sur les terres Wangal non cédées à Sydney, en Australie. À travers sa pratique, Alex tente de réimaginer les relations complexes entre l'auditeur, l'objet et l'environnement environnant comme une sorte de communion ou de conversation. Son esthétique privilégie les enregistrements de terrain, les technologies analogiques et les interventions d'objets (elle croit que l'électricité pourrait en fait être magique).

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Notes d'Alexandra Spence à propos de "A Necessary Softness" :
J'ai une obsession quasi-spirituelle avec l'animation de la matière et de l'objet par le son. "A Necessary Softness" est ma tentative de retenir et de traduire par le son cette fascination pour la matière, l'objet et le lieu. J'aime imaginer le son comme un fil éphémère - dénouant et reliant nos maisons isolées, nos objets, nos corps - se dégradant, changeant de forme et laissant des traces en cours de route. "A Necessary Softness" présente les paysages sonores mouvants de lieux réels et imaginaires ; des objets tactiles amplifiés pour fusionner avec des sons produits par des corps résonnants et un traitement numérique, se démêlant lentement dans le paysage ambiant.

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Joshua Bonnetta est un artiste interdisciplinaire aux performances et installations nourries par les médiums du son et de la vidéo. Son travail explore comment l'histoire, la technologie et l'expérience vécue modèlent l'appréhension phénoménologique de l'espace et le rôle que la projection joue dans la perception du cinéma et de son environnement.

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Les deux compositions sur "Lago" revisitent les sites des photographies initiales de Ron Jude dans et autour de la mer de Salton dans le désert du sud de la Californie, et utilisent des enregistrements de terrain spécifiques au site et un traitement analogique pour créer un contrepoint auditif aux photographies elles-mêmes et au processus photographique. Des microphones de contact et des hydrophones ont été utilisés pour recueillir les sons de la flore, des déchets du désert, des ruines architecturales et de la mer de Salton elle-même afin de créer une étude approfondie de l'écologie acoustique de la région. L'œuvre tisse ensemble des enregistrements de lieux et des entretiens pour construire un portrait acoustique du désert qui est imprégné d'insinuations narratives traitant de la perte, de l'histoire et d'un paysage hanté par un spectre dans l'obscurité. Lago est une tentative d'entrer dans les horizons perceptifs du désert tout en engageant un passé qui façonne la rencontre.

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On ne trouve que très peu de renseignements de ces musiciens expérimentaux sur la toile, hormis que Nicholas Langley dirige un label nommé Third Kind Records sur lequel est paru cette cassette accompagnée d'un puzzle.

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Ce qu'est Puzzle Time, c'est l'opportunité d'explorer le talent artistique de quatre artistes vraiment géniaux, sans avoir à changer de cassette. Il existe une grande variété de sons et d'ambiances au cours de ce long voyage, tous assez engageants dans leur méthode et leur portée. Chaque segment de cette version est essentiellement un EP qui vous présente cet artiste. Les artistes représentés ici sont :
- L'artiste électronique Bary Center ne nous est pas étranger. Son travail présente un style reconnaissable - un mélange étroitement tissé de sons ambiants éthérés et de rythmes contrôlés avec précision et intensément convaincants. Il contribue six morceaux à Puzzle Time, chacun ayant son propre équilibre unique entre la couverture nuageuse ambiante cérébrale et les coups de tonnerre de rythmes percutants.
- Le frappeur lourd de la composition Yorihisa Taura propose trois pistes de boucles de guitare bourdonnantes qui tournent parfois de manière floue, mais qui montent souvent en intensité frénétique qui menace de renverser toute la piste, pour se réinstaller dans des mouvements plus paisibles. Une forte distorsion apporte des crescendos gratifiants à partir de tons continus.
- Le patron du label Third Kind Records, Nicholas Langley, fait une apparition sur la bande avec des compositions soigneusement équilibrées qui stimulent l'esprit et divertissent l'oreille. Ses quatre pistes sont construites à partir de sons trouvés et de superpositions de synthés conçues pour créer de magnifiques hallucinations qui chatouillent le moteur de la pensée.
- Façonneur de sons, Chemiefaserwerk, présente deux longs morceaux de bruit d'avant-garde avec beaucoup de tension, qui servent de parfait rapprochement avec Puzzle Time.

Chaque artiste représenté en près d'une heure et demie des sons de haute qualité qui ne demande qu'à être explorée plus avant - et c'est exactement ce que les propriétaires de la cassette peuvent faire. En effet, l'édition cassette de Puzzle Time est livrée avec un puzzle qui, une fois assemblé, révèle un code pour télécharger un album secret supplémentaire.

