Une époque révolue...

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En son temps, Quo Vadis ? fut le film le plus long jamais projeté, avant d'être battu par le remarquable Cabiria, et Enrico Guazzoni jette, en partie, les bases du grand film historique, qui va traverser les époques et les modes.

Mettant en scène les persécutions subissent par les chrétiens durant le règne Néron au Ier siècle, Quo Vadis ? mélange violence, histoire et romance. Malheureusement, le film souffre de plusieurs défauts, à commencer par un côté inégal, avec des moments bien plus intéressants que d'autres, mais aussi une mise en scène trop statique, avec une caméra qui ne bouge presque pas et trop de plan fixe, il n'y a pas vraiment de travail particulier sur les cadrages.

Heureusement, tout cela est compensé par une remarquable plongée dans le Rome antique, avec de superbes décors et un certain sens du gigantisme (avec d'ailleurs un figurant mort sur le tournage, dévoré par les Lions) assez prenant, et prémices des premières grosses productions Hollywoodienne. Quelques scènes sont assez marquantes à l'image d'une ville enflammée, de quoi oublier le fait de passer trop vite d'un rebondissement à un autre ou d'un côté théâtral un peu trop prononcé.

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Malgré son aspect novateur et quelques points passionnants, difficile de ne pas ressentir la lourdeur d'un propos qui réécrit négativement l'Histoire, et c'est dommage car c'est une belle fresque, bien rythmé et passionnante dans sa première partie.

Une forme aussi novatrice que le fond est nauséabond.

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Intolérance est une nouvelle démonstration du génie de Griffith, novateur sur bien des points et sachant créer une atmosphère, des personnages forts ou encore de l'émotion, faisant de son cinéma un art intemporel, qu'on ne cessera pas d'admirer.

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Si on peut regretter un certain manque de cohésion et une partie Guerre qui n'est pas à la hauteur, Cœurs du monde n'en demeure pas moins une oeuvre remarquable, bénéficiant de toute la maestria d'un Griffith sachant créer une ambiance forte tout en sublimant les sœurs Lillian et Dorothy Gish.

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Avec Les Deux Orphelines, Griffith mêle son sens de la reconstitution et sa maîtrise du mélodrame pour proposer une oeuvre touchante, magnifique et dont l'émotion ressort des personnages et enjeux.

Et rien que pour ça, on peut lui pardonner sa propagande et sa réappropriation faussée de l'histoire de France.

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Si Henry King ne parvient pas à faire de Romola un grand mélodrame bouleversant, il parvient tout de même à nous emmener dans l'Italie du XVème siècle, démontrant un vrai sens du rythme ainsi que de la maîtrise des codes muets, tout en sublimant de très bons comédiens et notamment une inoubliable, comme toujours, Lillian Gish.

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Avec Les Enfants de la Crise, William Wellman met en scène la Grande Dépression par le regard d'une bande d'adolescents, devant vivre, trouver de quoi manger et avancer dans la vie comme des adultes. Le cinéaste créé une bulle autour d'eux, il représente à la fois la crise, le présent et l'avenir, et on s'y attache fortement.
Si la gravité est bien présente, avec quelques moments forts, le récit est traversé par une vraie légèreté, des petits moments authentiques et insouciants lorsque le monde autour de tourne plus comme il faut.
La mort, l'absence (de tout ou preque) et la misère deviennent un quotidien, et Wellman parvient à en tirer un récit chargé d'émotion, bénéficiant d'une écriture juste et d'une mise en scène sobre et surtout sincère, sachant nous mettre dans la peau de ces jeunes protagonistes pour mieux ressentir les émotions qui les traversent. Ils sont d'ailleurs très bien interprétés, participant pleinement à la réussite du film, comme la photographie en noir et blanc, tandis que de nombreuses séquences deviennent mémorables, qu'elles soient teintées de rires ou de pleurs.

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Si c'est dommage que cette fresque soit un peu trop rapide pour tout ce qu'elle a à raconter, Cléopâtre permet a Cecil B. DeMille de retranscrire l'aspect fascinant de Cléopâtre, immortalisée par Claudette Colbert, pour une oeuvre qui manque ni de charme, d'intérêt, de démesure ou de légèreté.

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C'est une œuvre bien étrange que signe Sergueï Eisenstein avec Alexandre Nevski, un film de propagande peu de temps avant le conflit mondial de 1939, où la nation Russe est poussée à se sublimer pour repousser l'envahisseur allemand, où la force visuelle, le génie formel et la dimension lyrique prennent le pas sur le fond.

