Les mangas qui me touchent et me divertissent

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Si vous cherchez un manga qui parle de l'enfance avec justesse, poésie et humanité, ne cherchez plus vous l'avez trouvé.
Matsumoto nous livre avec Sunny ce qui est certainement son oeuvre la plus personnelle et pour ma part la plus belle dans ce que j'ai lu de lui.
Sunny raconte le quotidien des enfants des étoiles (du nom de leur foyer). Ces enfants vivent ensemble dans un foyer tous plus ou moins abandonnés par leurs parents. Le lecteur suis donc un quotidien souvent triste mais aussi très beau.
Sunny brille par sa justesse de ton tant dans les moments tristes comme dans les moments de vie du quotidien.
Comme dans chacun de ses mangas, Taiyou Matsumoto adapte magnifiquement son trait en fonction de son oeuvre. Le dessin est d'une grande beauté.. Matsumoto maîtrise parfaitement son trait et sa mise en page. Le dessin transmet comme rarement les émotions des personnages ou bien simplement l'ambiance qui règne dans le récit. Sunny est donc un vrai régal pour les yeux.
De plus la mise en scène est d'une grande pudeur et rends l'oeuvre intense de par la gestion des petites émotions du quotidien mais rends aussi le récit particulièrement intense.
Ce manga est pour moi une oeuvre belle et juste. Une oeuvre essentielle.

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L'histoire d'une vie. Bonne nuit Punpun est actuellement le manga qui m'a le plus touché, bousculé, ému, remué....
C'est une oeuvre audacieuse tant au niveau du dessin que de la narration. Un manga qui ne laisse pas indifférent.
Une lecture forte, je me suis retrouvé dans chacun des personnages de la série et dans beaucoup de questionnements de Punpun.
Dans Bonne nuit Punpun, un personnage voulant être mangaka dit "Ce que j'ai envie de dessiner, ce n'est pas le genre de truc facile qui bouleverse, qui fait pleurer quand on le lit. Moi, je veux que la vie elle-même de celui qui le lit en soit bouleversée. Pas un manga qui fasse oublier la réalité, mais un manga qui combatte cette réalité" je crois que tout est dit...

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Dragon Head est une expérience de lecture incontournable et à mon avis assez unique. Mochizuki a un don pour plonger ses lecteurs dans des ambiances très travaillées.
Dragon Head raconte comment deux adolescents vont essayer de survivre et de rentrer chez eux dans un Japon en proie a une série de catastrophe jamais vu. On suis durant 10 tomes ces deux jeunes personnes qui se découvre tout en découvrant la vrai nature de l'Homme et de ce monde.
Ce manga nous plonge au plus profonds des peurs des Hommes. Il montre à merveille la vie lorsque l'humanité a perdu ses repères et se laisse aller au désespoir.
Sans gâcher le manga, je dirai juste que cette série est une ode à l'énergie qui nous pousse à aller de l'avant et à vivre, une ode à l'humanité au travers d'une lutte contre nos peurs les plus profondes et intimes. .
Un des meilleurs mangas que j'ai pu lire, un des plus marquant en tout cas.

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J'ai longtemps souhaité lire cette série sans en avoir la possibilité. Heureusement Soleil édition a relancé la série en effectuant une réimpression des tomes qui n'étaient plus disponible. (merci à Soleil au passage).
La lecture du premier tome ma quelque peu décontenancé.. Je m'attendais à lire quelque chose de très original (et ça l'est) mais pas sous cette forme. Après une relecture du tome 1 j'ai enchaîné sur le tome deux et là j'ai pu mieux apprécier tout ce qui fait le sel et la folie de ce manga.
Dorohedoro c'est loufoque, absurde, dément tout en étant hyper maîtrisé et follement passionnant. C'est assez incroyable de voir avec quel facilité l'auteur nous plonge dans son univers. L'univers de la série est extrêmement cohérent et on y crois tout comme aux personnages riches et complet de part leur histoire et leur personnalité.
Parlons en des personnages, bien sur Caïman et Nikaïdo sont des "héros" mais dans Dorohedoro il n'y a pas de personnages "bon" ni de personnages "mauvais". En, Risu, Ibisu sont des personnages à part entière qui ne sont pas vu comme ennemis ou amis. Cela fait vraiment du bien de lire une oeuvre sans aucun manichéisme.
Tout ces personnages sont liés une l'intrigue complexe. Ils sont amenés à se croiser et se recroiser et tout cela... dans le plus grands des chaos!
Le dessin porte à merveille le récit. En effet il est beau, sale et inventif à l'image de la série. Visuellement la série est également très originale et n'hésite pas à se montrer crade comme un Gunnm ou un Blame par exemple.
Je ne peux que conseiller la lecture de cette série complexe et drôle qui propose des moments de lecture passionnant et assez unique.
Bien sur la suite et fin de Dorohedoro est encore dans le plus grands Chaos... et c'est ça Dorohedoro!