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Les performances et les enregistrements de la percussionniste et improvisatrice Claire Rousay, basée à San Antonio au Texas, explorent les relations humaines et la perception de soi à travers l'utilisation d'objets physiques et de leurs sons potentiels, avec un engagement éthique ancré dans la théorie queer. Opérant une critique libératrice de la pratique percussive conventionnelle aussi bien dans sa relation avec la masculinité que dans son assujettissement à une structure temporelle déterminée, elle sonde les relations entre rythme, vitesse et texture, en solo ou dans le cadre de ses nombreuses collaborations.

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Dans le monde de l’ambient américain, beaucoup d’artistes peinent à se démarquer de la concurrence. Ce n’est pas le cas pour Claire Rousay qui vient tout droit de San Antonio et possède des influences totalement écarlates et a de quoi interpeller notamment sur son nouvel album intitulé A Softer Focus.

Ici, les sonorités ambient de Claire Rousay prendront une autre dimension en s’éloignant des aspects field recordings et ASMR pour des textures plus harmonieux que jamais. On plonge en plein rêverie avec l’introduction intitulée « Preston (the Ave) » avant d’embarquer dans un « Discrete (the Market) » où les sons manipulés et le violoncelle se rencontrent pour faire un univers mettant l’auditeur en lévitation.

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Ryoko Akama aborde des situations d’écoute qui amplifient le silence, le temps et l’espace. Son travail vise à offrir des expériences temporelles/spatiales liées à la littérature, aux beaux-arts et aux médias mixtes (technologie). Elle utilise des objets petits et fragiles comme des ballons en papier et des bouteilles en verre afin de créer de minuscules événements sonores et visuels qui incarnent « presque rien » de l’esthétique. Elle compose des partitions de textes et interprète une diversité de partitions alternatives en collaboration avec des artistes internationaux.

Apartment House a été créé par le violoncelliste Anton Lukoszevieze en 1995. Sous sa direction, il est devenu un représentant vénérable de la musique d'avant-garde et expérimentale du monde entier. Les performances d'Apartment House ont inclus de nombreuses premières britanniques et mondiales de musique par une grande variété de compositeurs. Au cours des 3 dernières années, Apartment House s'est fait remarquer par son concert à guichets fermés de John Cage au Queen Elizabeth Hall, en tant que concert d'ouverture de la série internationale de musique de chambre et sa présentation continue de certaines des musiques les plus radicales de notre époque.

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Installatrice, compositrice et interprète, Akama, basée à Huddersfield, écrit une musique intentionnellement visuelle ou tangible. Elle crée un son qui s'étend à travers le temps et l'espace, et utilise le silence comme de l'air mort - nous obligeant à considérer notre place en tant qu'auditeurs.

« Songs for a shed » est une série de six œuvres pour piano et instruments commandée par Philip Thomas et Another Timbre. Ce n'est pas la première fois qu'Akama travaille avec Apartment House - il a collaboré à l'excellent "Dial 45-21-95" de 2019 - et à ce stade, ils se sentent parfaitement en phase avec la philosophie sonore de chacun. Les contributions du vibraphone et du marimba de Simon Limbrick sont particulièrement impressionnantes, élevant la "proposal eleven" de près de 20 minutes pour gratter un espace physique dans notre esprit.

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Joane Hétu est musicienne, compositrice, improvisatrice, chef d’orchestre, travailleuse culturelle et gestionnaire. Au cours des dernières années, elle a composé pour l’Ensemble SuperMusique, le Quatuor Bozzini, le Now Orchestra, Quasar quatuor de saxophones et Instruments of Happiness. Elle forme, avec Jean Derome, le magique duo Nous perçons les oreilles et elle dirige le quintette Castor et compagnie qui se consacre à la chanson cochonne et amoureuse.

Compositrice, improvisatrice et interprète, Diane Labrosse travaille le bruitisme et la spatialisation utilisant principalement l’échantillonneur numérique.

Zeena Parkins, compositrice et improvisatrice électroacoustique basée à New York, est une pionnière des pratiques contemporaines de la harpe. En utilisant des techniques étendues, des préparations d'objets et des traitements électroniques, elle a redéfini les capacités de l'instrument.

Danielle Palardy Roger est une des figures marquantes de la musique d’avant-garde canadienne. Depuis les trente dernières années, son influence et son rayonnement ont grandement favorisé la reconnaissance de la musique improvisée et bruitiste parmi les musiques nouvelles.

Tenko est une chanteuse japonaise, cofondatrice du groupe féminin Mizutama Shobodan. Elle collabore avec de nombreux musiciens de musique improvisée ou expérimentale : John Zorn, Christian Marclay, Ikue Mori, Fred Frith.

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La légende de la pluie est une œuvre musicale d’envergure qui a été créée et présentée lors du festival Montréal Musiques Actuelles/New Music America en 1990. Œuvre collective, La Légende de la pluie est le témoin d’une étroite collaboration entre les compositrices/interprètes Joane Hétu, Diane Labrosse, Danielle Palardy Roge et de Zeena Parkins et Tenko. Ensemble, elles ont su inventer, par la force de leur individualité et leur sens du langage, un mélodrame musical inspiré et original qui s’inscrit dans les courants de la musique actuelle.