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Comédie sociale où Ginger Rogers brille de mille feux, Fifth Avenue Girl s'avère être aussi charmant que pétillant, grâce à un metteur en scène ne manquant pas de bien exploiter les situations offertes par ce choc des cultures.

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En signant La Vie privée d'Élisabeth d'Angleterre, Michael Curtiz va mettre en scène une relation aussi amoureuse que tumultueuse, au cœur d'un royaume en crise et dans un monde politique cruel, s'appuyant sur deux très bons comédiens et un cadre particulièrement intéressant.

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Demeurant toujours le film le plus vu au cinéma dans l'Histoire, Autant en emporte le vent traverse le temps et garde toujours un pouvoir de fascinant, notamment par le biais du contexte de l'oeuvre, mais surtout de deux personnages et comédiens inoubliables et vecteur de nombreuses émotions.

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En signant L'aigle des Mers, Michael Curtiz se montre à la hauteur de ce remarquable projet, parabole entre deux époques et aventure maritime ne manquant pas de souffle, d'intensité ou encore de grandeur, tout en étant emmené par de formidables comédiens, Errol Flynn en tête.

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Cecil B. DeMille signe avec Les Tuniques écarlates une oeuvre assez étrange, tant elle comporte plusieurs failles tout en restant plutôt captivante à suivre. Il propose une honnête mise en scène, misant sur l'aventure, le romantisme ou encore le coloré (il ne faut pas être allergique au rouge !!). Excepté un charismatique Gary Cooper, les comédiens ne sont pas vraiment transcendants, tandis que l'écriture comporte quelques maladresses, notamment dans le traitement des métisses qui n'ont pas l'air bien doués, sans que ce soit totalement préjudiciable

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Vu les performances fournies par les comédiens, Errol Flynn en tête, devant la caméra ainsi que de Michael Curtiz derrière, La Piste de Santa Fé aurait mérité un tout autre traitement politique, même s l'œuvre demeure agréable à suivre, grâce au savoir-faire des artistes qui y sont associés.

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Ray Milland, John Wayne et Paulette Goddard se donnent la réplique pour une oeuvre évoquant la piraterie signée Cecil B. DeMille, qui nous emmène en mer et durant une époque révolue. On retrouve dans Reap the Wild Wind tout le charme des productions d'Hollywood d'antan, que ce soit dans les décors, les dialogues ou les personnages, on est immergé au cœur d'une jolie aventure maritime, qui manque un peu d'émotion mais sans grande conséquence, elle reste passionnante, même durant toute la première partie où le dialogue pied à terre prévaut, le tout sublimé par un procès et surtout un final mémorable ainsi qu'un parfum aventureux et romantique.

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S'il est évident que cette adaptation est loin de retranscrire toutes les émotions et l'aventure du livre de Dumas, elle n'en reste pas moins plaisante malgré un léger manque d'originalité et une adaptation n'incluant pas d'importants éléments.

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Cette deuxième époque conclue logiquement une adaptation plaisante et efficace mais qui manque d'inventivité et ne retranscrit pas toutes les émotions que le livre est capable d'offrir.

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En signant Jane Eyre, Robert Stevenson propose une adaptation classique du roman de Charlotte Brontë, sublimant une photographie soignée et un noir et blanc bien exploité, notamment avec les jeux de lumière. Le duo Orson Welles / Joan Fontaine fonctionne, il est imposant, elle est magnifique et sont envoûtants, ils portent le film, même quand celui-ci se perd dans une atmosphère qui ne fonctionne pas toujours, un côté théâtral prenant un peu trop le pas et un intérêt qui baisse au cœur du film. On notera tout de même une remarquable partition signée Bernard Herrmann, ainsi que des décors studio somptueux.

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En signant Le Chant du Missouri, Vincente Minnelli propose une jolie, élégante, légèrement niaise comédie musicale, et l'on prend plaisir à plonger dans un Saint Louis d'époque pour des affaires de cœurs, déménagement et famille. Les couleurs et images sont superbes, les comédiens parfaits et ne manquent pas de charme, tandis que l'aspect musical, sans être transcendant, est plutôt réussi et agréable à l'écoute.

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Première oeuvre de l'immense Elia Kazan, Le Lys de Brooklyn démontre déjà tout le talent et savoir-faire du cinéaste, sachant capter la vie, la misère, le bonheur éphémère ou encore l'enfance avec un immense brio, ainsi qu'une grande intelligence, tant dans l'écriture que la mise en scène, et surtout de l'émotion, socle de la filmographie du futur metteur en scène de Splendor in the Grass.

