Les meilleurs films d'animation (dessins, 3D etc.) selon abscondita

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Tomm Moore : Réalisateur irlandais

Brendan et le secret de Kells renvoie au livre de Kells écrit aux environs de l'année 800 après JC. Rédigé à la main par des moines, il contient les quatre évangiles du Nouveau testament ornés de magnifiques enluminures. : "Il a inspiré maints artistes, explique le réalisateur Tomm Moore, et on ne compte plus les motifs du livre repris dans les objets les plus courants de la vie irlandaise, depuis les pièces de monnaie jusqu'aux blasons officiels, en passant par les souvenirs pour touristes et l'artisanat. Son iconographie est le produit d'influences du monde entier, certaines venues d'aussi loin que l'Afrique. Les encres étaient fabriquées à partir de matériaux rares et précieux, rapportés de contrées reculées comme l'Asie Mineure. C'était le temps où l'Irlande était connue comme "L'Ile des Saints et des savants"". Le livre est aujourd'hui conservé au Trinity College de Dublin.

Tomm Moore a souhaité montrer qu'il y avait un lien entre les enlumineurs des livres de l'époque et le long travail nécessaire à la réalisation d'un film d'animation : "Les vicissitudes que rencontrent les enlumineurs ne sont pas éloignées de ce que peut vivre aujourd'hui un animateur qui met toute son énergie à créer une oeuvre originale dans un monde parfois indifférent, voire hostile. Mon ambition est de faire vibrer l'imagination du public en montrant toute la beauté d'un objet né d'une main créatrice, à la fois à travers l'histoire d'artisans qui comptent parmi les plus remarquables de tous les temps et grâce à l'objet qu'est le film achevé, projeté sur l'écran, fruit du travail d'une équipe d'artistes."

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studios DREAMWORKS

Dragons est l'adaptation du livre "How to Train Your Dragon" de Cressida Cowell publié en 2003.

Afin de permettre à l'équipe des effets spéciaux de recréer les effets pyrotechniques les plus réalistes possibles, la production a engagé un vétéran de l'armée afin que pendant une journée, il fasse les démonstrations «live» des multiples effets que nécessitait le film. Le superviseur des effets spéciaux décrit ces démonstrations : "Il nous a fait une démonstration complète : explosions, flammes de toutes les couleurs, bris de matériaux, etc. Nous avons filmé tout cela au ralenti, de 400 à 1000 images/seconde, et rassemblé un matériau de référence aussi précieux qu’abondant."

Afin de créer les paysages de Dragons, l'équipe de décorateurs a suivi la côte Pacifique, du nord de l’Oregon à la Californie du Nord, en prenant de nombreuses photos, notamment de la Cannonball Beach. La décoratrice Kathy Altieri déclare à propos de ce lieu "C’est un terrain totalement volcanique, avec des plages toutes noires, hérissées de gros rochers. Les variations de couleurs sur les falaises environnantes sont d’une incroyable beauté. Elles dépassent les rêves les plus fous. C’est cet ensemble qui nous a inspiré l’habitat des dragons."

Dans le film, les dragons ne parlent pas contrairement au livre où ils communiquent grâce à leur propre langue. Les scénaristes ont très vite décidé de les rendre muets afin de souligner leur côté animal.

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PIXAR

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STOP MOTION

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DISNEY

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AARDMAN

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STUDIO GHIBLI

La Princesse Kaguya est, à l'origine, le personnage principal d'un conte japonais datant du 10ème siècle, également appelé "Le Conte du coupeur de bambou". Il s'agit du plus ancien texte narratif de l'histoire du Japon, écrit par une dame de la cour surnommée Murasaki Shikibu. Le nom du personnage, Kaguya, signifie lumineux et est dû au paysan qui la trouva dans une tige de bambou luisante. Le conte pourrait être dérivé d'une légende tibétaine ressemblante, via les contacts qu'entretenait à l'époque la cour avec la Chine.

Le conte fut déjà de nombreuses fois adapté au Japon sur différents supports. Il en existe des versions littéraires, dessinées, sous forme de manga, notamment celui de Shimizu Reiko, mais également des films, dont l'un fut réalisé par Kon Ichikawa en 1987, "La Princesse de la lune". Certains mangas et anime célèbres se servent également du mythe et s'en inspirent librement dans leurs personnages et intrigues, comme le font Sailor Moon et Inu-Yasha. Et si plusieurs jeux vidéo furent aussi adaptés du conte, le film de Takahata est sa première adaptation animée longue.

