Les meilleurs films de 2022 selon takeshi29

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A-t-on déjà vu un âne palmé ? (cf critique)

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Roumanie Mungiu Nous... (cf critique)

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Jafar Panahi : "Ceci est un film de mon fils... et il a fracassé takeshi29" (Oui oui il l'a dit)... (cf critique)

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Je ne suis pas un inconditionnel des tentatives d'Albert Serra, que je trouve parfois aussi gratuites que fascinantes, à l'exemple de son "Liberté" qui avait fait parler il y trois ans.

Mais là quelle claque ! Ce "Pacifiction" est une expérience visuelle et sonore de tous les instants, le travail sur la photo et sur la mise en scène est prodigieux. Durant la projection je me suis fait une remarque qu'on se fait forcément de plus en plus rarement quand on avance en âge : « Je n'avais encore jamais vu ça », par exemple lors de cette scène de surf que je n'oublierai jamais, ou ce dernier passage en boîte de nuit qui rapproche de la transe.

Bref ce film est exceptionnel au sens littéral du terme, il aurait pu rafler tous les prix cannois, et donc forcément il est reparti sans la moindre breloque. Il faut quand même être aveugle pour ne pas remarquer que cet objet est à part, comme l'est Benoît Magimel, de plus en plus Depardieu et surtout grandiose.

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Hier soir en rentrant impossible de manger, et l'endormissement n'a pas été simple non plus. Car il y a des films qui laissent plus de traces que les autres, qui vous remuent très fort, et ce documentaire de Sergeï Loznitsa, qui n'est pas du genre à préserver les spectateurs, en fait partie. C'est un choc, par l'absence de tout commentaire, ce montage d'une force inouïe, ces témoignages de victimes ou d'un jeune SS.

Et une pendaison publique, une foule qui hurle entassée dans des gradins, une scène qui ne me quittera plus jamais.

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Oui ce nouveau Martin McDonagh est un mastodonte et surtout une claque à tous les niveaux, au-dessus de ses précédentes réussites qu'étaient déjà "Bons baisers de Bruges" et "3 Billboards".

Le cinémascope et la superbe musique mettent en avant ces incroyables paysages irlandais, les personnages sont riches de subtilités et les interprètes à l'unisson, le scénario est diaboliquement orchestré, avec ces différents récits qui se répondent et permettent multiples niveaux de lecture. Car McDonagh emploie un absurde quasiment "Beckettien" pour aborder avec une intelligence folle des tonnes de thèmes, tantôt drôles tantôt dramatiques, il capte parfaitement ce qu'est la vie sur une île, y compris cet isolement géographique qui en devient politique.

Attendez-vous donc à rire mais aussi à être tendu, puis sincèrement ému ce 28 décembre, mais aussi à réfléchir car ces "Banshees d'Inisherin" ne se contentent pas de nous régaler, ils posent aussi de vraies question sur la nature humaine, donc sur nous.

NB : Après EO, Jenny, ce fut décidément une grande histoire d'amour et d'émotion entre moi et les ânes en 2022.

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Ce second volet est encore plus fort et déchirant que le premier. Réussir à filmer des moments aussi intimes et a priori impudiques, tels que la maladie accablant un être, avec tellement de respect et de douceur est une prouesse.

Ronit, de là où elle est, peut remercier son frère, on ne pouvait lui rendre plus bel hommage. Un grand moment d'humanité et de cinéma, et clairement le plus bel objet actuellement sur les écrans.

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Pas surpris une seconde que le jury cannois n'ait rien compris au dernier James Gray. Trop simple et pourtant si profond, trop subtil, racontant des tas de choses mais sans jamais les surligner, trop "à la manière d'un classique" avec cet écrin jamais ostentatoire mais tellement délicat, à l'image de la photographie de Darius Khondji.

Et puis viens pas te plaindre James, t'avais qu'à mettre du vomi si tu voulais être compris...

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Le plus beau film de la semaine, en tout cas celui qui m'a le plus bouleversé, est malheureusement l'un de ceux qui fera le moins d'entrées.