Sept tableaux composent La légende de la pluie, un collage baroque de pièces pour synthétiseurs, harpe électrique, guitare sur table, accordéon, sax alto, percussions acoustiques et électroniques, voix. C’est une légende fantaisiste, étrange et contemporaine où se côtoîent improvisation, orchestration, chaos synthétique, chants mélodieux et onomatopéiques.

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Le travail de Kate Carr se concentre sur les liens entre le son, le lieu et l'affect, et elle travaille à travers la composition, la performance et l'installation. Elle s'intéresse particulièrement au son comme moyen d'aborder des processus plus larges de constitution et de contestation spatiales. Carr dirige le label d'art sonore Flaming Pines.

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L'enregistreur de terrain/collagiste Kate Carr étudie la relation entre la mer et son littoral dans ses nouveaux enregistrements captivants pour Glistening Examples.

À l'aide d'un haut-parleur de nage synchronisée et d'hydrophones, Kate prend des lectures acoustiques des propriétés naturelles et artificielles de la mer et de ses zones liminales de transition partout, de la côte nord-est de l'Écosse au point le plus à l'ouest de l'Irlande et un fjord en Islande. Les résultats sont analysés, manipulés et superposés pour décrire poétiquement une série d'études psychogéographiques imprégnées d'une qualité narrative curieusement convaincante.

S'inspirant d'un poème d'Adrienne Rich, "Diving Into There Wreck", pour les titres de "The Thing Itself and not the Myth", Carr utilise de manière envoûtante sa propre licence poétique pour façonner une expérience immersive unique, vacillant des sentiments de terreur et d'isolationnisme avec des affres de tranquillité et une luxuriance élémentaire qui connotent de manière hypnotique le vaste spectre d'espaces, de textures et leur flux infini de son sujet.

Oblique, puis vive, abstraite et hyperréaliste, l'intersection de Kate du code morse, des oies qui klaxonnent, des coques qui claquent et du slosh vert foncé-brownien peut être entendue comme une tentative de saisir la logique, ou le clinamen de la mer et son combat incessant avec la terre. Le niveau de détail et la facilité naturelle des compositions de Kate reconnaissent le plus magnifiquement la complexité infinie de la chose elle-même et nos liens métaphysiques et émotifs avec elle.

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Basé à Chicago depuis 2006, Rob Frye chasse le son à l'aide de bois, de synthétiseurs, de pneus de vélo et de chants d'oiseaux. Son projet Flux Bikes en est à sa 10e année ; Les autres groupes actuels de Frye incluent Bitchin Bajas, Jackie Lynn, Exoplanet et un duo avec Ben LaMar Gay.

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Sur Exoplanet, Rob Frye génère une atmosphère dans laquelle batteurs et improvisateurs orbitent synthétiseurs, habitant une zone faite de composants électroniques et biotiques. Certains des morceaux ont été créés spontanément ou composés de boucles strictes, mais deux des arrangements sont des adaptations mélodiques de la chanson du musicien Wren. Après avoir travaillé comme biologiste de terrain à l'Institute for Bird Populations en Californie de 2012 à 2016, Frye a commencé à ralentir et à transcrire le chant des oiseaux, pour finalement développer une conférence performative intitulée Hearing Hidden Melodies. "XC175020" et "XC222182" ne sont pas des planètes potentielles semblables à la Terre dans un autre système solaire, en effet ce sont des oiseaux individuels enregistrés par Peter Boesman en Amazonie. Cet oiseau, connu sous le nom d'Uirapuru au Brésil et de La Flautista au Pérou, nous rappelle les mystérieuses connaissances sonores menacées sur notre propre planète.

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Le projet "Mecha Fixes Clocks" mené par le percussionniste Michel F. Côté fait généralement dans l’abstraction «actualiste» lente ; on est dans l’exploration de textures et le quasi-méditatif. L’ensemble de musiciens fait preuve d’une grande cohérence dans le dépouillement, chacun jouant la retenue, la mesure et la parcimonie dans un incessant ballet de rythmes hachurés. Avec Guillaume Dostaler (piano), Elwood Epps (trompette), Bernard Falaise (guitare), Philippe Lauzier (sax alto, clarinette basse), Pierre-Yves Martel (viole de gambe) et Jean René (alto), MFC dessine une musique en quelque sorte sans conséquence, pleine de crépitements et de frottis, et qui n’annonce rien de plus urgent qu’un après-midi dans un hamac.