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Un dessin animé culte français

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Studios BLUE SKY

Tout animé par ordinateur qu'il soit, L'Age de glace a souvent trouvé son origine dans les crayons des animateurs, qui n'hésitaient pas à recourir aux techniques les plus classiques comme le crayonné et le modelé en terre glaise, ce dernier procédé étant appliqué pour chaque personnage, avant le passage au scanner puis en 3-D.

Epoque lointaine dominée par des paysages glacée, l'ère de L'Age de glace nécessitait une luminosité spécifique. Cette tache fut confiée au logiciel Ray Tracing, spécialement conçu pour l'occasion par les techniciens des studios Blue Sky.

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Parvana est tiré du roman écrit par Deborah Ellis : "La fable elle qui entrecoupe le récit a été ajoutée par la coscénariste de Deborah, Anita Doron. Anita a étudié le folklore du pays pour y trouver un conte à la portée universelle. L’aventure de Souleymane est une manière pour Parvana de se connecter avec un être disparu, d’interpréter et de transmettre avec douceur une tragédie vécue. Quand on développait le film, on a beaucoup échangé avec des Afghans qui avaient du mal à exprimer leur douleur, à mettre des mots sur des événements qui les avaient marqués. Cette difficulté, voire cette impossibilité de communiquer les empêche d’avancer et de vivre normalement. Parvana, elle, articule son émotion autour de ce drame dont elle fait une métaphore. C’est cela aussi, notre film : il met en avant le pouvoir de la parole", souligne la réalisatrice Nora Twomey.

À travers l’histoire de Parvana, Nora Twomey aborde frontalement la tragédie du joug taliban, ce qui est très audacieux pour un film qui s’adresse, entre autres, au jeune public. "À travers les journaux télévisés, les flashs infos à la radio ou même les discussions autour d’eux, les enfants sont exposés en permanence aux tragédies mondiales. Et les adultes ne doivent pas occulter ou masquer cette réalité, ni ériger une barrière pour les protéger et qui, au bout du compte, ne fera que les effrayer encore plus. Famille, enseignants, proches doivent encourager le débat avec eux sur ces sujets auxquels ils finiront forcément par être confrontés. Ainsi, le jour venu, ils sauront mieux gérer et appréhender toute cette horreur. Petite, la radio m’informait des attentats en Irlande du Nord. J’en parlais aussitôt avec mes parents qui n’avaient de cesse de m’expliquer les tenants et aboutissants de ce conflit à travers leur histoire, leur vécu, et ceux de mes grands-parents. Comprendre un conflit et ce qu’il engendre évite d’avoir des opinions hâtives et toutes faites. Et pour en revenir à Parvana, ce qui se passe en Afghanistan est si complexe… Encore aujourd’hui, les Afghans ignorent leurs perspectives d’avenir. Le film explore cette complexité, en posant un certain nombre de questions sans pour autant apporter de réponses", analyse la réalisatrice.

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Produit par NETFLIX

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L'idée des aventures de Ben et Maïna est venue à Tomm Moore suite à la découverte, lors de vacances familiales, de cadavres de phoques, tués par des pêcheurs. Profondément marqué par cette découverte et empreint des légendes de son enfance (notamment celle des selkies, "des créatures mythologiques, mi-femme mi-phoque"), Moore décida de réaliser un film sur ce sujet.

Le réalisateur Tomm Moore situe l'histoire du Chant de la Mer en 1987, période charnière pour l'Irlande. En effet, à partir de cette date, le pays entra dans la mondialisation et mit de côté la transmission des légendes traditionnelles.

Pour réaliser Le Chant de la Mer, Tomm Moore s'est inspiré de Mon voisin Totoro (1988) de Miyazaki, pour son côté nostalgique d'un temps révolu. On retrouve ainsi chez Miyazaki, la nostalgie du Japon des années 1950 et chez Moore, celle de l'Irlande de son enfance. Le Cheval venu de la mer de Mike Newell a également été une source d'inspiration pour le réalisateur.