Il nous vient d'Indonésie, et si l'ouverture fait penser à Apichatpong Weerasethakul on comprend très vite que ce sera un autre réalisateur asiatique qui sera convoqué, glorifié en permanence. En effet Wong Kar-Wai est ici partout, dans les cadrages diaboliques, le violoncelle-ritournelle qui rappelle Umebayashi, l'élégance des robes à rendre envieuse Maggie Cheung, le travail sur le son et la post-synchronisation. Jusqu'à oser sans fard un plan qu'on pourrait croire extrait d'"In the Mood for Love".

Mais ce film n'est pas qu'un exercice de style, c'est aussi un portrait de femme(s) saisissant, un mélo vaporeux qui bien que pudique finit par bouleverser. A la manière d'un Naruse...

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Jordan restera-t-il dans l'histoire du cinéma ? Peele ou face ? (cf critique)

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Quand tu Drive si bien My Éric le conte est bon... (cf critique)

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Stéphane Brizé prouve une nouvelle fois à quel point il compte dans le cinéma français actuel. Car c'est un talent d'utiliser les erreurs de ses films précédents, en l'occurrence "La Loi du marché" et "En guerre", pour en tirer un troisième qui atteint une forme de grâce retrouvée comme à l'époque de "Mademoiselle Chambon".

Le cinéaste continue son passionnant travail "sociologique" mais remet surtout le sentiment au centre du jeu, il considère à nouveau que les regards ont souvent plus de poids que les mots, surtout ceux d'un acteur avec qui il ne fait désormais qu'un, qui semble être son porte-voix autant que son double.

Regarder le duo-couple Lindon-Kiberlain évoluer à l'écran devient ainsi aussi émouvant que troublant, on ne sait plus vraiment qui on voit, des interprètes ou de vraies personnes qui (re)joueraient à quelques nuances près la comédie de leur vraie vie.

Et c'est ça aussi le cinéma : brouiller les pistes, instiller le doute. De doute en revanche il n'y a pas quant au talent de metteur en scène de Brizé, ce dernier plan, d'une beauté et d'une simplicité renversantes, vu il y a déjà trois semaines, ne me quitte plus depuis.

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Philippe Faucon c'est de la rigueur, du cinéma sans artifice de cinéma, la simplicité du trait, donc "Les Harkis" c'est : des faits rien que des faits, des scènes brèves qui refusent systématiquement l'explicatif, pas d'effets inutiles de mise en scène, pas de musique qui surligne et indique ce que doit ressentir le spectateur, pas un brin de démonstratif ni de spectaculaire et pas plus de voyeurisme.

Bref je n'irais pas jusqu'à dire que Faucon c'est Bresson, mais il partage avec lui le souci de l'honnêteté intellectuelle et artistique. Et ce film est donc une des plus belles choses actuellement sur les écrans.

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Lasse Cow... (cf critique)

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Là on est typiquement dans ce que sait dénicher l'ACID en matière de documentaires de création.

C’est ce qu’on appelle un film coup de poing, de ceux qui vous secouent fort, vous font mal, vous questionnent longtemps, très longtemps après la fin de la séance. Je râle souvent à propos des documentaires qui devraient tranquillement se contenter d’une diffusion sur le service public, avec leur manque total d’idée de cinéma. “Soy Libre” est tout l’inverse, sans un rond il invente en permanence pour parvenir à avancer. À l’image d’un frère et d’une sœur qui rappellent que parfois l’art est un geste vital, une façon de crier pour ne pas tomber.

A découvrir le 9 mars.

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Ce "Nitram" avait tout pour se faire défoncer, surtout en passant derrière "Elephant" et "Bowling for Columbine", il eut été très facile de verser dans le voyeurisme et la complaisance, et nul doute que certains en verront, mais Justin Kurzel a l'intelligence de questionner plutôt qu'asséner des vérités, il refuse de juger quitte à être accusé de tous les maux.

Tout est inquiétant, sale, le chaos et l'horreur inéluctables planent de la première à la dernière seconde, mais c'est le hors-champ qui provoquera l'effroi. Et la cigarette d'une mère comme symbole de ce qu'on ne comprendra jamais. Ou plutôt qu'on préfèrera ne pas comprendre, ne pas voir, pour continuer à dormir la nuit...

(Caleb Landry Jones est prodigieux, rarement l'absence de vie dans les yeux d'un personnage n'aura autant provoqué le malaise, comme si tout ce qui était advenu et adviendra se trouvait là.)