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Les Enfants du Paradis permet à Marcel Carné et Jacques Prévert de signer une œuvre intemporelle sur le Cinéma et le monde du spectacle, teintée de poésie, de mélancolie et d'amour, nous emmenant dans des lieux inoubliables pour côtoyer des personnages sur lesquels le temps n'a aucun effet sur eux.

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Avec La Renarde, Michael Powell et Emeric Pressburger proposent un beau film visuellement parlant, mais les remarquables images et le travail sur la photographie ainsi que les couleurs ne servent finalement pas grand chose, juste une petite histoire gentille, un peu molle, guère intéressante, à l'image de la protagoniste, et sans les émotions promises par ce concept de triangle amoureux dans la romantique campagne anglaise du XIXème siècle.

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En adaptant Quo Vadis, Mervyn LeRoy propose 170 minutes de grands spectacles, compensant une émotion quasi-inexistante par un vrai sens du gigantisme. L'histoire est passionnante et bien retranscrite, le film sachant s'attarder sur les personnages et les enjeux, même mineurs, pour mieux les rendre intéressants. La reconstitution est remarquable, offrant ainsi quelques séquences remarquables (la ville en feu !) et les thématiques plutôt intéressantes, notamment sur la montée en puissance du christianisme, les coulisses du pouvoir et finalement la lente chute d'une dynastie. Dommage donc que quelques points soient moins bien travaillés, à l'image de l'aspect romantique qui ne fonctionne guère, mais LeRoy peut aussi compter sur un magistral Peter Ustinov dans le rôle de Néron, capable de porter le film sur ses épaules si besoin.

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Richard Thorpe met en scène l'histoire d'Ivanhoé avec autant de passion que de classicisme, il montre une maîtrise de la caméra pour proposer un récit passionnant, notamment grâce aux personnages, malgré une émotion guère présente, et on pourra aussi apprécier une jeune Elizabeth Taylor, encore juvénile et magnifique.

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Si Renoir se montre passionnant lorsqu'il évoque les coulisses du théâtre et cet univers, avec un contexte plus qu'intéressant, il l'est moins lorsqu'il met en scène les personnages et les liens entre eux. Sans être préjudiciable, c'est tout de même assez regrettable, surtout que formellement, Le Carrosse d'Or est magnifique.

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Premier film tourné en CinemaScope, La Tunique bénéficie d'abord d'un sujet passionnant, tournant autour la religion chrétienne au sein de l'empire Romain pendant les dernières heures de Jésus, et surtout après la crucifixion de celui-ci.

L'oeuvre est surtout axée sur le tribun Marcellus Gallio, et sa découverte de la religion, alors en totale contradiction (et hors la loi) avec l'empire romain. C'est lui qui porte le film, il est bien écrit et attachant, avec une excellente interprétation de Richard Burton (les comédiens sont, dans l'ensemble, très bons).
Malgré tout, le film a des faiblesses, à commencer par un ton parfois pompeux ainsi qu'une absence de sensation particulière, Koster n'arrivant pas forcément à sublimer cette passionnante histoire. Il reste tout de même de belles séquences, ainsi qu'une reconstitution et bande originale à la hauteur de ce sujet.

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Reprenant là où s'arrêtait La Tunique, Les Gladiateurs se révèle être moins contemplatif et plus dans l'action, suivant de près un remarquable Victor Mature devant faire face à la folie de Caligula. L'aspect religieux est un peu mis en retrait, l'action est plus présente et surtout, Daves a la bonne idée de ne jamais lâcher Mature. Tout n'est pas parfait, notamment dans l'atmosphère ainsi que des émotions peu présentes, mais Daves se montre efficace à la réalisation, retranscrivant assez bien l'aspect fascinant de cette époque mais aussi la cruauté de cet empereur se prenant pour Dieu et la quête divine de Demetrius.

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Avec Ulysse, Mario Camerini met en scène avec brio les écrits d'Homère, sachant en retranscrire la fascination, l'Histoire ou encore le fantastique, avec une atmosphère prenante, parfois sombre ou mystique, et emmené par de très bons comédiens, en particulier un Kirk Douglas habité.

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Marlon Brando et Jean Simmons donnent vie à Napoléon et Désirée Clary, future reine de Suède, devant la caméra d'un Henry Koster plutôt inspiré, notamment pour créer une ambiance romantique, puis fascinante liée à l'époque décrite. Imparfait, manquant notamment d'émotion, Desirée tient sur les épaules des deux comédiens principaux, notamment un Brando, parfait et surprenant dans le rôle du célèbre empereur français.