Cover Les 50 meilleurs albums AMBIENT de tous les temps selon Pitchfork

Les 50 meilleurs albums AMBIENT de tous les temps selon Pitchfork

Pitchfork est un site web basé à Chicago, Illinois, États-Unis. Il est publié quotidiennement depuis 1995 et se spécialise dans la critique de musique indépendante, principalement rock (ou rock indépendant), mais aussi dans une moindre mesure folk, heavy metal, electro et hip-hop. Le site web propose ...

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Liste de

50 albums

créee il y a presque 6 ans · modifiée il y a 7 mois

Ambient 1: Music for Airports
7.5
1.

Ambient 1: Music for Airports (1978)

Sortie : 1978 (France). Ambient

Album de Brian Eno

PiotrAakoun a mis 10/10.

Annotation :

Eno n'a peut-être pas inventé l'idée du son atmosphérique, mais il lui a donné un nom: la musique ambiante. (Sans offenser Erik Satie, Brian Eno est la principale raison pour laquelle vous lisez cette rubrique.) Eno, le plus étrange et le plus réfléchi des pop-star/philosophe des années 1970, recherchait une musique fonctionnelle qui pourrait colorer l'atmosphère -l'équivalent sonore du parfum, ou assainisseur d'air. Il s'est opposé à ce qui était alors la forme dominante de la musique environnementale: l'écoute facile et la «musique d'ascenseur», arrangements orchestraux de tubes pop qu'il considérait comme «légers et dérivés». Le snobisme a été intégré à la musique ambiante dès le début: Eno a aspiré à créer non seulement des ambiances, mais surtout, celles du bon goût.

Mais il voulait cajoler, ne pas imposer. Plutôt que de "couvrir" un environnement donné, Eno a imaginé des sons qui pourraient améliorer la résonance émotionnelle d'un espace; il favorisait les sons propices au doute et à l'incertitude, ainsi que ceux qui favorisaient le calme et la réflexion. En d'autres termes, il voulait créer une musique de fond pour les solitaires, les esthètes et les introvertis, et c'est précisément ce qu'il a réalisé avec Ambient1: Music for Airports. Ses mélodies de piano et de synthétiseur se déplacent aussi doucement, et apparemment sans but, comme un mobile dans l'air immobile. Simultanément nostalgique et béatifique, elle est émotionnellement ouverte et constitue un stimulateur d'humeur idéal, du moins pour l'auditeur dans un espace de réflexion réfléchi. Si seulement un aéroport sur terre était comme ça; l'image qu'elle évoque, celle de voyageurs patients et optimistes qui glissent silencieusement le long des trottoirs roulants alors que le soleil tombe sur des surfaces brillantes d'aluminium et de verre, semble improbable dans notre vie. Ce train vers l'avenir a depuis longtemps quitté la gare (et déraillé dans un tas de feu). Pour l'auditeur curieux de la musique ambiante qui ne sait pas par où commencer, il n'y a pas de meilleure introduction que celle-ci.

-Philip Sherburne

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Même si Brian Eno n'a pas inventé la musique ambiante, il l'a, par le biais de cet album, conceptualisé, quoi de plus naturel que cette pierre angulaire, fondatrice soutienne cet édifice.

Selected Ambient Works, Volume II
7.8
2.

Selected Ambient Works, Volume II (1994)

Sortie : 7 mars 1994 (France). Ambient, Experimental, Dark Ambient

Album de Aphex Twin

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

Avec Selected Ambient Works 85-92, Richard D. James a établi que la «techno ambiante» était un concept viable plutôt qu'une contradiction dans les termes. Mais bientôt, ce rejeton serein de la musique rave est devenu son propre cul-de-sac du Nouvel Age. Toujours aussi obstiné, pour son suivi, James passa de la chill-out à la détente: des paysages sonores sans relief, tissés à partir de textures abstraites et d'impulsions étrangement fixes. Pour la plupart, ces adorables mélodies Aphex scintillaient comme des gouttes de rosée sur une toile d'araignée. L'aura pressentie du projet a été intensifiée par l'absence de titres de piste: les 24 pistes n'ont été identifiées que par des images de textures comme le lichen ou la pierre altérée, comme pour exacerber délibérément la sensation de perte de l'auditeur.

Il y avait encore de la beauté ici, mais un genre particulier et troublant: l'ouverture, par exemple, module une voix en un bruit de babil, puis l'ondule à travers un écho de couloirs. James traça le projet - qui fut aussi influent que son prédécesseur, avec des résultats également mixtes - en parlant de l'inspiration qu'il avait tirée des expériences de rêveries lucides, techniques qui permettent au dormeur d'orienter l'histoire d'une aventure nocturne. Vrai ou pas, l'effet de cette musique est exactement comme être dans un rêve: pas forcément idyllique, avec une étrangeté qui vous hante longtemps dans votre journée de veille.

-Simon Reynolds

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Double album d'une diversité dans les ambiances tellement riche qu'il mérite amplement sa place comme dauphin du roi ...

The Disintegration Loops
8.4
3.

The Disintegration Loops (2013)

Sortie : 12 novembre 2013 (France). Ambient, Experimental, Electronic

Compilation de William Basinski

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

Dans un état sain, la bande analogique est brun pâle, la couleur de l'enregistrement audio magnétique contenue dans celle-ci. En 2001, William Basinski, cherchant à numériser une collection d'anciennes bandes magnétiques qu'il avait créées à partir d'une musique facile à écouter, a découvert que la bande commençait à s'écailler un peu, comme de la peinture. En jouant les boucles à plusieurs reprises, ils ont commencé à perdre leur composition lorsque la bande s'est désintégrée. Ce qui commence comme un extrait d'un instrument de cuivre délaissé finit par se dégrader en une pâle imitation, comme s'il avait produit une composition et ensuite, immédiatement après, exécuté sa mémoire fanée.