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C'est en faisant la lecture des Trois Brigands à ses enfants que le producteur, Stephan Schesch, eut envie de l'adapter au cinéma : " Je connais et j'adore ce livre depuis mon enfance. Je l'ai déjà lu à mes propres enfants 3333 fois environ ! À chaque fois que je le lisais, mon souhait grandissait, non seulement d'adapter ce livre, mais d'en faire un film vraiment particulier.”

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Dans le film, plusieurs espèces de chouettes sont représentées. Et évidemment chacune a nécessité un traitement spécifique pour la reconstitution animée. Damien Gray explique: "Nous avons tout de suite réalisé qu'il faudrait créer les instruments de contrôle assurant la maîtrise de chaque plume en fonction des mouvements du personnage, de l'état du ciel, de la résistance de l'air. Autant de variables à intégrer dans nos calculs."

L'une des clés de la réalisation du film fut le travail sur l'animation des films, le plus réaliste possible. Damien Gray, superviseur de l'animation des personnages, explique: "Le plumage facial de la chouette fonctionne à la manière d'un rada, leurs oreilles permettent de capter les sons qui leur parviennent de face, et leur musculature leur permet d'agir sur la surface de cette parabole ultra-sensible. (...) Tous ces détails ont été pris en compte."

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Dans Ma vie de Courgette, Claude Barras évoque principalement la question de la maltraitance. "J’ai tenu à adapter ce roman car je voulais faire un film pour les enfants qui leur parle de la maltraitance et de ses remèdes dans le monde d’aujourd’hui", explique le cinéaste. Cette question est toutefois renversée : "Dans le cinéma contemporain, le foyer est classiquement mis en scène comme le lieu de la maltraitance et le monde extérieur comme le lieu de la liberté. Dans Ma Vie de Courgette, le paradigme est renversé : la maltraitance est subie dans le monde extérieur et le foyer est le lieu de l’apaisement et de la réparation. C’est ce qui rend ce récit classique et moderne à la fois".

Ma vie de Courgette a été tourné en stop-motion, ce qui a nécessité un travail considérable de la part des équipes du film. Claude Barras résume : "Il a fallu fabriquer et peindre une soixantaine de décors et cinquante-quatre marionnettes dans trois déclinaisons de costumes. Nous avons ensuite, durant huit mois, tourné soixante-dix minutes de film, répartis sur quinze plateaux de tournage, à raison de trois secondes par jour et par animateur. Huit mois supplémentaires ont été nécessaires pour sonoriser le film et assembler toutes les prises sur fond vert avec les premiers-plans, les arrière-plans, les ciels, les nuages ainsi que les autres fonds de décors créés par ordinateurs. Bien que la fabrication et le tournage furent un marathon de deux ans de travail acharné impliquant plus de cent cinquante «artisans», nous avons tenu et réussi, grâce une équipe très efficace, à mettre en place et maintenir un système de production à échelle humaine tout au long du tournage".

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Le Géant de Fer est l'adaptation assez libre d'une nouvelle du même nom de Ted Hughes publiée en 1968. Ce dernier décéda en 1998, autrement dit après avoir donné son accord à Brad Bird mais avant de pouvoir voir le film achevé. Il existe par ailleurs une suite au livre originel intitulée The Iron Woman et publiée en 1993. Comme son titre l'indique, elle se centre sur une géante de fer.

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L'énorme château du sorcier Hauru, tout entier constitué de ferraille, de passerelles, d'une gueule béante, crachant de la vapeur, n'est pas sans rappeler les créations de Jean Tinguely, un artiste sculpteur suisse, décédé en 1991. Ce dernier s'était fait une spécialité de sculptures réalisées à partir de métaux, des rebuts d'usine, et que l'adjonction d'un moteur permettait de mettre en branle. Ces assemblages produisaient par la suite de la musique, de la peinture ou de l'eau. L'artiste a, plus tard, ajouté des mâchoires ou des crânes d'animaux, des morceaux de tôle froissée provenant de voitures accidentées, de sorte que ses sculptures ressemblaient presque à des totems, angoissants et menaçants.