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Voici ce que dit Pierre Durr à propos de "Beau comme un aéroport" dans "Revue & Corrigé : « Improvisations judicieuses, délicatesse des interventions instrumentales, création d’une ambiance prenante, à l’intérieur de trames préconstruites, des lignes mélodiques captivantes délicatement perverties. Le tout avec une maitrise de la mise en œuvre d’un album plus ou moins conceptuel, déclinant des approches liées à l’activité aéronautique. »

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Derrière le surnom de Galerie Stratique se cache l'artiste électronique de Québec Charles-Émile Beullac. Luttant pour obtenir la reconnaissance d'une scène IDM quasi inexistante dans sa ville natale, il sort son premier CD complet, Nothing Down-to-Earth, sur le label britannique Law & Auder.

Beullac est né en mars 1977. Il a commencé à expérimenter les synthétiseurs et les séquenceurs à l'âge de 14 ans. Sa formation au violon, à la flûte et à la trompette dans son enfance a eu peu d'impact sur lui, sauf peut-être pour le convaincre que les aspects d'interprétation et d'interprétation de la musique étaient pas sa tasse de thé. Beullac passait ses heures libres à l'adolescence à jouer avec des idées d'electronique et de hip-hop lo-fi. Il a connu une épiphanie à 18 ans en écoutant la chanson "A Forest" de Cure. Cette initiation à la musique atmosphérique lui a ouvert une toute nouvelle région qu'il ne soupçonnait pas. Il s'est plongé tête première dans l'IDM, l'ambiant et la musique électronique ancienne, trouvant rapidement de nouveaux héros en Autechre, Boards of Canada et Brian Eno.

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Le deuxième album de Galerie Stratique, "Horizzzons", confirme les principaux atouts de son compositeur : structures de chansons concises, mélodies mélancoliques, contrepoints fluides mais complexes, paysages sonores évocateurs et une ambiance engourdie soutenue. Bien que chaque morceau ait une approche unique, l'ensemble s'inspire plus que jamais des éléments apaisants et mystérieux de la nature ainsi que de la musique électronique des années 70. Ce disque de pop ambiante oblique offre un kaléidoscope de tons analogiques brumeux, rêveurs et tourbillonnants sur des rythmes poussiéreux retenus. Un voyage psychédélique intemporel qui instille lentement la dépendance.

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Sabaturin est Charles-Émile Beullac (Galerie Stratique, Canada) et Simon Crab (Bourbonese Qualk, Royaume-Uni). Dans l'esprit des échanges de bandes à l'ancienne qui ont abouti à des collaborations musicales développées sur de longues périodes mais informées par les processus infiniment plus faciles de l'ère numérique, "Kenemglev" a été assemblé sans que les musiciens ne se rencontrent jamais.

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Simon Crab n'est rien de moins qu'un véritable pionnier de la musique post-industrielle britannique, avec un catalogue prototypique de dark ambient, de groove industriel et de techno hardcore pratiquement sans précédent dans son domaine. En collaboration avec l'artiste canadien Charles Beullac, 'Kenemglev' parle de la gamme et de la nuance de la production de Crab tout en présentant l'audace industrielle similaire de Beullac à de nouvelles oreilles; produisant neuf titres de rythmes industro-dub somnambules et d'électronica tourmentée dotés d'une allure nocturne qui place leur travail en bonne compagnie au milieu de la liste de groovers ésotériques tout-terrain d'Holuzam.

Le titre « Kenemglev » signifie « consensus » en breton, et décrit intelligemment leurs efforts mutuels pour explorer une sorte de no-person’s-land neutre ou de terrain d’entente virtuel entre leurs langages musicaux respectifs. En conséquence, tous les morceaux sont intitulés en breton - lui-même un mélange de français et d'anglais - et leur nature non/familière se reflète dans les angles et la sensation secrète de la musique, allant du pépin de type Mille Plateaux dans 'Douakek', à l'air - des pads de marche de 'Direnker' et une agitation de jazz noirâtre croustillante striée de signaux radio interceptés et de bruit de foule dans 'Razheta', tandis que 'Skaotan' se déroule comme une séance d'entraînement glitch de Raime, et le break trip écrasé de 'Berzh' rappelle Spectre ou Mépris.

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Formé des musiciens et compositeurs les plus en vue de la bouillonnante scène de la musique actuelle de Montréal, l’Ensemble SuperMusique (ESM) mélange savamment l’écriture musicale et la pratique de l’improvisation, l’instrumentation acoustique et électronique. Fondé en 1998, l’Ensemble est dirigé par Joane Hétu et Danielle Palardy Roger; sa géométrie variable lui permet de s’accorder pleinement à chacun des projets qu’il présente et dans lesquels chaque interprète est invité à déployer son propre vocabulaire particulier d’improvisateur dans l’exécution du répertoire. Le répertoire de l’(ESM) est constitué de compositions de ses propres membres, de commandes d’œuvres faites à différents compositeurs, ainsi que de quelques partitions «classiques» graphiques et aléatoires. En plus de se produire régulièrement à Montréal et en tournée, l’Ensemble SuperMusique a joué dans les plus importants festivals canadiens de nouvelle musique.