Les boucles de désintégration sont immensément longues (la première de ses quatre parties dure plus d'une heure), mais elles sont constituées d'extraits répétés parfois aussi courts que cinq ou dix secondes. Au cours de cette période gigantesque, vous entendez la pièce s'effondrer, littéralement. "Je suis en train d'enregistrer la vie et la mort d'une mélodie", a déclaré Basinski lors d'une interview à Radiolab en 2011. «Cela m'a juste fait penser aux êtres humains, vous savez, et à la façon dont nous mourons.» Les mystères de la vie et de la mort sont peut-être une trop grande question à résoudre par drone, et Basinski ne tente pas de le faire. Sa pièce est belle et triste, temporelle et infinie; ses changements sont imperceptibles, mais toujours présents. Cela ressemble à du vent, comme la corne d'un navire entendue au loin quand elle est perdue en mer, sur la bonne voie pour vous sauver ou vous dépasser.

Basinski a fait la découverte accidentelle de la désintégration des bandes en 2001, peu avant les attaques contre le World Trade Center. De sa maison à Brooklyn le 11 septembre, il a fait un court métrage de la lumière juste avant la fin de la soirée. Lorsque Disintegration Loops a été publié, une image de ce film a fait sa couverture. La musique a depuis été liée à la perte de ce jour, et à juste titre, mais elle représente également un élan vers l'avant. En entendant le son se dégrader lentement, il est clair qu'il finira par disparaître complètement. Mais jusque-là, il continue, essayant de son mieux de jouer avant d'arriver à la fin.

-Matthew Schnipper

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Découvert par hasard, bien qu'il fallait être vigilant pour le découvrir, le concept de boucles désintégrées est tout simplement génial : on assiste, hypnotisé, à la disparition lente d'un fragment sonore ...

A Rainbow in Curved Air
7.7
4.

A Rainbow in Curved Air (1969)

Sortie : 1969 (France). Ambient, Electronic, Minimal

Album de Terry Riley

PiotrAakoun a mis 7/10.

Annotation :

L'art original de la jaquette pour A Rainbow in Curved Air comprend un court poème utopique qui commence par «Et puis toutes les guerres se terminent». Il explore un monde où le Pentagone a été renversé et peint des couleurs psychédéliques, tout le bas Manhattan est transformé en un pays des merveilles pastoral, le végétarisme règne dans le monde entier, les frontières de la société deviennent poreuses et, finalement, «le concept de travail a été oublié.» Quand il a été publié en 1969, le poème n'était probablement pas une surprise. omniprésente, mais donne un espoir distinct à la pièce minimaliste de Terry Riley.

Ses visions parlent à la gentillesse de A Rainbow in Curved Air. La pièce est un sensorium chaud de notes répétées et de bizarreries électroniques précoces, et ça sonne toujours dans un ashram rempli d'encens ou dans un dortoir brumeux. La pièce était la plus orientée commercialement de Riley; il a infiltré le courant dominant, inspirant les répétitions du clavier de The Who's "Baba O'Riley", et il a également préfiguré les techniques d'overdubbing hypnotiques de Steve Reich et William Basinski, reliant des générations de fabricants de musique expérimentale.

Ce qui rend vraiment A Rainbow in Curved Air si spécial, c'est son impressionnant optimisme; de toutes ses qualités, c'est celle qui n'a jamais été reproduite exactement de la même manière. Ça fait du bien d'écouter cette musique : elle imprègne l'air, rend le monde plus doux, laisse disparaître la corvée du travail. C'est vraiment le monde idéal que Riley a imaginé dans son poème - et cela ressemble à de la musique qui fait la découverte de bandes sonores.

-Kevin Lozano

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50 années après leur création, les deux pièces instrumentales constituant cet album n'ont pas perdu de leur fraîcheur et de leur intérêt ...

Chill Out
7.5
5.

Chill Out (1990)

Sortie : 12 février 1990 (France). Ambient, Electronic

Album de The KLF

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Le titre Chill Out - une référence aux salles de détente communes aux raves de la fin des années 80 - évoque une époque où la musique d'ambiance était particulièrement fonctionnelle. C'était un lieu de repos et de détente pour les danseurs et les utilisateurs qui exigeaient un environnement utérin, sonique ou autre. "Chill Out" n'a pas cette fonctionnalité, car il se cristallisait dans un style qui lui est propre. Loin de se sentir enveloppant, son cliquetis diffus d'échantillons et de références semble laisser passer tout et n'importe quoi. C'est un pastiche obtus, parce que l'intégralité de l'existence du KLF était un pastiche obtus.

Pourtant, Chill Out a gagné une place dans les rangs ambiants en raison de la sérénité des échantillonnages en plus d'un engagement dans la mise en scène (il décrit prétendument un voyage en train du Texas à la Louisiane). Il y a une tranquillité qui serait complètement inutile si le duo de Jimmy Cauty et Bill Drummond était juste en train de blaguer. En insistant sur les détails - Elvis se lançant dans «In the Ghetto», ou un prédicateur vous implorant à plusieurs reprises, à vous, l'auditeur, d'être prêt - ils obtinrent une sorte de clameur imprévisible et quotidienne : musique, voix et klaxons, tout s'enfonçant profondément.

-Andrew Gaerig

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Une ambiance faite de field recording, de sampling nous entraînant dans un voyage feutré bienfaisant ...

The Tired Sounds of Stars of the Lid
7.8
6.

The Tired Sounds of Stars of the Lid (2001)

Sortie : 29 octobre 2001 (France). Ambient, Drone

Album de Stars of the Lid

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Une bonne utilisation d'un synthétiseur est de maintenir une note, de tourner des boutons et d'écouter le son étincelant - pour examiner les grosses vagues d'harmoniques créées lorsqu'un faisceau de circuits essaie de sonner comme des violons ou des trompettes. Beaucoup de bonne musique, ambiante et autre, a été faite par des gens tenant des touches sur des synthétiseurs.

"The Tired Sounds of Stars of the Lid" semble inverser cette pratique; Adam Wiltzie et Brian McBride utilisent des cordes et des cuivres réels, les empilant les uns sur les autres et les soutenant dans des nuages ​​gazeux d'harmoniques. Les traînées de réverbération et de delay amplifient ce sentiment alors que la musique oscille entre un faible bourdonnement et un bourdonnement moyen. Les arrangements trouvent le juste milieu entre une composition soigneuse et un drone pur, et le résultat est si beau et si triste, cela en devient marrant, quelque chose que les titres semblent révéler (voir : "The Lonely People (Are Getting Lonelier)"). Les marginaux sont capables de grands gestes, aussi.