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Superbe dessin animé de l'Union soviétique
https://www.dailymotion.com/video/x7y86zs

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Ils ont été conçus de A à Z par le directeur artistique Phil Lewis, le décorateur Tim Farrington et leur équipe. Dans ce cas précis, l'informatique a effectivement joué un rôle, car les décorateurs ont pu créer une image 3-D de chaque décor et s'y déplacer virtuellement avant même de les construire, pour vérifier tous les axes caméra.
L'enclos principal de la ferme avicole représente le plus vaste de tous les décors : il mesure plus de 18 mètres, soit toute la longueur du studio. Les toits de baraques, en tôle ondulée, sont de simples petites plaques de fer passées dans des laminoirs à dents-de-scie. Le grillage en fil de fer barbelé qui entoure la ferme est fait de mince fil de cuivre préparé en l'enroulant autour d'épingles plantées dans des planches. On le garnit ensuite de minuscules barbillons - aussi petits que coupants, comme peuvent en attester ceux qui ont participé à cette fabrication. Tous les arrière-plans sont peints sur toiles.

Chaque poulet fut créé en deux tailles : un grand modèle (pouvant atteindre jusqu'à 30 cm) pour les scènes où on les voit agir et dialoguer entre eux et une version miniature pour les séquences de groupes ou encore les scènes en relation avec les personnages humains. Les poulets miniatures (faisant moins de 10 cm) servirent également à renforcer l'impression de perspective en créant une forte distance. Le film nécessita la fabrication de près de 300 figurines " grand modèle " et 130 miniatures.

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Pour Hayao Miyazaki, Ponyo sur la falaise est la transposition du conte de Hans Christian Andersen, La Petite Sirène, dans le Japon d'aujourd'hui : "Une petite ville au bord de la mer, une maison au sommet d'une falaise, quelques personnages et l'océan vu comme une présence, une entité vivante."
"Un monde où la magie et l'alchimie font partie du quotidien. Tout en bas, comme notre esprit inconscient, la mer, et à sa surface, l'agitation des vagues. En modifiant l'espace et en altérant les formes, la mer n'apparaît pas seulement comme le décor de l'histoire, mais comme un de ses principaux protagonistes."
"Un petit garçon et une petite fille, l'amour et la responsabilité, l'océan et la vie, et l'essence fondamentale de tout cela : voilà de quoi parle Ponyo sur la falaise, un conte qui est ma réponse à la détresse et à l'incertitude de notre époque."
le personnage de Fujimoto, génie misanthrope sous-marin, emprunte sans doute au Capitaine Nemo de Jules Verne.

Pour ce film, Hayao Miyazaki a décidé d'épurer un maximum le dessin et d'apporter un style graphique proche des illustrations des livres pour enfants. Refusant l'utilisation d'imagines numériques, il a ainsi décidé d'utiliser des couleurs pastelles et des aquarelles.

Au-delà de la simple transposition du conte d'Andersen, l'histoire de Ponyo touche Hayao Miyazaki de manière assez personnelle comme le confie Toshio Suzuki, ami de longue date du réalisateur : "L'automne dernier, alors qu'il approchait de ses 67 ans, Hayao Miyazaki m'a dit : "Je suis arrivé à un âge où je peux compter sur mes doigts les années qui me restent à vivre. Bientôt, je retrouverai ma mère. Que vais-je lui dire quand ce moment arrivera ?". Cette question a été au centre de la création et de tout le travail qu'il a accompli autour de Ponyo sur la falaise.

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Court-métrage d'animation russe.

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• Dans un premier temps, les producteurs du film l’ont annoncé comme étant un dessin animé destiné à un public ayant une certaine maturité (il fut même question de l’interdire aux moins de treize ans aux États-Unis), correspondant au positionnement marketing de DreamWorks. Cette intention ainsi que les mécontentements divers qu’a provoqué le film (accusé d’être une forme de catéchisme historiquement absurde par certains et accusé d’avoir au contraire pris des libertés avec la Bible par d’autres) ont provoqué quelques remous. Le caractère « adulte » du film n’a pourtant pas convaincu tout le monde. Le comparant aux productions Disney, Jérôme Larcher (Les Cahiers du cinéma) en a dit : « On retrouve les mêmes stéréotypes, une idée du monde aussi simpliste que chez le concurrent. Pas de quoi donc crier au génie ou vanter la nouveauté ».
• Le créateur du design des personnages d'Hotep et Huy s'est en partie inspiré des acteurs français Louis de Funès et Bourvil dans le film La Grande Vadrouille.
• Ce film s’inscrit dans un débat polémique américain concernant l’appartenance ethnique des Égyptiens de l’Antiquité qui, pour certains membres de la communauté afro-américaine, étaient noirs.