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Si le titre du nouvel opus de la formation de musique contemporaine et actuelle, Ensemble SuperMusique est tiré de l’oeuvre de Raymond Gervais, il est en fait l’interprétation de cinq oeuvres différentes d’autant de compositeurs : Yves Bouliane, Bernard Falaise, Malcolm Goldstein, Joane Hétu. La particularité de ces interprétations est la composition même de cet orchestre peu banal, constitué pour l’occasion de 20 musiciens, sélectionnés pour leurs qualités d’instrumentistes mais aussi d’improvisateurs, capables de jouer et de ressentir les oeuvres choisies tout en y insufflant une part de leur personnalité intrinsèque, offrant ainsi à chaque interprétation une sensation de moment unique et non renouvelable. les Accords Intuitifs sont un voyage sensitif à travers les musiques actuelles, avec ses montées et ses descentes, ses plages de douce quiétude saupoudrées d’invectives sonores et de dérapage dans des paysages rocailleux bercés de poussière électrique et de classicisme vrillé. Entre électro-acoutisque organique et improvisation tendue, dérapages controlés et sensations poil à gratter, les cinq titres proposés sont l’occasion de découvrir et de vivre une expérience unique, aux allures de sortie spatio-temporelle dans les méandres poétiques d’un espace musical trop peu connu du grand public. Très fortement recommandé.

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Compositrice, improvisatrice et interprète, Diane Labrosse travaille le bruitisme et la spatialisation utilisant principalement l’échantillonneur numérique. Depuis 1985, elle se produit régulièrement sur les scènes de musique actuelle et improvisée tant au Québec qu’à l’étranger, participant à des festivals en Europe, au Japon, en Australie, au Canada et aux Etats-Unis. Elle collabore fréquemment avec Michel F Côté, Martin Tétreault, Joane Hétu, Danielle Palardy Roger, Jean Derome et Pierre Tanguay. Depuis quinze ans, elle a créé des musiques pour le théâtre, la danse, ainsi que pour plusieurs ensembles et événements. Elle a également créé des installations multimédias. Sa discographie comprend une quarantaine de disques compacts dont plusieurs se retrouvent sur l’étiquette indépendante Ambiances Magnétiques. Elle a été co-directrice artistique de Productions SuperMusique pendant 28 ans.

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Diane Labrosse nous présente un premier disque solo — également premier disque solo chez Ambiances Magnétiques — une musique pour échantillonneur numérique. Face cachée des choses est une collection de sons bruts, parfois somptueux, non-aimables dans bien des cas. Un inventaire d’appareils, un étalage d’outils, un tas de machins, une série de traitements.

Photos de voyages, promenades solitaires, soirées euphoriques, nuits calmes, moments d’anxiété, après-midi de vie ordinaire, une toute petite touche d’exhibitionnisme et beaucoup de grenouilles. Une musique user friendly, électroacoustique ménagée, orgues de bizarreries, petits ensembles d’animaux, solistes méconnus…

«Comme la tortue, je travaille lentement et je traîne ma maison avec moi, je l’ai mise dans ce disque, mais sans le piano, pas d’instruments de musique, seulement une face cachée des choses.»

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Carlo Guistini est un musicien, un concepteur sonore et un chercheur sonore, mais surtout un auditeur attentif.

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Imaginez que vous vous réveillez au milieu de la nuit, que vous regardez par la fenêtre et que vous remarquez que quelque chose a réellement changé. Le monde est toujours là, il dort mais il est présent, se moquant de vous constamment et se montrant lentement.

Quoi qu'il en soit maintenant, quelque chose semble recouvrir la réalité d'une fine couche de colle brillante, un matériau ambigu qui cache les caractéristiques des choses et qui déroule le monde sous une lumière différente et brillante.

Vous marchez, ce béton est mou, les murs des maisons sont recouverts d'une belle matière morbide, visqueuse.

Ce monde vous parle, il vous raconte une autre histoire. Vous pourriez rester ici pour toujours et oublier un passé imposé et dur. Dans cette nouvelle vision, cependant, le passé coexiste, il vit et il vous embrasse, à jamais enveloppé dans une boucle de rodéo enflammée. Un spectacle de marionnettes géantes monté par la famille et les amis.

« Colla » est une métaphore, un espoir d'une dimension différente, où la pensée génère un contenu tangible sans trop d'effort.

Les rues de Sant'Angelo sont désormais peuplées de chats de sel, de poudre rose, de concerts de cuivres, de voix acousmatiques sans source.

La poussière toxique de ma ville est maintenant un brouillard qui fond éternellement et ne reviendra jamais.

Cet album a été enregistré avec des instruments précaires :
une table de mixage behringer qui siffle
un Korg Poly 800 partiellement brûlé
Un vieux magnétophone Taya
Les pédales de guitare les moins chères
Un enregistreur à microcassette philips

Tout cela pour obtenir un son complètement imparfait, fragile, étouffé et usé.
C'est ainsi que mon monde de rêve devrait sonner.