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Tokyo Kaido raconte l'histoire d'enfants et de jeunes adultes présentant des troubles liés à leurs cerveaux.
Hashi ne peux pas s’empêcher d'exprimer ce qui lui passe par la tête. Hana peut avoir un orgasme n'importe où, n'importe quand. Hideo est insensible à la douleur, vois des ovnis et se prends pour un super héros. Mari vie isolé en ne voyant pas les autres humains.
Ces jeunes vivent dans une clinique spécialisé où l'on va découvrir peu à peu leurs douleurs et leurs peines liés à leur soi-disant différence.
C'est avec Tokyo Kaido qu'il développe son trait à la ligne claire si reconnaissable depuis avec Chiisakobe.
Hashi comme les autres personnages doivent faire face à leur particularité et au regard blessant d'une société qui ne les accepte pas.
Chacun va vivre son quotidien à sa manière, avec ses peines et ses peurs.
Le docteur qui aide ces jeunes gens va réserver une surprise aux lecteurs en ne voulant plus se mentir à lui-même.
La question de la normalité va constamment être questionné par l'auteur.
Par exemple, les membres du personnels ont pour la plupart une petite particularité qu'ils cachent aux autres.
Les patients ne sont pas les seuls anormaux, chaque humain l'est. Si la norme n'existe pas, les Hommes n'ont pas non plus une vision unique du monde.
La différence est vécu avec beaucoup de difficultés pour les enfants, si les mangas de Hashi parlent autant aux autres enfants c'est qu'il traite de ce sujet.
Si Hashi se montre aussi souvent critique envers les autres c'est parcqu’en ne pouvant pas mentir, il ne sais pas comment se faire aimer. L'acceptation par l'autre, le besoin d'être reconnu et aimé sont des besoins universels.
L'oeuvre alterne entre un propos difficile au ton réaliste et une ambiance souvent surréaliste et déjanté cher à l'auteur.
Le récit, parfaitement équilibré dans ces différents aspects, se montre passionnants de bout en bout.
Une des lectures les plus drôles, émouvantes et intelligents de ces dernières années. Raconté avec génie par Mochizuki, cette histoire montre avec une grande intelligence que la différence est normal et qu'il est important de l'accepter.
Tokyo Kaido comporte nombre de scènes d'anthologie et une fin bouleversante.
Un récit proche de la perfection, qui marque sur la durée.
Une oeuvre forte, belle et indispensable.

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Chef d'oeuvre absolu à mon humble avis!
Le dessin peux ne pas aider à plonger dans l'oeuvre pourtant il dégage quelque chose d'unique et confère une vrai force au récit. (perso j'aime beaucoup quand le dessin est chargé come ça)
Un ode à la paix, à la vie et à la nature!

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Monster, que dire... Monster mêle avec brio réflexion sur la nature humaine, sur les notions de bien et de mal, thriller, tableau d'une Europe en reconstruction post 2nd guerre mondiale et bien d'autres thèmes.
Kenzô Tenma est certainement mon personnage de manga favoris. La manière dont il se positionne dans l'histoire, sa vision des choses, se qu'il vie, ses choix, tout est passionnant. Si on ajoute à cela tout ce qui fait de Naoki Urasawa un grands mangaka (mise en page, narration, dessin, ambiance) et on a là un des plus grands manga qui soit.

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Soil s'est une série haletante de bout en bout du moment que l'on se laisse happer par l'ambiance du titre. Et quel ambiance!! Cette série est absolument magistrale. L'ambiance, le scénario, la folie ambiante.. tout se met en place et s'intensifie tome après tome avec une excellente gestion du mystère.
Le dessin est sublime et sert l'ambiance unique du titre. Les personnages (en particulier) sont très bien construit et sont très important dans le plaisir de lecture. En effet ils participent au coté étrange et décalé, rythment l'enquête et apportent une dose d'humour.
Soil est un manga unique doté d'une excellente ambiance et d'une histoire vraiment passionnante et très originale. Une petite perle de la BD.

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Blame! est assurément un manga unique et indispensable.
L'oeuvre phare de Tsutomu Nihei porte une ambiance inégalable que l'on retrouve nul part ailleurs.
L'humanité n'est plus que virtuelle ou malade. En effet un virus décime le monde, il n'y a plus de biodiversité nul part.. On ne trouve plus que de rares humains survivant tant bien que mal.. L'élite de l'humanité s'étant recroquevillé dans un espace virtuel hyper protégé.
Killy est un humain venant de cet espace mais qui est dans la réalité grâce à un corps de silicone. Il est le dernier espoir d'une humanité libre (il est tout de même chargé de cette mission par un gouvernement virtuel qui semble totalitaire..)
Il doit trouver les derniers gênes humain non porteur du virus qui a décimé la biodiversité. L'histoire se déroule dans les méandres de ce monde labyrinthique ultraviolent. On comprends vite que ce monde est la terre recouvert des dizaines et dizaines de kilomètres de structures architecturales. Le monde est donc un vaste souterrain remplie de technologie de maladie et de mort.
Blame raconte donc l'histoire de Killy avancant dans un immense labyrinthe remplie de sauvegarde et de sillicates attaquant tout ce qui semble dangereux pour la réseausphère ou au contraire pour les sillicates, tout ce qui semble y appartenir.
Nihei nous balade donc dans de vaste étendues sombres où la mort rode..
La narration est unique, les dialogues sont très rares, l'action magnifique et très présente et les moments de contemplations remplies d'indices sur l'avancé de l'histoire font tout le sel de ce manga..
En effet l'histoire de Blame est excellente bien qu'une lecture rapide et peu attentive de l'oeuvre pourrai faire penser au contraire à une absence de scénario.
Le tout est porté par le dessin le plus poétique, unique et sombre jamais vu dans un manga (ou presque)...
Je rajouterai juste que la fin du récit est ce qu'il y a de plus beau dans ce manga. Elle est la fin d'un cycle, annonciatrice de mort mais à la fois porteuse d'un dernier et magnifique espoir, celui de la vie...