-Andrew Gaerig

Une ambiance minimaliste, abstraite et fantomatique faite de drones provenant d'instruments pour la plupart acoustiques ...

94diskont.
7.5
7.

94diskont. (1995)

Sortie : 1995 (France). Electronic, Glitch, Minimal

Album de Oval

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

À l'approche du nouveau millénaire, alors que la technologie numérique s'insinuait de plus en plus profondément dans nos vies, des idées de progrès et de mauvaise utilisation créative étaient dans l'air, aussi indubitables que les pings graveleux du modem assis dans le coin de votre bureau. Entre Oval, le trio allemand de Markus Popp, Frank Metzger et Sebastian Oschatz, qui se sont fait un nom en échantillonnant le son des CD. Si "Systemisch" est l'endroit où Oval a d'abord distillé son idée jusqu'à son essence, alors "94diskont" est l'endroit où ils ont découvert le potentiel expressif de leur médium.

Les gazouillis écrasés et le hoquet desséché établissent le vocabulaire de base qui viendra définir la "musique glitch" pour la prochaine décennie. Certaines des pistes les plus abstraites de l'album, comme "Commerce Server", ressemblent à un périphérique qui crache des pixels. Sur la pièce maîtresse "Do While", les paillettes vitreuses sautillent comme des flocons de neige sur la surface gelée d'un étang; les tons de cloche montent et descendent, brillent avec une luminescence inquiétante. Il n'y a rien de plus qu'une poignée de boucles courtes qui se chevauchent, mais quelque chose au sujet de la façon dont ils s'enroulent les uns sur les autres ne fait que vous attirer plus profondément dans le mix avec chaque passage elliptique. Cela continue comme ça pendant 24 minutes, mais il n'est pas difficile d'imaginer de le laisser courir toute la journée de veille. Comme la musique de meubles de Satie ou l'ambiance aéroportuaire d'Eno, c'est un son qui se fond dans l'arrière-plan et charge l'air autour de vous.

-Philip Sherburne

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Le glitch dans toute sa splendeur, imperturbablement lancinant ...

Deep Listening
8
8.

Deep Listening (1989)

Sortie : 1 janvier 1989 (France). Funk / Soul

Album de Pauline Oliveros, Stuart Dempster et Panaiotis

PiotrAakoun a mis 10/10.

Annotation :

Pauline Oliveros a appelé improvisation l'état naturel de l'existence humaine - parce que, même dans tout le chaos superficiel de l'expérience quotidienne, «l'univers improvise ... et nous avons l'évolution, donc [l'improvisation] est toujours en train de se produire. C'est pourquoi, pour Oliveros, la manière la plus attentionnée de vivre est d'écouter. Ainsi, en 1988, elle est descendue 14 pieds sous terre, dans une citerne située à Washington, où les sons résonnaient jusqu'à 45 secondes dans l'humidité. Elle a amené le tromboniste Stuart Dempster et l'artiste sonore / chanteur Panaiotis pour enregistrer une musique qui ne sonne pas de ce monde. Le trio emporta avec eux un accordéon, un trombone, un didgeridoo, un tuyau d'arrosage, une coquille de conque et une pipe, qui furent tous dénaturés par la grandeur de la pièce.

Deep Listening, l'enregistrement né de ces séances, est cosmique, comme écouter les échos du Big Bang. Il a engendré une nouvelle philosophie du même nom qui mettait l'accent sur les possibilités de vraiment prêter attention, de réajuster et calibrer vos oreilles pour permettre la méditation et la préservation du bien-être. Deep Listening introduit dans la musique ambiante les possibilités radicales du corps à se surmonter, juste en écoutant de manière assidue.

-Kevin Lozano

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L'expérience du "deep listening" est peut-être une des expériences musicales les plus intéressantes que vous ayez à vivre ...

Harmony in Ultraviolet
7.9
9.

Harmony in Ultraviolet (2006)

Sortie : 16 octobre 2006 (France). Ambient

Album de Tim Hecker

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Le style d'ambiance de Tim Hecker a toujours vogué dans les ténèbres, mais Harmony in Ultraviolet est l'exploration la plus pure de ce qui s'y cache. Là où ses premiers travaux favorisaient le craquement des transmissions brouillées et des fils métalliques retentissants, Harmony in Ultraviolet se penche vers un drone lourd et en couches, dérive comme un énorme dirigeable qui semble trop lourd pour rester en l'air, un objet Star Wars qui masque le ciel et lance des étincelles. Sa palette comprend des orgues à tuyaux, des retours de guitares tordus, statiques, et des cordes étourdissantes, qui se réunissent pour une musique craintive, donnant le sentiment de contempler un volcan en éruption ou une tornade massive à une distance sûre. Il vous fait sentir petit, un point sur un point bleu pâle. Harmony est l'album ambiant rare qui demande à être joué fort.

-Mark Richardson

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Du dark ambient expérimental plus stimulant que reposant pour les sens ...

Evening Star
7.4
10.

Evening Star (1975)

Sortie : décembre 1975 (France). Ambient, Experimental, Electronic

Album de Fripp & Eno

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

Bien qu'il contienne la signature des synthétiseurs ondulants de Brian Eno, Evening Star, on a, plus que tout son travail ambiant, un sentiment d'aimantation. On le doit beaucoup au travail d'improvisation et aux façons de pincer les cordes du guitariste de King Crimson Robert Fripp; il est comme un musicien de mariage si le monde entier se mariait.

Evening Star, qui s'ouvre avec le titre "Wind on Water" faisant penser au National Geographic, maintient son ton exubérant tout au long de sa première moitié. Mais la deuxième face, une piste de près de 30 minutes, intitulée "An Index of Metals", montre le côté sinistre du duo, avec moins de vivacité du synthétiseur et plus de froideur. C'est moins ludique que la première mi-temps et plus bouleversant. Il contraste fortement avec le reste des années 1970, quand d'autres ont fait de la musique ambiante qui se sentait allégoriquement sur la vie et la mort, les deux enfermés dans une compétition éternelle. Plutôt que de co-mêler les deux, Fripp et Eno les séparent comme une sorte de fourche sur la route.