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Jana Winderen est une artiste basée en Norvège avec une formation en mathématiques, chimie et écologie des poissons. Sa pratique accorde une attention particulière aux environnements audio et aux créatures difficiles d'accès pour les humains, à la fois physiquement et auditivement - profondément sous l'eau, à l'intérieur de la glace ou dans des gammes de fréquences inaudibles à l'oreille humaine. Ses activités comprennent des installations audio et des concerts in situ et spatiaux, qui ont été exposés et joués à l'échelle internationale dans de grandes institutions et des espaces publics.

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Armée de quatre hydrophones, de micros omnidirectionnels, d'un micro à réflecteur parabolique et d'un enregistreur numérique à disque dur, Jana Winderen étudie et enregistre des lieux sauvages qui ont une importance particulière dans notre compréhension de la complexité et de la fragilité des écosystèmes marins. .

Les enregistrements d"Energy Field" ont été réalisés lors d'excursions en mer de Barents (au nord de la Norvège et de la Russie), au Groenland et en Norvège, au plus profond des crevasses des glaciers, dans les fjords et en pleine mer. Ces éléments sont ensuite édités et superposés dans un puissant paysage sonore descriptif. Les grands espaces du Groenland, les vents du nord, les corbeaux et les chiens dans un paysage glacial servent de cadre à ces pièces envoûtantes mais dynamiques. Les sons de crustacés, de poissons tels que la morue, l'églefin, le hareng et la goberge enregistrés alors qu'ils chassent, appellent un compagnon ou s'orientent dans leur environnement, sont tous inclus dans le mix. Le résultat est un voyage puissant et hypnotique dans le monde audio invisible du nord gelé.

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Le compositeur parisien Luc Ferrari a été un pionnier de la musique électronique et instrumentale d'avant-garde. Il fut le directeur fondateur du Groupe de Musique Concrète en 1958 et fut, avec Pierre Schaeffer, l'un de ses principaux praticiens. Ferrari réinvente constamment sa propre approche poétique du son et de la musique. Ses innovations dans le « réalisme sonore », « photographies » des sons du monde entier en tant que musique, ont influencé les genres, du populaire à l'expérimental.

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L'Œuvre Électronique est le monument le plus digne de Ferrari. Sachant qu'il y a 10 CD de compositions impeccables ainsi qu'un livre détaillé (en français et en anglais) qui comprend une courte biographie, des notes de Ferrari et une entrevue avec Brunhild. Espérons qu'il y aura une sortie sœur de ses œuvres pour instruments traditionnels pour accompagner ses œuvres électroniques, mais pour le moment, il y a plus qu'assez de matériel ici pour faire durer n'importe qui pendant très longtemps.

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Aventureuse et relativement anti-conformiste, Ida Toninato explore le son, les idées et les formes de présentation, seule ainsi qu’en compagnie de compositeurs, improvisateurs, danseurs, artistes de tous bords. Elle aime les questions, les pertes de contrôle, la poésie et la manière dont les sons roulent dans la bouche.

Mélangeant de nouveaux sons avec des instruments du passé, Jennifer Thiessen est connue pour improviser et commander de nouvelles œuvres pour l'alto et la viole d'amour ainsi que pour interpréter leur répertoire historique.

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Le premier album en duo des stars montantes de l'improvisation Ida Toninato et Jennifer Thiessen, The Space Between Us, est un dialogue intime et nuancé entre le sax baryton et la viole d'amour. Les joueurs tissent les uns autour des autres dans une conversation sophistiquée, se chevauchant souvent, en accord, en désaccord ou en ajoutant des idées. Le drame principal de cet album découle de la dissonance et des possibilités timbrales entre deux tons reliés par un arc qui commence dans "Retractable Claws", se poursuit dans "Magma/Suspension" et trouve son point culminant dans le vaste "La roue tourne". La viole d'amour (un oiseau rare dans la musique expérimentale) brille dans "L'aurore", occupant le devant de la scène avec son son chaud, chatoyant, semblable à un aria et argenté. L'intersection sonore du baryton et de la viole d'amour est remarquablement compatible, et le duo passe la plupart de son temps dans un registre similaire, de sorte que les timbres qui se chevauchent deviennent un accent sculptural. Les longues tonalités de drone qui imprègnent l'album contrastent avec des sections plus rythmiquement dynamiques dans "Space [Outer] Space". L'ajout de voix à la fin de "La roue tourne" est une surprise après la palette duochromatique de l'album, et ressemble presque à une piste bonus suggérant une direction dans laquelle le duo basé à Montréal pourrait déambuler ensuite. A la croisée du jazz, du baroque, d'une rencontre avec Rothko, et d'une sorte de folk étiré, cette musique ose vous serrer dans ses bras.