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Certaines oeuvres semblent faites pour nous. Pour moi, c'est le cas de Demande à Modigliani tant tout dans ce manga me touche.
L'histoire semble simple aux premiers abords mais témoigne d'une richesse rare dans les réflexions et thématiques sur la vie, l'art, l'amitié et l'intime.
Ce manga est avant tout une histoire de trois amis qui partagent une passion commune et vont grandir au fil des mois dans une école d'art pas comme les autres.
Le dessin, tout en poésie et en métaphore (l'autrice travaille sans assistant) ne plaira pas à tout le monde mais j'aime tellement cet aspect fait main. Le dessin a un côté arty qui corresponds très bien à l'oeuvre.
En bref Demande à Modigliani fait dors et déjà parti de mes oeuvres préférés en BD, ces oeuvres qui m'accompagnent, me font rêver, grandir et voyager et que j'aime lire et relire!

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Vertical est centré sur le personnage de Sanpo Shimazaki. Ce grand gaillard a gravi des montagnes dans le monde entier et vit désormais dans les Alpes Japonaises où il officie comme secouriste volontaire. Sanpo est un amoureux de la montagne. Il vit à bonne altitude dans une tente et ses principaux plaisirs sont de gravir des montagnes, partager sa passion et boire une tasse de café bien chaude.

La majorité de l’œuvre propose un enchaînement d'histoires courtes qui s'étendent seulement sur quelques chapitres. Si cette narration peut sembler monotone, j'ai trouvé que le niveau global des histoires est excellent et peu répétitif. Ishizuka a la bonne idée d’intégrer petit à petit tout un panel de personnages qui vont devenir récurrents au fil du récit. Que les personnages soient de vieux amis alpinistes de Sanpo, des secouristes débutants ou chevronnés, un jeune orphelin qui prend Sanpo en exemple, des personnes qui ont été sauvées par Sanpo etc.. Tous ces personnages sonnent vrai et le lecteur s'attache beaucoup à eux au fur et à mesure qu'on les côtoies aux cotés de Sanpo.
Ici pas d'héroïsme exacerbé, juste des Hommes qui s'entraident et gravissent des montagnes pour bien des raisons qui leur sont personnelles.
Vertical n'aborde pas l’alpinisme comme un sport, il traite d'Hommes qui tracent une voie dans leur vie, s’élèvent, se relèvent et gravissent des montagnes pour contempler la beauté du monde.
Ishizuka prends le temps de créer des personnages réalistes et complexes pour lesquels on a un attachement fort. Il est rare de livre une œuvre qui véhicule autant de valeurs positives, de chaleur humaine et d'empathie.
Pourtant, Vertical peut être une lecture dure où la mort surgit parfois soudainement. Une des grandes force de Ishizuka est de maîtriser aussi bien l'irruption du drame que l'apparition de passages amenant de la légèreté. Avec ce manga, il faut être prêt à se prendre des claques émotionnelles et il n'est pas rare de fermer un tome le cœur serré, par le drame qui vient de se passer sous nos yeux ou tout simplement ému par la beauté des sentiments humains.

Vertical est une lecture qui véhicule beaucoup d'émotions et certains tomes atteignent des sommets rarement atteints dans mon expérience de lecteur notamment dans la dernière partie du manga.

J'ai eu beaucoup de mal à quitter ces personnages mais une chose est sure, je replongerai encore et encore dans la lecture de Vertical.

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La plaine du Kantô débute le 15 août 1945, jour où le Japon capitule face aux États-Unis.
Ce manga est un roman graphique ou Gekiga semi autobiographique. En effet son auteur Kamimura a vécu dans la plaine de Kantô dans la même période et nombre d'éléments de l'histoire rappellent la vie de l'auteur. Toutefois ce manga n'est pas une réelle autobiographie et l'histoire, romancé traite non seulement de l'histoire avec un grand H mais de thématiques récurrentes chez l'auteur.
Kinta est un jeune garçon vivant seul avec grand-père. Nous allons suivre ce jeune héros grandir et découvrir peu à peu le deuil, la solitude, l'amitié, la sexualité, l'art, l'amour.. la vie durant près de 1200 pages intenses et belles.
Son grand-père est un écrivain cultivé et pacifiste ayant des connaissances dans le monde de l'art. Cette figure familiale ainsi que la jeune fille Ginko dans un corps de petit garçon vont être un entourage précieux pour Kinta tout en le faisant évoluer dans un milieu hors norme pour l'époque.
Le récit va voir grandir Kinta de son enfance jusqu'au passage à l'âge adulte.
Lors de cette histoire d'apprentissage de la vie Kamimura va aborder de nombreux thèmes. La difficile reconstruction du Japon après la guerre marqué par l'occupation américaine. Les mœurs de l'époque, la vie en ville comme à la campagne. La plaine de Kantô est une fresque du Japon d'après guerre. On nous montre ici comment le peuple japonnais a eu besoin de retrouver des repères après la guerre et cela est passé entre autre par la libération des mœurs via la sexualité.
Kamimura parle d'homo sexualité, de trans-genre, de la sexualité féminine et de bien d'autres thèmes bien trop rarement abordé en manga.
De nombreux thèmes plus intimiste sont également abordés. Comment grandir seul sans ses parents. La peur de se retrouver seul. La difficulté a trouver sa voie et à oser se lancer. La plaine de Kantô est une œuvre qui mêle avec brio développement intime et histoire du Japon.