-Matthew Schnipper

Pop
7.9
11.

Pop (2000)

Sortie : 24 mars 2000 (France). Modern Classical, Techno, Ambient

Album de Gas

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Bien qu'il se spécialise dans un bel euphémisme, l'influence de Wolfgang Voigt sur la musique atmosphérique est difficile à surestimer. D'abord, il a contribué à faire de la techno ambient le leader de la scène minimale allemande, où il a co-fondé le label définitif Kompakt. Puis il l'a transmuté, produisant une nouvelle substance qui a comblé les deux genres. Avec Gas, le plus célèbre de ses nombreux alias d'enregistrement, Voigt a plongé les beats de la house profondément dans un terreau richement texturé, créant un contrepoint sombre et dense à la house ambiante relativement lumineuse et aérée de the Orb.

Selon la tradition populaire, le son est né des expériences juvéniles de Voigt trébuchant sur les champignons de la Forêt-Noire, et son disque Königsforst évoque directement ce mystère et cette crainte particulière, avec un tambour solitaire comme guide spirituel à travers de vastes bois ombragés. Mais c'est l'album final de Pop, Gas, qui distille cela dans leur déclaration visionnaire - plus brillante, moins étouffée, et plus songeur. Voigt déconstruit sa course bondissante en 4/4 et la rééquipe avec des mélodies brillantes, des cymbales biseautés, des basses libres et d'autres éléments se tordant dans une stase hirsute. La texture étrange des deux premières pistes, quelque part entre une forêt tropicale et une imprimante à matrice de points, devrait vite devenir fatigante, mais Voigt en extrait toutes les nuances d'effervescence. Le résultat est le monde sonore le plus durablement habitable de Gas.

-Brian Howe

The Expanding Universe
7.8
12.

The Expanding Universe (1980)

Sortie : 1980 (France). Electronic, Musique Concrète, Experimental

Album de Laurie Spiegel

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

Il serait utile, s'il y avait un autre terme - un meilleur terme, un terme plus rigoureux - pour la musique ambiante, un terme qui n'ait pas été souillé par des bandes sonores de spa et des compilations douteuses de chillout. Vous pourriez théoriquement classer The Expanding Universe de Laurie Spiegel sous "musique académique pour ordinateurs" - c'est, après tout, le produit d'une informaticienne pionnière qui a étudié la composition chez Juilliard avant d'aller travailler chez Bell Laboratories, où elle a contribué à un certain nombre des premières technologies de la musique informatique. Mais cette étiquette, à son tour, est si froide, si formelle, si amidonnée. Et contrairement à beaucoup de musique informatique académique de son époque, l'album de Spiegel en 1980 est accessible, expressif et profondément agréable; il ne trahit aucun soupçon de plaisir, ne fait aucun signe d'obéissance aux dieux mécontents de la dissonance.

Avec le souci du détail d'un programmeur, Spiegel rend tout ensemble les drones étendus et les contrepoints d'inspiration folklorique dans les termes les plus simples. Sur des morceaux lents comme "Old Wave" et "The Expanding Universe", une grande partie de l'action réside dans la subtile modulation des formes d'onde analogiques, tandis que "Patchwork" et "Appalachian Grove" offrent des plongées profondes dans des structures harmoniques vives et mercurielles. (Cette dernière chanson fait partie des 100 minutes de matériel inédit ajouté à la réédition de l'album en 2012.) Sur "L'Harmonie des Mondes de Kepler", elle se concentre sur les glissandi scintillants et les buissons denses d'harmoniques. Il est juste adéquat que la pièce, inspirée par la théorie de l'harmonie et de la forme géométrique de l'astronome allemand Johannes Kepler, figure dans le "Golden Record" de la NASA, disque gravé de quelques-unes des plus grandes réalisations musicales de l'humanité qui navigue à bord de Voyager 1 et 2 vaisseaux spatiaux - dont le premier a déjà atteint l'espace interstellaire.

-Philip Sherburne

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Une musique intrigante, qui déboussole à la première écoute ...

Apollo: Atmospheres & Soundtracks
7.7
13.

Apollo: Atmospheres & Soundtracks (1983)

Sortie : juillet 1983 (France). Ambient

Album de Brian Eno

PiotrAakoun a mis 10/10.

Annotation :

Alors que Music for Airports était censé passer inaperçu dans l'atmosphère qui nous entoure, cette bande sonore de 1983 des images de la NASA sur les missions lunaires d'Apollo abordait un objectif plus impressionniste, traduisant l'expérience émotionnelle de l'exploration spatiale pour la consommation terrestre. Il a réussi: Apollo: Atmospheres et Soundtracks ont contribué à donner le ton aux essences essentielles de la musique ambiante à venir. "Drift" exprime un sentiment d'apesanteur, un aperçu profondément apaisant du sublime qui continue à résonner dans le nouvel âge; les sons retenus et la chanson de baleine de "Matta" mènent directement à l'ambiance sombre de Biosphère, Robert Rich, et le label Fax.

Lorsque Music for Airports a réduit la forme musicale à un résumé, Apollo: Atmospheres and Soundtracks se déplace dans la direction opposée, marquant une réconciliation entre le son atmosphérique et les formes musicales plus conventionnelles. L'élégant et lent "An Ending (Ascent)" n'est pas si éloigné du Requiem du compositeur romano-romantique Gabriel Fauré, simplement réduit à la DX7 et aux effets de bande. Et la pedal steel du producteur Daniel Lanois se met en avant sur toute la face B. Les fioritures de musique country ont été inspirées en partie par les qualités américaines du programme spatial, ainsi que par le background texan de certains de ses astronautes, mais elles ont aussi un point plus large: couper la batterie et ajouter assez de réverb pour être transformé en musique ambiante. Lanois ira chercher cette ligne de conduite sur son solo solitaire Goodbye to Language de 2016, administrant la pedal steel sous forme liquide, comme par perfusion intraveineuse.

-Philip Sherburne

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Une musique sublime, en apesanteur ...

An Empty Bliss Beyond This World
7.7
14.