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Actuellement le hasard me mène très régulièrement vers des films évoquant l'enfance, la jeunesse, et la façon dont le fait ici Richard Linklater m'a particulièrement touché. Ok on peut dire que ça ne peut que fonctionner avec des vieilles choses comme moi quand on convoque la nostalgie, les souvenirs. Mais je trouve épatant que Linklater ait choisi cet angle et s'y soit tenu du début à la fin.

Ce côté madeleine de Proust version XXL aurait pu lasser mais grâce au ton, au tempo choisis, le contrat est merveilleusement rempli, sans parler de ces trouvailles visuelles qui titillent notre mémoire, rappelant tantôt un moment d'histoire, un objet fétiche, un goût ou un parfum.

Et puisqu'on est dans l'animation, autre bon choix selon moi, que c'est doux pour la rétine de ne pas se trouver face à une surenchère technique mais juste à un dessin qui lui aussi va chatouiller notre enfance.

(Ne pas pouvoir avoir accès à un tel film en salle va au-delà de la frustration, mais peut-être raconte-t-il aussi cela, un temps où la sortie en famille avait encore un sens.)

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Des notes pourries comme s'il en pleuvait, des ajouts à mon flop 2022 plutôt qu'à mon top, vous allez finir par penser que je suis affreusement méchant ou en dépression, ou les deux à la fois, alors c'est le moment de vous rassurer en déclarant ma flamme à cette nouvelle formidable surprise belge.

Tout est étonnant dans ce "Rien à foutre", en particulier cette audace de ne pas faire rire alors que chaque situation s'y prête. Le constat est si noir, on le sait tellement lucide, sur notre société que le rire est arrêté, comme interdit. Autre audace, celle d'être un film peu sympathique, inconfortable que ce soit dans les cadres approximatifs, les plans sur le visage de la démente Adèle Exarchopoulos qui illustrent si bien le néant de l'époque, l'inhumanité du capitalisme mondialisé, de longues scènes de dialogues, comme cette discussion à 3 grammes d'un réalisme troublant, qui fait jaillir les aveux de souffrances enfouies.

Le soleil représente le malheur, l'inattendu changement de cap du récit la/nous fera quitter les sunlights du vide pour la vérité d'une image et d'un paysage plus grisâtres. Et soudain Cassandre eut une chance de briser sa malédiction...

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Selon moi le meilleur film sur les gilets jaunes parmi les très nombreux sur le sujet. Antonin Peretjatko imagine une romance, une parade amoureuse par toits interposés pendant que dans la rue "Un pays qui se tient sage" en prend plein la gueule.

Alma Jodorowsky, Damien Bonnard, des anonymes, une fiction perchée et solaire mêlée à du documentaire enragé et engagé.

Quand Antonin arrête de faire le malin il s'avère détonant.

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J'aime Annie Ernaux et les films Super 8 de famille me bouleversent, il aurait donc été surprenant que la rencontre avec ce film ne soit pas à la hauteur de mes espérances. Et en effet je me suis régalé, trouvant en ce montage intime une sorte de complément à l’œuvre littéraire, à ces réflexions sur les classes sociales, sur une forme d'illégitimité mais aussi de trahison que la récente Prix Nobel n'a cessé de creuser.

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Ce second volet, plus grave et moins hors-sol que le précédent, donne tout son sens au diptyque, ils apporte des réponses sans gommer l'énigmatique et permet de saisir la portée politique du récit et d'apprécier la faculté de Fukada à jouer avec la temporalité, avec l'inversion des points de vue, y compris celui du spectateur, à maitriser l'art de la répétition pour épaissir.

Entre deux passages à niveau, il se sera passé quatre heures d'une romance bien moins anodine qu'on ne pourrait le croire.

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Le Belge Thierry Michel, grand spécialiste de la question, signe avec cet "Empire du silence" LE documentaire qu'il faut voir pour comprendre le passé plus que mouvementé du Congo. Tout y est disséqué, documenté, appuyé par des témoignages et des images d'archives parfois effroyables.

Passionnantes de bout en bout, montées de manière très adroite, ces 110 minutes passent à une vitesse folle mais vous marquent durablement.