Kinta est un protagoniste marquant car on le vois grandir et développer peu à peu un sens de l'observation et un regard personnel précieux. Au fil des épreuves de la vie il va découvrir un métier, celui de designer et un art, celui de la peinture et du dessin. Le développement de la sensibilité de Kinta résonne avec le caractère autobiographique de l’œuvre. L'auteur livre par ce moyen une facette importante et intime de sa vie et de son art.
Kamimura parle de son goûts a peindre les paysages qu'il garde en mém

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L'histoire des 3 Adolfs est une œuvre tardive dans la carrière de Tezuka. Cette bande dessinée ambitieuse, dense et dure est connu comme étant un des grands chef-d’œuvre de l'auteur.
Cette histoire s'encre dans les récits matures et sombre de l'auteur en parlant globalement de la seconde guerre mondiale et des multiples luttes de pouvoir qui ont gravités autour.

3 Adolf au parcours de vie bien différents sont mis en scène dans cette histoire. Adolf Kaufmann fils d'une japonaise et d'un allemand, haut membre du partie Nazi vivant au Japon. Adolf Kamil vivant lui aussi au Japon, de confession juive mais aussi Adolf Hitler.
Malgré la différence de ces trois hommes, leur destin est intimement lié.
Cette histoire est narré par Sohei Toge que l'on va suivre d'un bout à l'autre.
L'histoire débute durant les jeux olympiques de Berlin. Sohei Toge couvre l’événement pour le Japon. Son frère lui remet des documents secrets sur Hitler avant de se faire tuer par la Gestapo. Cette événement va entraîner une myriades de péripétie durant et après la guerre aux 4 coins du monde.
Osamu Tezuka mêle éléments fictifs (documents secrets) et événements historiques pour écrire une grande fresques fourmillants de personnages et de moments forts qui vont mêler histoire personnelle et histoire de l'humanité.
L'Histoire des 3 Adolf est une merveille de narration. Arriver à rendre un récit d'une telle densité passionnant et facile à suivre tout en gardant du mystère et un suspens permanent relève de l'exploit. Le dessin n'est pas en reste, précis, fourmillant de détail et très beau. C'est peut être le Tezuka au dessin le plus adulte.
Avec ce récit Tezuka critique l'obscurantisme qui a régner pendant une bonne partie du XXième siècle. S'il critique évidement le régime hitlérien, le Japon et d'autres pays ne sont pas en reste.
La multitude des thèmes traités est vertigineuse, émergence du féminisme, lutte idéologique (communisme, racisme), guerre, manipulation de masse etc..
Tezuka en grand humaniste ne juge pas ses personnages et les mets face à la complexité géopolitique et culturelle de l'humanité. Si les hommes font des erreurs c'est avant tout dans leur lutte constante pour trouver leur place et leur liberté, même si cette lutte est néfaste pour le bien commun..
En se basant sur l'histoire de 3 Adolf, Tezuka parle de l'humanité tout entière et de la complexité de vivre ensemble en gardant notre individualité.
Une lecture progressiste, inoubliable et indispensable.

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Tayou Matsumoto a dessiné Ping Pong suite à l'accueil mitigé de Amer Beton (l'avis général sur Amer Beton est aujourd'hui tout autre). S'il est étonnant de le voir retourner vers un manga de sport et en particulier vers un manga aussi accessible et grand public, on retrouve rapidement tout le génie de l'auteur ainsi que sa poésie.
Nous suivons deux amis d'enfance. L'un semblant vivre pour le ping pong quand l'autre ne souris pas. Peko joue, rit, brille comme le soleil quand Smile ne montre rien de ce qu'il ressent. Il est d’ailleurs représenté avec le symbole de la lune. Malgré leur différences, les deux lycéens sont très attachés l'un à l'autre depuis l'enfance, Peko protégeant Smile des moqueries des autres enfants.
L'intrigue et le déroulement de Ping Pong font penser à un manga pour adolescent, pourtant, Matsumoto fait s'envoler son récit vers des cieux d'une grande beauté.
Le Ping Pong est montré d'une superbe manière. Le trait de Matsumoto oscille entre réalisme pour les décors, mouvements et expressions et poésie dans des envolés lyriques superbes. Mais le dessin s'illustre aussi lors des matchs de Ping Pong, intense, beaux, les perspectives y sont déformés, la réalité transformé. Si ce manga de sport est unique, ce n'est pas uniquement dans la représentation des matchs mais dans la profondeur de son scénario.
Smile est présenté comme un génie froid et calculateur n'arrivant à vivre et à s'ouvrir qu'en la présence de Peko. Peko est fort, il fait rêver depuis l'enfance Smile et Démon qui le voient comme un héros. Malgré son coté oisif, Peko a peur, peur de ne pas arriver à vivre par le Ping Pong et peur de décevoir ses amis. Nous allons lentement suivre son envolé et la libération de son amour pour la vie.
Matsumoto parle comme personne de l'enfance et des rêves qu'elle accompagne. On retrouve la solitude des génies comme dans Zéro où la peur d'assouvir son rêve comme dans Le rêve de mon père.
Ping Pong est une œuvre d'art, entière et incroyable. Malgré son aspect grand public, son auteur y pousse l'art du manga dans ses retranchements pour livrer une œuvre sans commune mesure en BD.
Une lecture d'un lyrisme absolue, un hommage touchant au sport qui pousse les rêves et la vie.
Ping Pong est un des grands chefs d’œuvre de la bande dessinée.