An Empty Bliss Beyond This World (2011)

Sortie : 19 mai 2011 (France). Ambient, Turntablism, Dixieland

Album de The Caretaker

PiotrAakoun a mis 6/10.

Annotation :

Il y a une certaine passivité attribuée à la musique ambiante, à la fois en l'écoutant et en la faisant aussi; il y a moins d'activité impliquée dans la fabrication de ce type de musique que, disons, "Gimme Shelter", si ce n'est pas moins de réflexion ou de processus. Un bonheur vide au-delà de ce monde est l'un des efforts les plus passifs du genre; dessus, Leyland Kirby, travaillant sous son alias Caretaker, joue une collection de musique de salon du début du 20ème siècle et déplace le microphone quelque part entre un demi-salon et un demi-champ. Il y a peut-être un quart de tour de manomètre quelque part; c'est difficile à dire.

Mais il y a un certain aspect performatif chez Empty Bliss, un «Voila!» dans la façon dont Kirby transforme un style de musique sociale insignifiant en un souvenir d'un autre monde. Les craquements et les bruitages nous rappellent que les médias physiques se désintègrent; les notes nous rappellent que les styles, les modes et les façons de vivre également. Beaucoup de musique ambiante se fond dans l'arrière-plan, soulignant l'importance de l'arrière-plan; An Empty Bliss Beyond This World ne parle que de ce fondu.

-Andrew Gaerig

Automatic Writing
7.6
15.

Automatic Writing (1979)

Sortie : 1979 (France).

Album de Robert Ashley

PiotrAakoun a mis 5/10.

Annotation :

Sur "Automatic Writing", Robert Ashley compose sous l'influence de son "discours involontaire". (Dans ses notes de couverture, Ashley a révélé qu'il souffrait d'une "forme douce de Tourette.") La pièce commence tranquillement, avec des bribes de Ashley , voix tremblotante disposée à côté de traductions françaises plus fluides et de quelques touches de Moog. Après que les phrases d'Ashley s'allongent suffisamment pour englober des phrases qui font du sens, une rainure de registre de basse apparaît brièvement, disparaît, puis revient. Peu de pièces si paisibles se sont révélées aussi captivantes; beaucoup de ceux qui ont l'intention d'être aussi surprenants ne parviennent pas à capturer la gamme de surprises d'Ashley.

-Seth Colter Walls

Persian Surgery Dervishes
7.6
16.

Persian Surgery Dervishes (1972)

Sortie : 1972 (France).

Album de Terry Riley

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Là où le minimalisme américain, le raga classique indien, le piano bar, le jazz modal et le rude individualisme occidental s'entrecroisent, se dresse le sage compositeur Terry Riley. Le musicien né en Californie a dessiné à partir de son spectacle en tant que pianiste de bar, fan de Coltrane, et étudiant avec La Monte Young et Pandit Pran Nath pour donner vie à sa vision de la musique. Son travail avec ses structures toujours changeantes et ses improvisations épiques a explosé les notions d'écoute de la composition classique.

À moins que vous ne l'ayez expérimenté en personne, cependant, les «vols nocturnes» en direct de Riley étaient à peine documentés et jamais entièrement enregistrés. Le plus proche que nous ayons d'un tel nirvana sont les deux spectacles du début des années 70 qui composent son double album de 1972, Persian Surgery Dervishes. Avec seulement un orgue électrique et l'accumulateur "time-lag" de Riley (une bobine qui reproduisait des boucles de ses improvisations), Dervishes est est composé de quatre faces de drones suintants, de solos virtuoses percolants et de vagues de bonheur ondulantes. Tout cela est greffé de manière à suggérer des motifs de carreaux islamiques envoûtants, des globes de lampe à lave et l'infini lui-même.

-Andy Beta

Turiya Sings
8.1
17.

Turiya Sings (1982)

Sortie : 1982 (France).

Album de Alice Coltrane

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Pendant les années 1960, beaucoup d'artistes et de musiciens ont embrassé la religion orientale et ont exploré ses disciplines, des Beatles et des Beach Boys étudiant la Méditation Transcendantale à Pete Townshend et Carlos Santana devenant des étudiants des gourous indiens. Pour la plupart de ces musiciens, ce n'était qu'une phase, mais pour Alice Coltrane, son étude avec Swami Satchidananda a ouvert la voie à l'étude spirituelle.

Il est stupéfiant de visiter le Centre Vedantic en Californie et de voir Alice Coltrane Turiyasangitananda représentée non pas comme une figure de jazz ou une icône musicale, mais plutôt comme une enseignante spirituelle et Swamini. Retournant à la vie publique et à sa carrière d'enregistrement à la fin des années 70, Coltrane fonda son propre ashram et enregistra une série de cassettes obsédantes de bhajans hindous dévotionnels qui n'étaient disponibles qu'à l'achat au centre. Ces cassettes légendaires - qui ne sont pas encore sorties à grande échelle - sont parmi ses œuvres les plus émouvantes. Utilisant seulement l'orgue et sa voix, les neuf hymnes qui composent les Turiya Sings de 1982 ont une qualité distillée et profondément personnelle. Les entendre c'est comme écouter Coltrane en dialogue avec le Divin.

-Andy Beta

Stars of the Lid and Their Refinement of the Decline
8
18.

Stars of the Lid and Their Refinement of the Decline (2007)

Sortie : 2 avril 2007 (France). Modern Classical, Ambient, Electronic

Album de Stars of the Lid

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

“Dungtitled (In A Major),” (Fumier titré en La Majeur) “Dopamine Clouds Over Craven Cottage,” (Nuages de Dopamine au dessus de Craven Cottage) (Craven Cottage est un stade de football à Londres) “December Hunting for Vegetarian Fuckface” (Chasse de Décembre pour Tête de noeud Végétarienne) des titres plutôt sophistiqués pour des chansons. Mais les 18 titres du dernier album de Stars of the Lid, And Their Refinement of the Decline, sont un brillant acte de chute du sublime au ridicule à l'envers. Ces stupides combinaisons de mots sont des passerelles vers des sons d'une beauté impeccable: la langue (de n'importe quel niveau de maturité) se sent inutile à côté des doux élans des cors, des violoncelles et des clarinettes.