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Charles Curtis interprète un répertoire unique en son genre, œuvres solo composées spécialement pour lui par La Monte Young, Alvin Lucier, Eliane Radigue ou Alison Knowles, des partitions rarement interprétées de Terry Jennings et Richard Maxfield, ainsi que des œuvres de Cardew, Wolff, Feldman et Cage. D’abord attaché à l’université de Princeton, puis pendant onze ans premier violoncelle solo de l’orchestre symphonique de Hambourg, il enseigne actuellement l’interprétation de la musique contemporaine à l’université de Californie (San Diego). après avoir suivi l’enseignement d’Harvey Shapiro et de Leonard Rose à la Juilliard School, il a interprété des œuvres majeures avec des orchestres de premier plan, sous la direction de chefs tels que André Previn, Herbert Bloomstedt ou Max Rudolf.

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Saltern présente son cinquième album, Charles Curtis: Performances & Recordings 1998-2018, la première collection complète d'enregistrements retraçant la carrière du célèbre violoncelliste américain Charles Curtis. Sélectionnée par Curtis et Tashi Wada à partir d'enregistrements couvrant les deux dernières décennies, la collection offre une vue large et inclusive des activités de Curtis dans les divers mondes musicaux qu'il habite, contenant des enregistrements rares et inédits et de la musique inédite de Terry Jennings. , Richard Maxfield, Éliane Radigue, Alison Knowles et Curtis. La vaste portée de cette sortie ne témoigne pas d'une agitation musicale, mais d'un véritable esprit d'investigation, car ces domaines d'activité pour Curtis ont existé simultanément dans le dialogue, pas simplement en succession, pendant des décennies. Plus de deux heures de musique par des compositeurs et des artistes avec lesquels Curtis est étroitement associé, notamment Éliane Radigue, Guillaume de Machaut, Tobias Hume, Silvestro di Ganassi, Terry Jennings, Morton Feldman, Anton Webern, Olivier Messiaen, Alison Knowles, Richard Maxfield et Curtis lui-même.

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Annea Lockwood, née le 29 juillet 1939 à Christchurch, est une compositrice américaine d'origine néo-zélandaise. Elle a enseigné la musique électronique au Vassar College1. Ses œuvres comportent souvent des enregistrements de sons naturels. Elle a aussi enregistré des pièces inspirées par le mouvement artistique fluxus, impliquant la combustion ou la noyade de pianos. Ses idées progressistes et l'étendue de sa gamme est très vaste ; microtonales, électro-acoustiques, paysages sonores et musique vocale ... elle semble avoir exploré et a exprimé dans la composition moderne des espaces précédemment ignorées.

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Annea Lockwood enregistre des rivières depuis 1970, "non pas pour les documenter, mais plutôt pour l'état d'esprit et de corps particulier que créent les sons de l'eau en mouvement lorsque l'on écoute attentivement le maillage complexe des rythmes et des hauteurs."' Lovely Music, Ltd. a publié l'œuvre phare d'Annea A Sound Map of the Hudson River en 1989. Dix-neuf ans plus tard, nous sommes fiers de présenter A Sound Map of the Danube, son plus grand projet d'enregistrement fluvial à ce jour. Enregistré sur trois ans et cinq voyages en Europe, A Sound Map of the Danube retrace le deuxième plus long parcours fluvial européen depuis la Forêt-Noire en Allemagne jusqu'à son delta dans la mer Noire. Les enregistrements comprennent des sons des berges, du dessus et du dessous de l'eau, des animaux, des insectes et des entretiens avec des habitants du grand fleuve. L'ensemble de trois disques comprend également une carte dépliante avec des notes d'album et des traductions d'interviews au verso.

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Jim O'Rourke est un musicien, auteur, compositeur, interprète et producteur américain. Il a joué dans de nombreuses formations (Brise-Glace, Loose Fur, Gastr del Sol, ...) et a été membre intégrant du groupe new-yorkais Sonic Youth de 2000 à 2005. Il a également collaboré en tant que producteur avec Wilco, mais aussi pour Stereolab, Faust, Joanna Newsom, Smog et Cynthia Dall.

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"Shuting Down Here" est un travail spécial. Symboliquement, il couvre une période de trente ans, entre deux passages de Jim O'Rourke au GRM, le premier, en jeune homme passionné par l'institution et son répertoire, le second, en musicien accompli, influent et empreint d'une aura de mystère. "Shutting Down Here" est une pièce en forme d'univers, un monde hétérogène dans lequel se heurtent les multiples facettes musicales de Jim O'Rourke : écriture instrumentale, field recordings, textures électroniques et devenirs cybernétiques, espaces dynamiques, espaces harmoniques, portées silencieuses. Cette variété d'approche, étrangement, n'affaiblit en rien la cohérence de l'ensemble et c'est là le talent de Jim O'Rourke, un talent à proprement parler de composition, où tous les éléments sonores rivalisent et participent à des enjeux qui les dépassent et d'un destin commun, on peut dire qu'il s'agit d'une apparition.