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L'un des films les plus forts et malheureusement forcément mal distribués du moment. Comme à son habitude Rithy Panh convoque la mémoire et cette fois il passe en revue toutes les horreurs de l'Histoire dans un montage d'une grande dextérité et qui il faut bien le dire donne la nausée tant on y voit défiler toute la folie humaine.

Le texte, narré par Rebecca Marder et André Wilms, est puissant, bien loin des raccourcis pseudo-philosophiques du moment.

Du fond donc, qui fait d'"Irradiés" un documentaire indispensable, allié à une forme ambitieuse.

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Quand Batman comprit qu'il était temps de partir sur l'autre Reeves... (cf critique)

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Autre époque autre cinéma, alors "Les Poings desserrés", Prix Un certain regard au dernier palmarès cannois, est à l'image du cinéma russe contemporain, plein de souffrance, de gangrène, de nihilisme, de rage.

Kira Kovalenko a collaboré avec Kantemir Balagov et ça se sent à chaque plan de ses "Poings desserrés", son héroïne tente d'ailleurs durant 97 minutes de devenir "Une grande fille", de s'extirper de sa "vie à l’étroit".

Mais si ce cinéma a toujours ébloui et continue à exercer sur certains, dont je fais partie, une forme de fascination, c'est certainement pour la force incroyable de la mise en scène, pour la beauté de la photographie qui disent bien plus que les mots.

Quand on constate au générique que ce film n'aurait jamais vu le jour sans Roman Abramovich (et son fonds de soutien au cinéma russe) on se demande de quoi sera fait demain, si la mégalomanie, la soif de (re)conquête, l'omnipotence ne vont pas tuer, entre autres, toute une culture ancestrale.

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Ces "Cahiers noirs" sont un objet hybride, un documentaire certes mais pas que, un pont dressé entre des films et une vie, ou quand celle-ci rencontre en permanence l'art. L'intime, le politique, la famille qui à elle seule démontre toutes les blessures du passé et de l'Histoire, ou quand un frère fait une déclaration d'amour déchirante à sa sœur, une femme qui en en incarnant plusieurs les représente toutes, en tout cas aux yeux d'un réalisateur qui préfère l'intelligence à l'impudeur.

Très hâte de découvrir le second volet ce soir...

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Parfois il faut savoir tuer le père, même quand il s'appelle Rohmer... (cf critique)

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Descendre Mia Hansen-Løve et dire le plus grand bien de Louis Garrel, longtemps considéré comme acteur/ réalisateur bobo par excellence, cela peut paraitre curieux, mais en réalité il y a bien longtemps qu'il navigue du cinéma de son père ou d'Honoré à des productions bien plus grand public comme chez Hazanavicius ou Maïwenn.

Et en tant que réalisateur, si l'on suit bien sa trajectoire, on a toujours senti une attirance pour la comédie, la romance, un cinéma modeste où il pourrait jouer avec son image, comme dans sa récente "Croisade". Mais étonnamment il y avait une sorte de grand écart entre ce qu'il semblait vouloir donner et ce que les spectateurs semblaient recevoir.

État de fait qui pourrait bien changer avec cet "Innocent" qui louche clairement vers les comédies populaires à l'ancienne, effet renforcé par "l'esthétisme 35 mm". C'est généreux, débridé, merveilleusement écrit, et surtout porté par des actrices et acteurs qui semblent se régaler, exploiter des registres qu'ils n'avaient fait qu'effleurer jusqu'ici. Garrel, Roschdy Zem, Noémie Merlant, Anouk Grinberg, tous sont à mourir de rire, mais pas que car cette comédie policière aux abords légers aborde en creux des sujets douloureux et graves.

Mais comme par politesse Louis Garrel ne s'y attarde pas, son film est une bouffée d'air frais et de plaisir, un geste qui je l'espère vraiment sera cette fois compris par le public le 12 octobre.

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En voici un qui continue à refuser toute concession, en effet Kornél Mundruczó n'a jamais été aussi radical, quitte à repousser certains spectateurs.

"Evolution" est une épreuve au sens premier du terme, aussi bien physique que morale, ces trois récits et ces trois plans-séquences virtuoses ne nous laissant jamais respirer, entre oppression, caméra énervée, débit de paroles et mouvement.

L'inconfort au service d'un mess

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Iran une belle copie et confirme sa virtuosité le Saeed... (cf critique)