Le travail de Brian McBride et Adam Wiltzie sur Their Refinement of the Decline semble refléter la grandeur à l'ancienne, la romance puissante. Pourtant, d'une certaine façon, McBride et Wiltzie ont un sens de l'humour qui rend l'album constamment généreux, facile à vivre, et étonnamment grégaire. Rarement l'art est si décontracté et stupéfiant simultanément.

-Kevin Lozano

Orbus Terrarum
7.1
19.

Orbus Terrarum (1995)

Sortie : 17 mars 1995 (France). Dub, Ambient, Experimental

Album de The Orb

PiotrAakoun a mis 7/10.

Annotation :

The Orb ont toujours été des chapeliers fous, bricolant avec les frontières des genres et des attentes auditives; ce sont des hérétiques qui explorent les frontières de la house, du progressif et de l'ambient. Que ce soit pousser les limites physiques sur ce qui constitue un single (voir les 39:58 de leur "Blue Room", la chanson la plus longue jamais enregistrée au Royaume-Uni) ou délaisser une cover confuse de "No Fun" des Stooges durant une Peel Session Chill, le Dr Alex Paterson et ses cohortes peuvent aussi bien apaiser que surprendre.

Le troisième album du groupe, Orbus Terrarum, reste leur apogée psychédélique, embrassant des pulsions opposées: concis et tentaculaire, accrocheur et abstrait, placide et turbulent, spatial et aquatique. Il marque le début de la collaboration de Paterson avec Thomas Fehlmann pendant des décennies, et il est logique que des titres comme «Montagne d'Or», «Plateau» et l'élégant piano de «Oxbow Lakes» suggèrent des phénomènes géographiques. Chaque piste expansive se double d'un espace environnemental enveloppant, d'endroits pour se promener et explorer ou simplement rester immobile et décrocher.

-Andy Beta

Replica
7.5
20.

Replica (2011)

Sortie : 7 novembre 2011 (France). Ambient, Experimental

Album de Oneohtrix Point Never

PiotrAakoun a mis 7/10.

Annotation :

Bien que les publicités attirent notre attention, nous pouvons aussi bien souvent les ignorer. Comme la bannière publicitaire sur votre site Web préféré que vous avez vu cent fois, mais jamais vraiment enregistré, ne vous y trompez pas. Ou les panneaux d'affichage devant votre périphérique que vous parcourez tous les jours sans les voir, et les publicités télévisées qui ne font que la bande sonore de votre défilement Twitter. Bien que ces explosions du capitalisme visent à étourdir, elles reculent souvent dans l'éther. Mais ils sont toujours là, faisant une douce impression. De cette façon, la publicité pourrait être la forme d'art ambiant la plus omniprésente de notre temps.

Cette idée émane de Replica, un exercice de science-fiction nostalgique réalisé par Daniel Lopatin de Oneohtrix Point Never, un homme qui n'a jamais hésité à expérimenter l'électronique conceptuelle. L'album provient d'échantillons de vieilles publicités, coupées, en boucle et trempées d'effets. Ainsi, un spot TV de Folgers se transforme en quelque chose de ludique et étrange sur "Sleep Dealer", une chanson qui répond à la question "Et si le fantôme d'un jingle devenait sensible et commençait à écouter beaucoup de Thelonious Monk?" En essorant le bruit blanc du commerce en quelque chose d'abstrait, Replica réussit comme un coup méta-ambiant. C'est une musique qui se vend uniquement elle-même.

-Ryan Dombal

A I A : Alien Observer
7.8
21.

A I A : Alien Observer (2011)

Sortie : 11 avril 2011 (France). Ambient, Drone, Dream Pop

Album de Grouper

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

La voix de Liz Harris a la capacité de vous laisser bouche bée, sans voix, tout simplement épuisé. C'est tellement beau, c'est presque mythique. Ses bourdonnements, les chuchotements à peine audibles des mots, les répétitions de phrases - ce sont souvent des présences fantomatiques, faisant apparaître une action effrayante à distance. Sur la première face de A I A: Alien Observer, elle jette de côté son impénétrabilité antérieure et la remplace par une intensité concentrée. Il y a une symétrie parfaite entre sa voix spectrale et l'érosion de bruits aussi saisissants que voilés qu'elle emploie. Dans “She Loves Me That Way,”, sa voix est comme une étoile polaire astrale, enchaînant les nuages ​​d'écho de guitare et de bruit lointain dans un tourbillon de sons luxuriants. D'autres instances, comme la chanson-titre de l'album, sont presque liturgiques: Harris étire sa voix en un refrain fantomatique. Alien Observer semble matériel et viscéral, mais il conserve son sens du mystère et de la résonance émotionnelle.

-Kevin Lozano

Endless Summer
7.2
22.

Endless Summer (2001)

Sortie : 26 juin 2001 (France). Ambient, Experimental, Electronic

Album de Fennesz

PiotrAakoun a mis 7/10.

Annotation :

Les deux mots qui forment le titre de l'album historique de Christian Fennesz en 2001 sont tout aussi importants. Le côté estival de Endless Summer est peut-être plus important, car Fennesz évoque le soleil, les plages et les brises à travers le sublime tissage de la guitare samplée, les bruits défaillants et les tons tranchés. Mais la qualité sans fin est ce qui dure: c'est un album sur la nature infinie de la mémoire, sur la façon dont chaque été, chaque saison, chaque expérience devient immortalisée par l'esprit, jouant sur une boucle dans le fond de la vie. Ce n'est pas que ces souvenirs ne changent jamais; en fait, la façon dont Fennesz fait se reproduire ses sons et reculer, bégayer et fusionner, correspond parfaitement à la malléabilité et à l'impermanence des souvenirs. Mais peu importe à quel point ils bouillonnent et se métamorphosent, il reste toujours des souvenirs, tout comme les notes, les raclements et les vagues de Fennesz, qui refluent et flottent perpétuellement comme une mer qui n'arrête jamais de clapoter le rivage.

-Marc Masters

Playthroughs
7.3
23.

Playthroughs (2002)

Sortie : 21 octobre 2002 (France).