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Guitariste autodidacte, compositeur prolifique et éclectique, René Lussier n’a cessé, depuis la fin des années 1970, d’initier de nouveaux chantiers musicaux en s’alliant à des musiciens issus de tous horizons3. Il a dirigé plusieurs ensembles et composé plus de 65 musiques de films documentaires et d’animation.

L'une des figures de proue de l'étiquette Ambiances Magnétiques et du mouvement de la musique actuelle montréalais, Jean Derome s'intéresse depuis le début des années 1970 au rock et au jazz expérimental, à plusieurs formes issues de la musique ancienne, ainsi qu'à la musique contemporaine.

Membre du groupe rock expérimental Henry Cow durant les années 1970, Chris Cutler a par la suite fait partie de Art Bears et News from Babel. Il rejoint Pere Ubu lors de la reformation du groupe en 1987 et collabore avec de nombreux musiciens, notamment les Residents et joint les guistaristes André Duchesne, René Lussier, Jean-Pierre Bouchard et Claude Fradette pour le premier opus du groupe québécois Les 4 Guitaristes de l'Apocalypso Bar dont le titre est Tournée Mondiale/Été '89 (Ambiances Magnétiques, Canada). Cutler dirige le label indépendant Recommended Records, qu'il a fondé en 1978.

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Comme son nom l'indique, la "Three Suite Piece" contient trois compositions étendues de Lussier, Derome et Cutler. Le premier morceau, "La suite des trois pommes", est tiré de la musique de film d'une production de 1987 de Jacques Leduc. La musique de base est de nature baroque, doit une forte influence à Johann Sebastian Bach ; la performance est plus solidement ancrée dans le rock d'avant-garde. "The Cold Storage Suite" est une œuvre moderne plus expérimentale, tandis que "The Don't Worry Suite" est un numéro de fusion étendu.

Annotation :

Kim Myhr est un guitariste et compositeur norvégien dans le domaine de la musique expérimentale.

Le Quatuor Bozzini est un ensemble qui développe depuis une vingtaine d’années une approche holistique par l’amalgame de musiques classiques, d’expérimentations sonores et de créations issues de l’avant-garde artistique contemporaine.

Caroline Bergvall est une poète, artiste audio-visuelle, éditrice et professeur d'université franco-norvégienne, et enseignante à l'Université de Southampton.

Ingar Zach est un percussionniste et homme d'affaires norvégien, connu pour plusieurs enregistrements.

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"Inspiré par la rencontre avec la poète Caroline Bergvall en 2015 et la musique de Robert Ashley que j'écoutais à l'époque, je voulais faire une pièce plus longue et lente centrée sur une voix parlée", explique Myhr. "La composition est en six parties, mais les parties se fondent toutes les unes dans les autres de sorte qu'elles ressemblent à un état d'esprit qui change lentement." Le résultat est une réalisation triomphale où la musique et le texte semblent inextricablement liés l'un à l'autre, la voix hypnotique et le débit incantatoire de Bergvall agissant parfois comme un instrument de musique supplémentaire, tandis que les coups de couteau, les drones et les glissandos du quatuor à cordes offrent une ponctuation emphatique et une musique riche. contrepoint à l'histoire en évolution, qui est elle-même une superposition complexe de sons et de sens, de discours et de récit.

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Baishui est un compositeur, guitariste, multi-instrumentiste originaire du Sichuan, en Chine.

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Le son, dont nous faisons l'expérience de manière fascinante et abstraite, est difficile à décrire.

Du son progressif et post-rock en trois morceaux de City of Lost à sa première tentative de pépins minimalistes Diary of Broken Sounds, le prolifique musicien du Sichuan Baishui a cherché des moyens de décrire et de permettre l'expérience du son. En morceaux ou en entier ; violent ou délicat; composé avec soin ou improvisé : La recherche de l'équilibre de ces opposés, et d'autres, dans les différents moments de son travail est l'essence même de la musique de Baishui.

Dans une nouvelle série de projets -- Sound in Motion -- Baishui examine la relation entre le son et le mouvement. Que ce soit en termes de mouvement ou de changement du son, le projet est volontairement ouvert ; Baishui pose les fondations musicales sur lesquelles un éventail d'artistes d'horizons variés sont invités à construire grâce à la collaboration.

Sound in Motion: Prologue est la première sortie de la série, avec quatre musiciens représentant différents genres participant à leur manière. Il émane d'un enregistrement de terrain ou d'une photographie dont les collaborateurs sont encouragés à se servir à leur manière ; Baishui combine ensuite les contributions dans un produit final. Il n'y a pas de point final certain au projet; au contraire, la nature même du son émerge du processus créatif quelque peu aléatoire.