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J'adore cette sensation lorsque l'on découvre une oeuvre qui va compter pour nous.
Ikkyu est de ces oeuvres qui compte dans sa manière de déployer un récit profonds, en réflexion avec le monde et qui propose un regard critique sur une époque
Le dessin de Sakaguchi est merveilleux dans sa manière de décrire avec précision l'état d'esprit du personnage principal (avec l'aide de métaphores visuelles très réussies). Sakaguchi a un sens du cadre fantastique qui offre des moments graphiquement très forts

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Les aventures extravagantes de Shiori et Shimiko sont un sommet de génie étrange et surréaliste. Une lecture vivifiante, drôle et unique et à mon sens un indispensable. Un manga à lire et à relire.

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J'en ai rêvé pendant des années et ça y est, Le voyage de Shuna est traduit en français!
Sa lecture donne l'impression de découvrir une facette manquante et importante de l'oeuvre de Hayao Miyazaki.
J'ai eu le sentiment de lire ce que l'on peux faire de mieux en fable sous forme de BD.
L'auteur s'inspire d'un conte folklorique tibétain et y ajoute sa patte en modifiant certains aspects du récit (voir l'excellente et importante postface de Alex Dubok de Wit)
 
On retrouve tout ce qui fait de Miyazaki un grand créateur d'histoire. Le sens du rythme, la manière de caractériser les personnages et l'univers présenté, la colorisation, l'impression de mouvement et de vie qui se dégage du dessin, la composition de plans à tomber par terre, le caractère universel de l'histoire et son propos sur l'Homme et sa relation au monde.
Le voyage de Shuna est un condensé réussi de tout le talent de Miyazaki et propose une lecture bien plus accessible que la version manga de Nausicaa (lisez Nausicaa, c'est génial!)
J'en attendais beaucoup et j'ai malgré tout été positivement surpris tant je ne pensais pas lire une oeuvre aussi belle et touchante en si peu de pages.
La narration propose, peu de cases, pas de bulles et des textes littéraires agrémentant de sublimes illustrations renforcent le sentiment de lire une fable.
J'ai adoré cette proposition narrative et regrette de ne pas pouvoir lire d'autres oeuvres de Miyazaki sous cette forme tant l'essai est réussi.
J'ai aussi bien envie de découvrir son 1ier manga "Le peuple du désert" qui doit être bien différent vu son ancienneté (1969-1970).
Le voyage de Shuna est tout sauf une petite oeuvre de Miyazaki. Proposition parallèle mais très différente de Nausicaa, cette fable est un condensé de tout ce que j'aime chez l'artiste et semble être d'ors et déjà une de mes BD de cœur!
https://laforetdeslectures.wordpress.com/2023/11/13/le-voyage-de-shuna-quand-miyazaki-transforme-limpossibilite-de-faire-un-film-en-une-sublime-fable/

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Plus beau, plus intense, puissant, émouvant.. Si la première saison atteignait déjà des sommets de BD, Blue Giant Supreme va encore plus loin!
Une lecture d'une intensité émotionnelle peu commune et qui dégage une passion communicative pour la musique. Un incontournable!

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Vinland Saga est une de ces œuvres qui associe oeuvre grand public a succès commercial et oeuvre d'un auteur doté d'un propos profonds et intelligent. Ce manga fais partie des œuvres adultes qui parle facilement et profondément au lecteur.
Makoto Yukimura dessine la vie de Thorfinn, un enfant qui a vécu lors de ces premières années dans un village paisible du Groenland avant d'écumer les champs de batailles du nord de l'Europe rongé par la vengeance. Nous suivons donc la vie tourmenté d'un jeune homme plongé dans un monde de violence. Vinland Saga est aussi la peinture précise d'une époque et d'un peuple (le peuple vikings au IIième siècle). L'auteur s'est beaucoup documenté pour son oeuvre et délivre non seulement des événements correspondants aux dates historiques mais aussi des coutumes et des problématiques d'époques très intéressantes.
Après un préquel épique et dense de 8 incroyables tomes la série évolue pour s'engager dans une quête d'une terre en paix où l'Homme à la force de vivre en harmonie sans chercher la puissance et sans passer par la violence.
L'auteur n'hésite pas à faire une description engagé de l'époque. Il parle ainsi des classes sociales, d'esclavage, de religion, de politique, de chaine sans fin de violence et aussi de la condition féminine. Loin des lectures stéréotypés sur les vikings, Vinland Saga prends du recul sur la culture populaire et n'hésite pas a créer une histoire doté de réflexions passionnantes et profondes.
D'un point de vue technique Makoto Yukimura délivre un travail impressionnant. Tout en gardant un trait grand public, l'auteur a un trait précis et dense que ce sois dans l'expression des personnages, les magnifiques décors d'époques où la retranscriptions de batailles. Les combats sont à la fois lisibles, précis et impressionnant visuellement.
Un des points forts de l'auteur et son sens de la narration. Il gère le rythme de son histoire à merveille, tout est fluide en gardant une densité et une précision forte dans la narration. De plus Yukimura possède un vrai sens de mise en scène, le cadrage des plans est intelligent, beau et précis. Visuellement c'est du travail d'orfèvre (malgré une utilisation d'outils informatiques souvent inutile)
Vinland Saga est une oeuvre doté d'un vrai propos et cherchant à plonger le lecteur dans des réflexions intelligentes. Pourquoi la violence, qu'est ce que l'amour (le véritable), où est la vrai force.. Un manga profonds, dense et passionnant. Indispensable.