Album de Keith Fullerton Whitman

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Keith Fullerton Whitman a pris une tournure radicale sur Playthroughs, son premier album solo officiel sous son propre nom. Comparé aux accélérations frénétiques de drum-and-bass qu'il a fait en tant que Hrvatski, Playthroughs est un cadre sonore calme, rempli de longs tons et de calques mélangés que Whitman a fait en filtrant sa guitare à travers un processus informatique conçu par lui-même. Pourtant, il y a encore une tonne d'actions dans les cinq morceaux de l'album : des drones changeants, des ambiances gonflées, des ondes sonores ondulantes. Tout est chronométré et arrangé avec une précision étrange; tout événement sonore évoque une sensation parfaitement claire et équilibrée, comme si l'ordinateur de Whitman pensait à de nombreux mouvements à venir, comme un programme d'échecs battant Garry Kasparov. Certaines musiques de l'époque semblaient similaires, et Whitman a depuis fait beaucoup de disques qui se fondent adroitement sur ce qu'il a accompli ici. Mais rien n'a jamais égalé la pureté impeccable de Playthroughs, un disque qui semble s'accrocher à une onde cérébrale cosmique fondamentale et ne jamais lâcher prise.

-Marc Masters

Ambient 4: On Land
7.6
24.

Ambient 4: On Land (1982)

Sortie : avril 1982 (France). Electronic, Ambient, Experimental

Album de Brian Eno

PiotrAakoun a mis 10/10.

Annotation :

Le point culminant de la période suprêmement fertile d'Eno à New York, On Land, est, ironiquement, une tentative de fuir psychologiquement la ville même où il avait produit un travail étonnamment novateur. Le titre provisoire, Empty Landscapes, révèle à quel point Eno était venu à bout de l'agitation hyperactive de Manhattan. S'inspirant de films (Amarcord de Fellini) et de l'art (les peintures pastorales de Pierre Tal-Coat), Eno travaillait surtout à partir de sa mémoire personnelle: ses impressions fanées de la côte Est impopulaire de l'Angleterre, où il avait grandi. Certaines pistes portent le nom de lieux qu'il fréquentait lorsqu'il était enfant (Leek Hills, Dunwich), tandis qu'un autre («Lantern Marsh») trouve son titre d'un nom évocateur qu'il avait vu sur une carte.

Visant à "un joli genre effrayant" et à un "sentiment de solitude", On Land pousse beaucoup plus loin dans l'abstraction que Music for Airports. Eno traite les sons instrumentaux jusqu'à ce qu'ils soient méconnaissables et tisse dans des timbres du monde naturel tels que des pierres et des bruits de grenouilles. Le résultat brillant et amorphe n'a presque aucun ancêtre dans la musique. On Land était un projet profondément conceptuel: Eno a écrit 25.000 mots de notes pour articuler ce qu'il essayait de faire et a inventé un système à trois haut-parleurs que les auditeurs pouvaient installer pour intensifier le sentiment de l'engloutissement sonore. Mais On Land travaille à un niveau purement émotionnel, alors qu'un expatrié de 34 ans se prépare mentalement pour le retour à la maison qui suivra dans quelques années. Après tout, "On Land" n'est qu'une consonne manquante et une voyelle décalée de "England".

-Simon Reynolds

What??
8
25.

What?? (1997)

Sortie : 1997 (France). Pop, Rock, Non-Music

Album de Folke Rabe

PiotrAakoun a mis 9/10 et l'a mis dans ses coups de cœur.

Annotation :

"What ??" de Folke Rabe commence avec une seule paire de sons - deux ondes sinusoïdales, planant dans un proche voisinage - et une écoute rapide pourrait suggérer que cela ne va jamais vraiment nulle part à partir de là. Composé en 1967, le morceau de 26 minutes ne porte pratiquement aucune des caractéristiques de la musique classique occidentale ou de la chanson populaire; il n'y a pas de mélodies, pas de rythmes, pas même de notes, fondamentalement. Au lieu de cela, le point de repère ultra-minimaliste du compositeur suédois représente une tentative d'entrer dans la mécanique du son - «d'entendre "dans" les différents sons afin de saisir les composants qui les constituent», comme Rabe l'a expliqué. Les variations microtonales entre les tons créent de nouvelles harmoniques; ce qui commence comme une seule note tenue se divise bientôt en un accord et devient un champ vibratoire, grouillant de trucs tapageurs.

L'expérience d'écoute est un peu comme regarder un écran illuminé par ce qui semble être une lumière blanche, stable et immuable, pour se rendre compte que toutes les couleurs de l'arc-en-ciel sont non seulement présentes mais en guerre les unes avec les autres. Ce qui semble d'abord être neutre et serein devient sauvage et indompté, un chaos spectral total, et plus vous écoutez profondément, plus il devient intense. Évoluant trop lentement pour que l'auditeur perçoive ses changements, et encore moins sa structure globale, il est presque hallucinant dans la mesure où il semble imposer un sens radicalement différent du passage du temps.

-Philip Sherburne

Inter-Dimensional Music
6.5
26.

Inter-Dimensional Music (1975)

Sortie : 1975 (France). Ambient, New Age, Experimental

Album de Iasos

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

L'univers d'Iasos est peuplé d'images de lumière rougeoyante, de mandalas, de chakras, d'arcs-en-ciel, de paradis et d'anges. (artiste new-age, il vend même des cristaux de la taille d'un canapé sur son site Web.) Mais la vision musicale du compositeur basé à Sausalito en Californie, né en Grèce, défie la catégorisation facile ; le philosophe bouddhiste Alan Watts et l'architecte R. Buckminster Fuller lui rendent hommage.

On peut retracer l'ascension de la musique New Age vers le premier album d'Iasos, Inter-Dimensional Music, qui a émergé la même année que Discreet Music de Brian Eno et le premier album de Steven Halpern. Se posant moins comme «artiste» et plus comme un vaisseau à travers lequel les esprits émettent des vibrations sur ce plan terrestre, des méditations comme «Rainbow Canyon» et «Cloud Prayer» sont aussi divines et apaisantes pour les mourants que les éveillés. Il n'est pas étonnant que lorsque le département de psychologie du Plymouth State College a étudié des patients ayant eu des expériences de mort imminente, ils ont découvert que la musique d'Iasos était la plus proche de ce qu'ils avaient entendu dans leurs vies temporaires.