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Premier film d’animation entièrement produit aux Émirats Arabes Unis. Bilal s’inspire de l’histoire de Bilal Ibn Rabah, compagnon du prophète Mahomet considéré comme le premier muezzin (chargé de lancer l’appel à la prière des musulmans) et s’inscrit dans la grande tradition des films épiques, qui mettent en scène des personnages historiques en prenant pour support les textes fondateurs.

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La volonté de Verbinski de bousculer les codes de l'animation est allée jusque dans le processus de doublage des personnages par les acteurs. Inventant pour l'occasion un nouveau procédé, baptisé l'"Emotion-Capture", le réalisateur a demandé à ses comédiens de jouer les scènes du film sur un plateau, en costumes et avec de vrais décors. L'équipe technique a ainsi pu enregistrer leurs voix, et a également filmé leurs expressions et leurs déplacements à l'aide de caméras HD, s'en inspirant plus tard pour animer les personnages. "(...) on ne voulait pas que ce tournage ressemble à une expérience clinique. Au contraire, on voulait que ce soit le plus vivant possible," explique Verbinski. Le fait de faire jouer ensemble de vrais comédiens pour un film d'animation n'est pas inédit, mais le réalisateur a repoussé les limites du concept en reconstituant les décors du film pièce par pièce, allant jusqu'à faire installer un véritable saloon et un chariot sur le plateau.
Les comédiens, qui n'avaient encore jamais vécu ce genre d'expérience pour un film d'animation ont pu laisser libre cours à leurs talents d'acteur, ainsi qu'à leur enthousiasme. "La possibilité d’utiliser des accessoires et de me balader avec un chapeau de cow-boy sur la tête m’a beaucoup aidé. C’était l’occasion pour notre bande d’adultes de faire les idiots !," plaisante Johnny Depp. "Cela m’a rappelé les dramatiques radiophoniques que j’ai enregistrées quand j’étais jeune, en Angleterre," raconte Bill Nighy, qui a prêté sa voix à Jack la Morsure.
Pour créer Poussière, la petite ville du film perdue en plein désert, et ses nombreux habitants (une soixantaine au bas mot), les animateurs ont dû rivaliser d'ingéniosité. Attribuer un caractère précis à chaque personnage et l'animer en conséquence s'est ainsi révélé être un défi de taille, que l'équipe s'est employée à relever sans perdre de vue la dimension réaliste qui était le maître mot du projet. "Gore voulait qu’on crée un univers dans lequel le spectateur puisse ressentir la chaleur, ait le goût de la poussière dans la bouche, éprouve la dureté de cet univers, et qu’on donne le sentiment qu’on était véritablement allés dans le désert pour y tourner le film. Il a donc fallu qu’on revoie en profondeur nos procédures habituelle," raconte le superviseur des effets visuels Tim Alexander.

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Le film de Hayao Miyazaki est inspiré d'un court roman de Eiko Kadono, intitulé Majô no Takkyûbin (La messagerie de l'ensorceleuse). On y retrouve les bases du film : le voyage initiatique de Kiki à 13 ans, son travail à la boulangerie. Eiko Kadono a écrit une suite quelques années plus tard, dans laquelle Kiki continue son travail de livreuse, La messagerie de l'ensorceleuse 2 : Kiki et ses nouveaux tours.

Hayao Miyazaki s'est inspiré de paysages étrangers à son Japon natal pour les décors de son film. Ainsi, les paysages de Kiki, la petite sorcière sont inspirés de l'Italie, et les enseignes des boutiques sont d'inspiration autrichienne. La ville de Koriko est inspirée de Lisbonne, Paris, San Francisco, et Milan.

Si les personnages féminins des films de Hayao Miyazaki sont souvent des personnages forts, de nombreuses spectatrices lui ont reproché de ne pas représenter fidèlement la condition actuelle de la femme : le personnage de Kiki est venue de ces réactions. Le réalisateur précise en effet : "Suite à des lettres que j'ai reçues de la part des femmes qui me reprochaient de ne pas décrire leur condition avec lucidité, de créer une image idéale de la femme vue par le regard de l'homme, j'ai décidé de changer de type d'héroïne. Et Kiki est apparue. (...) Dans la ville où elle s'installe, elle va rencontrer un grand nombre de problèmes propres aux femmes d'aujourd'hui, indépendantes financièrement, mais non moralement. "