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Pluto est peut être le manga le plus maîtrisé de Naoki Urasawa s'est pour dire sa qualité. La lecture des 8 tomes de Pluto est une des lectures les plus passionnantes qui soit dans le média du manga. Cette oeuvre égale à mon goût Monster. Et je ne dirai jamais assez que la narration de cette auteur, la manière dont il aborde et traite ses histoires fait toute la différence avec la grande majorité des autres mangakas. Un must!

(Ps : s'est graçe à Pluto que je me suis penché vers l'oeuvre D'Osamu Tezuka... un grand merci à Urasawa pour cette découverte).

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L'histoire débute avec la prédiction qu'un enfant au destin exceptionnel va naître. Alors que des brahmanes sont à sa recherche, nous assistons à la naissance de Siddârtha, prince d'un petit royaume au pied de l’Himalaya. En parallèle, le lecteur fait la connaissance de Tatta, un enfant doté d'un pouvoir mystérieux mais invisible car il fait partie de la caste des parias. Tezuka entre directement dans le vif du sujet en basant son histoire sur le systèmes des castes (présent dans toute l'Inde). Les problèmes et inégalités liées aux castes vont être à la base des premières péripéties et vont entraîner des réflexions à la fois chez le lecteur et chez Siddârtha, le futur Bouddha. Nous allons suivre de nombreux personnages en parallèle de Siddârtha.
L'auteur n'hésite pas à prendre son temps et à installer tout au long des 3000 pages que comporte la série de nombreuses sous intrigues et personnages secondaires. Ainsi, si nous allons voir grandir peu à peu Siddârtha au fil des épreuves de la vie jusqu'au point de devenir Bouddha. Nous allons aussi suivre la vie d'une myriades de personnages. Nous allons en croiser beaucoup enfant dont le destin sera de recroiser Bouddha une fois adulte chargés de leur vie. Royaume déchiré, injustice des castes, violence et étroitesse des brahmanes..
Bien sur, les questionnement sur la vie, le rapport à la nature, les inégalités entre les hommes, la violence dans le cœur des hommes, la beauté de la nature et la mort sont au cœur du récit. Les thématiques abordés récurrentes à l'auteur mais sont ici renforcé par la profondeur du récit et son importance historique. En effet Tezuka est très rigoureux dans les faits que l'on connaît (ou pense) de la vie qu'a vécu Siddârtha/Bouddha. Au delà de la religion, la lecture est passionnante dans ce qu'elle nous apprends historiquement et dans les valeurs qu'a apporté Bouddha aux Hommes.
La vie de Bouddha est difficile à résumer tant elle brasse un nombres de thèmes et de personnages importants. Sa lecture est incontournable pour l'humanisme qu'elle apporte et pour les 80 ans de vie d'un Homme unique dont les préceptes sont toujours connues dans le monde entier plus de 2000 ans après sa mort (sans qu'il n'ai voulu créer de religion).
Une œuvre unique et un grand chef d’œuvre.

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Planetes.. J'ai longtemps rêvé de lire cette oeuvre. Attiré par les couvertures, par les avis que je lisais, par l'auteur.. Après ma découverte de Vinland Saga, de la manière si unique dont l'auteur a de parler de sa vision de la vie, de l'homme, de l'amour dans une fresque viking.. j'ai eu encore plus envie de découvrir sa première oeuvre, Planetes.
Je n'ai pas été déçu.. En effet Makoto Yukimura raconte comme peu la beauté de la vie, de la force qui nous fais tous tenir debout et de l'amour, du vrai. Lorsque je parle de l'amour je ne parle pas du sentiment amoureux mais de l'amour pour la vie, pour notre planete, pour tout ce qui nous entoure.
Au travers du quotidien mouvementé et atypique d'éboueur de l'espace Yukimura dresse un magnifique portrait de l'humanité.
Le contexte de science fiction de l'histoire est passionnant et assez "réaliste" il permet de transposer tout les thèmes cher à l'auteur dans le cosmos avec ses dangers et son recul sur notre planète Terre.
Planetes est une oeuvre très humaine illustré par un trait que je trouve d'une beauté et d'une expressivité impressionnante. Le déroulé des cases et des pages relève du grand art.. Pour résumé Planetes est une lecture incontournable pour qui aime les œuvres humaines, riches et intelligentes.