-Andy Beta

Par moments kitsch, mais cela reste intéressant musicalement ...

Rifts
7.7
27.

Rifts (2009)

Sortie : 20 octobre 2009 (France). Ambient, New Age, Noise

Compilation de Oneohtrix Point Never

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

Il est facile d'oublier à quel point les premiers albums de Daniel Lopatin ont été radicaux lors de leur sortie en 2007 et 2008. Quand Rifts est apparu en 2009, compilant une poignée de ses LPs primitifs et morceaux parus sur des compilations, la scène électronique DIY était en grande partie obsédée par les fréquences infernales et les décibels élevés. Mais OPN a offert une voie d'évasion sous la forme de tonalités plaintives inspirées par la musique électronique allemande des années 70, en même temps que le new age et les readymades d'entreprise. Son approche radicale consistait à baisser le volume et à adoucir la sonorité, en se concentrant sur le bourdonnement creux des synthétiseurs Roland classiques comme le Juno 106 et en soulignant les arpèges squelettiques et les quintes ouvertes majestueuses - le tout baignant dans une lueur fluorescente.

Froid, lointain et indubitablement mélancolique, Rifts nous propose une dose de trois heures du romantisme de la science-fiction la plus pure avec tout le kitsch brûlé, équilibré entre les états de drones drogués et les tire-larmes purs et durs. (Il n'y a pas de meilleur accompagnement pour panser ses blessures à la fin d'une longue et dure nuit que "Hyperdawn".) Lopatin a continué à faire de la musique plus ambitieuse, mais rien d'autre ne fixe aussi bien cette humeur particulière - 4 h du matin, les yeux émaillés, les nerfs à vif, l'ambiance dystopique comme dans un roman de William Gibson - que cette stimulante et épuisante compilation.

-Philip Sherburne

Accordion & Voice
7.3
28.

Accordion & Voice (1982)

Sortie : 1982 (France). Experimental, Electronic

Album de Pauline Oliveros

PiotrAakoun a mis 7/10.

Annotation :

Sur la couverture de cet album, assis aux pieds de Pauline Oliveros, se trouve un petit chien béat et hirsute. La langue sortie et les yeux plissés, il est sans doute excellemment affecté parce qu'il l'écoute jouer de l'énorme accordéon en équilibre sur sa cuisse. La toile de fond, qui semble être un travail de couper-coller, est une scène de montagne. Le monde entier semble réduit à eux deux, passant une bonne journée à faire de la musique. S'il vous plaît, retrouvez moi là-bas dès que possible. D'ici là, j'écouterai Accordion & Voice pour faire ressortir le genre de sérénité que vit ce chiot.

Offrant exactement ce que le titre suggère, c'est la quintessence des enregistrements d'Oliveros, deux morceaux de 20 minutes de tons doux. "Horse Sings From Cloud" donne la sensation d'un raga dépouillé et ralenti. "Rattlesnake Mountain" est légèrement plus triste, avec moins de voix; si vous voulez entendre le même son d'accordéon utilisé pour la polka, c'est là, le fait fondamental de l'air étant poussé mais avec très peu d'interruption. Oliveros tombe parfois dans un riff rapide, mais, surtout, elle semble pousser les replis de son instrument à un rythme lent, le grand accordéon prenant une profonde respiration après l'autre. Le jeu d'Oliveros ressemble à une extension du monde naturel, pas à quelque chose construit pour l'interpréter.

-Matthew Schnipper

On the Other Ocean
7.3
29.

On the Other Ocean (1978)

Sortie : 1978 (France).

Album de David Behrman

PiotrAakoun a mis 8/10.

Annotation :

Avec des microprocesseurs dans nos poches et les innombrables heures de vie passées devant les ordinateurs, beaucoup de gens se sont inquiétés des interactions sociales décroissantes de l'humanité et du sentiment croissant d'aliénation. Le premier album du compositeur David Behrman, On the Other Ocean, est une riposte à la façon dont les humains et les ordinateurs peuvent se connecter et interagir pour produire un son chaud et céleste. Il marque la première pièce interactive de Behrman entre l'homme, la femme et la machine; le flûtiste Maggi Payne et le bassoniste Arthur Stidfole se déplacent lentement entre une série de six lancements, qui déclenchent à leur tour le KIM-1 de Behrman (un précurseur de l'Apple II et l'un des premiers ordinateurs personnels disponibles) qui réagit et lance en décalage ses tons purs afin de s'harmoniser avec ses homologues humains. Une chanson, "Figure in a Clearing", associe le violoncelle au synthétiseur contrôlé par ordinateur. Les résultats ne pourraient pas être plus transportants et beaux; le temps fond alors que les solistes et le micro-ordinateur se déplacent sans hâte, se délectant des tons miellés qui en résultent.

-Andy Beta

The Magic Place
7.5
30.

The Magic Place (2011)

Sortie : 11 février 2011 (France). Ambient, Electronic, Ethereal

Album de Julianna Barwick

PiotrAakoun a mis 9/10.

Annotation :

Avec un peu plus que sa voix, une pédale de guitare Boss DD-20 Giga Delay, et une poignée de piano et de cloches, la chanteuse et artiste sonore basée à Brooklyn Julianna Barwick évoque un espace enthousiasmant sur son deuxième album. Inspirée des hymnes qu'elle chante dans l'église du Christ (où son père était un ministre de la jeunesse), ainsi que d'un arbre féérique qu'elle a escaladé lorsqu'elle était jeune fille à Oklahoma, Barwick chante à un volume que l'on pourrait utiliser pour apaiser un bébé coliqueux, à peine plus fort qu'un chuchotement. Tout comme Elizabeth Fraser et Claire Hamill avant elle, Barwick sait comment arranger soigneusement chaque couche de mousseline de sa voix et la tisser en quelque chose de magnifique, lumineux, léger. The Magic Place évoque la rêverie de l'émerveillement de l'enfance, mais plutôt que de se contenter de le rappeler avec nostalgie, la voix de Barwick a le pouvoir de rendre une telle admiration dans le moment présent.

-Andy Beta

PiotrAakoun

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