Annotation :

Le Club des Divorcés est un vrai portrait d'un époque et d'une situation. Kamimura, portraitiste de son époque et des femmes se concentre ici sur la vie d'une femme (Yukô), ayant divorcé dans le japon des années 70.
Cette femme vie seule et gère le club des divorcés (petit club d’hôtesse). Elle est aussi mère d'une jeune fille. Cette dernière est élevée par sa grand-mère, mère de l’héroïne.
Le lecteur est véritablement immergé dans le japon de cette époque vu par cette femme se montrant libre et indépendante tout en semblant fatiguer face à la vacuité et à la dureté de cette vie. Il est encore très mal vu de divorcer à cette époque et la société est particulièrement dure pour les femmes divorcés.
Yukô doit donc garder la tête haute face à un ex-mari collant et porteur de mauvais souvenir mais aussi face à une mère aidante mais aussi culpabilisante. Il est difficile de gérer un établissement comme son club et d'être à la fois mère seule. Luter sous tout les fronts, face au regards de la société, de ses clients, de son entourage et luter pour la survie de son club, tel est la vie de Yukô.
Ce manga de Kamimura est d'une grande densité. Chaque page est porteuse d'une multitudes d'informations et d'émotions. Kamimura semble au sommet de son art avec cette œuvre. Les personnages sont magnifiques, les métaphores visuelles multiples et la mise en page regorge d'idées permettant au club des divorcés de prendre l'ampleur d'une grande fresque intimiste.
La peinture d'une vie et d'une société est d'une remarquable précision. Le récit n'en est pas froids n'y pessimiste. Plusieurs personnages gravitent autour de Yukô, par exemple Ken, serveur et amis.
La lecture de ses œuvres est parfois triste mais surtout humaine. Le portrait de cette femme devant luter pour vivre libre dans une société étouffante est toujours d'actualité et semble universelle malgré la peinture d'époque.
Voici une des grandes œuvres du maître. Un joyau important dont la lecture est marquante, inoubliable..

Annotation :

Certains manga raisonnent en nous d'une manière particulière... C'est le cas de ceux de Kyôko Okazaki (Pink, Helter-Skelter) et River's Edge ne déroge pas à la règle.
On y suis plusieurs lycéens en proies à la difficulté de grandir, d'être soi et de trouver sa place dans ce monde. Emprise sur l'autre, manque de sens, sexualité (homo comme hétéro), difficultés familiales, mort, harcèlement, troubles alimentaires.. les thèmes sont nombreux et bien traités. L'émotion nous submerges à plusieurs reprises lors de la lecture tant Okazaki arrive à mettre des mots justes et parlant sur ce que tout un chacun est amené à ressentir au cours de sa vie. Le tout, souvent dans ses fameuses cases noires où l'on découvre les pensées des personnages où lors de savoureux dialogues.
Le trait de l'autrice ne plaira pas à tout le monde mais je le trouve tellement juste, beau, renversant. Son trait donne vie aux personnages et retranscrit parfaitement leurs émotions. Si l'on adhère au style, certaines cases sont tout bonnement renversante.
L'histoire est dure voire crue mais rends hommage aux tourments de nos vie en dressant de sublimes portraits de jeunes en train d'apprendre à se découvrir et s'accepter.
Pour faire court, River's Edge, c'est beau et c'est une lecture qui fait grandir. Indispensable.

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Si Billy Bat n'est pas le manga le plus facile d'accès, il peut être vu comme la quintessence de l'oeuvre de Naoki Urasawa (et de son comparse habituel Nagasaki).
Il est difficile de résumer Billy Bat sans révéler le scénario n'y son déroulement, tout commence par un comics dans le manga, les aventures de Billy Bat. Ce comics est un hommage aux histoires noires d’aventures des années 50 et dessinés par le mangaka Kevin Yamagata que l'on va suivre durant de nombreux tomes.
Urasawa va jouer avec le lecteur que nous sommes durant 20 tomes en usant d'une virtuosité narrative et scénaristique impressionnante. On peut facilement décrocher au début du récit tant les voyages temporels et les coupures dans le fil de l'histoire sont déstabilisants. Il est ensuite possible faire des liens dans ce que l'on vois et de mieux comprendre le propos de Billy Bat.
Urasawa et Nagasaki semblent fascinés par les grands mystères irrésolues de l'humanité et par se que l'on retiens de l'histoire avec un grand H.
Ce manga parle aussi beaucoup de la création et bien sur de la bd, les auteurs y sont montrés comme des personnes voyant le monde avec un regard particulier, à même de garder une trace de l'histoire.
Le nombre de personnages est impressionnant, si certains personnages et aspects du scénario marquent moins au premier regard que dans Monster ou 20th Century Boys, l'ampleur inédite de l'ensemble n'en est pas moins marquante.
La narration tout en ellipse servant a créer des liens dans le temps, le jeux sur le personnage de la chauve-souris, les bandes dessinées imbriqués dans la bande dessinée, toute la narration est d'une maîtrise implacable. Le dessin de Urasawa fait également des merveilles tant il est expressif, dynamique et arrive à dépeindre une grande variétés d'ambiances.
Naoki Urasawa livre ici l'équivalent du Phénix de Tezuka tant le propos de Billy Bat est centré sur l'humanité et par le rapprochement narratif possible entre les deux œuvres.
Billy Bat finis sur une note surprenante et d’actualité sur la relation entre l'Humanité et notre planète Terre. Une œuvre fascinante, peut être pas celle qui va plaire au plus grand monde mais un manga d'une incroyable densité. Un chef d’œuvre.

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Phénix est l'oeuvre majeure d'Osamu Tezuka. Avec Phénix, Tezuka a voulu proposer sa grande oeuvre du style du Gekiga. Phénix est une oeuvre mature et intime sur la vie et la condition de l'Homme.
L'oeuvre propose une à deux histoires par tome. Loin de paraître anodine ou courte au point de former un recueil sous l'appellation série, chacune des histoires de ce manga sont dense et complète. Elle sont toutes liés les unes aux autres par cet oiseau, le Phénix, symbole de vie et d'immortalité.
Pour décrire l'Humanité sous toutes ses formes et tous ses aspects, Tezuka dessine une oeuvre allant de la préhistoire à la science fiction de l'an 3000 en passant par l'époque d'Edo..
Toutes ces histoires sont liés par la volonté qu'a l'auteur d'interroger l'essence de ce qu'est la vie, de ce qui fais l'humanité au travers de bien des thématiques comme les rêves, la quête de l'immortalité, le lien entre la vie et le corps, la robotique, les choix du cœur...
Avec Phénix, Tezuka condense toutes ses réflexions et thématiques au sein d'une oeuvre qui est à la fois la plus universelle et la plus intime de son auteur.
Si je ne devais retenir qu'une oeuvre de Tezuka parmi son impressionnante production, ce serait celle-ci.

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Daisuke Igarashi est un immense auteur contemporain. Doté d'un style aussi riche que singulié comme d'autres auteurs tel que Tayou Matsumoto, Samura ou Myazaki.
L'influence de la BD européenne est visible dans cette œuvre.
Sorcières est une œuvre typique de l'auteur, soit un mélange de mythe, de naturalisme, du chemin vers le soi profond et bien sur de frontière entre la réalité et le fantastique.
Sorcières est composé de plusieurs récits plaçant des sorcières au centre de l'histoire.
Le premier récit mêle mythes historiques se croisant à Istanbul où il est possible de comprendre que le manque de connaissance et d'écoute de soi est la source de tout les maux.
Le deuxième récit est quand à lui un beau et triste réquisitoire naturaliste contre la destruction des anciennes cultures et de la nature. L'homme préférant utiliser le monde comme un outils lui servant à manger plus facilement et à s'enrichir plutôt que de vivre en harmonie avec ce qui nous entoure et nous même. Les récits qui suivent sont dans le même ordre d'idée.
Selon Igarashi (et je pense qu'il a raison), les sorcières ne sont pas des personnes qui jettent des sors ou qui volent sur des balais. Non, les sorcières sont des personnes qui sont à l'écoutent du monde, elles ressentent le monde, elle-même donc mais aussi ce qui nous entoure et ce qui nous semble invisible. Ce thème de s'ouvrir au monde, à la vie et à l'invisible est récurrent dans toute l'oeuvre de l'auteur mais il est particulièrement central ici.
Igarashi a un trait sublime, c'est certainement le dessinateur qui me touche le plus. Ses décors sont splendides. Une de ses grandes forces est de savoir sous entendre et illustré l'imaginaire voir l'invisible comme personne. Son imagination est impressionnante et s'allie a un sens du récit et de la narration rare. Sorcières, comme toutes œuvres de l'auteur est d'une grande et riche splendeur visuelle.
Encore une œuvre indispensable de l'auteur pour les lecteurs qui aiment les lectures différentes où la sensation éprouvé à la lecture l'emporte parfois sur l'histoire. Une œuvre d'auteur pur, intelligente et rare de par son fond.
Sorcières est un manga précieux et une lecture incroyable...

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Mind Game est un sacré manga.. Sacré car original dans sa forme comme dans son histoire et sa narration. Il se rapproche beaucoup du roman graphique à l'européenne tout en gardant une approche et un aspect nippon. Cette lecture est marquante car puissante d'évocation, folle, non maîtrisé (le trait de l'auteur est comme indépendant de la volonté de l'auteur en restant impressionnant de précision), diablement efficace et originale... Pour faire court.. Un bijou unique et décalé.
Mind Game fait l'éloge de la confiance en soi, du lâché prise, de la beauté de la vie de la plus belle manière qui soit. Une lecture indispensable que l'on sois fan de manga ou de lecture franco-belge.

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Les deux tomes de Solanin m'ont profondément marqués et je ne pense pas être le seul dans ce cas. Inio Asano parle du passage à l'âge adulte comme personne.
Ce qui est beau avec Solanin se sont ses personnages, leurs pensés et leurs émotions. L'histoire de Solanin est universelle et que le ton d'Inio Asano est particulièrement juste.
La lecture de ce manga ne laisse pas indifférent et se révèle indispensable à toutes personnes ouverte à la lecture.
Inio Asano se révèle être un des plus grand mangaka de son époque et Solanin est la meilleure porte d'entré pour cette auteur.

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Soil est un de mes mangas favoris, une oeuvre qui m'a marqué pour longtemps. J'en attendais donc beaucoup de Wet Moon et je suis désormais tout ce que fait ou ce qu'a pu faire Atsushi Kaneko.
Wet Moon... la lecture des 3 tomes à la suite est une expérience unique, passionnante et géniale. A peine le troisième tome refermé qu'on a déjà envie de replonger dans cette série afin de vérifier que l'on a bien compris l'histoire ou bien de tenter une approche différente de l'oeuvre.
En effet on peux comprendre ou recevoir l'oeuvre de plusieurs manière, l'histoire n'est pas unique mais multiple et c'est juste génial! Les références sont nombreuses en particulier les références cinématographiques.
Et que dire du dessin, un dessin magnifiquement mis en page avec quelques incrustation de couleur très pertinentes. Le dessin de Kaneko, il est encore plus prononcé et magnifique. Il est rare de trouver un tel noir et blanc, du pur génie.
Wet Moon est une oeuvre incontournable, un classique instantané.