Cannes 2021 : mon palmarès

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Un Certain Regard

Entre Rambo et Dersou Ouzala, un récit fleuve sur le traumatisme de la guerre et la paranoïa. Un soldat survivant 30 ans sur une île, ne sachant pas la Guerre du Pacifique finie depuis 1945. Souvent dur, parfois burlesque, toujours magnifique.

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Compétition

Totalement subjugué, émotionnellement détruit, un film qui parle de la vie et de l'amour avec une justesse admirable. D'une tristesse infinie sans misérabilisme, drôle sans être grotesque. Le regard sans aucun jugement sur ses personnages est proprement bouleversant. Il épouse toutes les complexités, n'élude aucune difficulté. C'est vraiment magnifique.

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Compétition ~ Film d'ouverture

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Un Certain Regard

Nouvelle énorme claque ce Bonne Mère. Tout en élégance et retenue, Hafsia Herzi dresse le portrait de Nora (et des autres femmes de sa famille), mère tenant à bras le corps le sort de ses proches avec un dévouement indefectible. Film plein de vitalité et d'émotion.

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Compétition

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Compétition

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Compétition

Petite claque que La Fracture qui plonge dans un hôpital un soir de manifestation de Gilets Jaunes, donne à voir la détresse, l'héroïsme comme la colère des infirmiers et des patients. Film de division, mais aussi d'entraide et d'humanité. Du chaos naît même l'humour, avec un mélange des tons remarquablement équilibré qui fait passer du rire aux larmes.

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Un Certain Regard

Bien emballé par Les Innocents d'Eskil Vogt, thriller horrifique norvégien glaçant par sa violence frontale, sa lenteur parfaitement équilibrée pour faire monter la tension, sa jolie photo et ses acteurs (enfants) impressionnants. Parfois insoutenable mais excitant.

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Cannes Première

Très émouvant. Vicky Krieps bouleverse en mère qui s'en va, dans un montage fragmentaire où dialoguent absence et présence, projections fantasmées et réminiscences, brouillant le temps et l'espace. On pense à A Ghost Story ou Petite Maman.

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Séance spéciale

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Compétition

Rien n’est plus difficile à mettre en scène que la maladie mentale au cinéma, sans tomber dans le mauvais goût, le romanesque ou le putassier. Avec Les Intranquilles, Joachim Lafosse réussit à montrer la bipolarité d’un père avec une justesse aussi touchante que glaçante. Le film est d’une tension perpétuelle, avec quelques moments d’explosion tout simplement bouleversants. Damien Bonnard laisse bouche-bée, tant sa performance est tout en puissance contenue, en fragilité et en regards perdus qui disent tout. Leïla Bekhti n’est pas en reste, endossant un rôle ingrat de mère prise entre un mari incontrôlable mais pour qui elle sacrifie tout, et un enfant qu’elle veut protéger tout en lui faisant prendre conscience de la gravité de la situation. Un pur « film français », mais dans le bon sens du terme : très grave, très dur, mais avec des acteurs tellement bons que rien n’est surjoué ni dramatisé à outrance. La photographie, qui travaille intelligemment les flous, est également précieuse ; tout comme la mise en scène, très fluide, donnant le temps aux séquences de s’étirer pour mieux en extraire la tension. Ainsi, Lafosse parvient à faire de scènes a priori triviales de grands moments de drame familial : une visite surprise à l’école, une caresse nocturne, une scène de peinture en chanson, etc. Les Intranquilles parle d’une maladie incurable et du poids qu’elle fait peser sur l’entourage d’un père en pleine traversée du désert. Personne n’a le beau rôle, personne n’a le mauvais non plus : tout est d’une justesse admirable, et le nœud paraît inextricable.

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Un Certain Regard

Superbe découverte que ce film taïwanais sur des travailleurs du sexe en quête d'amour et de reconstruction familiale. Un portrait violent mais aussi plein de tendresse de deux garçons face aux choix les plus importants de leur vie.

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Hors compétition

Un beau film à l'animation virtuose sur la mémoire collective, et surtout un parti pris courageux sur comment faire résonner les mythes avec notre époque.

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Cannes Première

Voir débarquer un nouveau film de Mamoru Hosoda est toujours un événement pour les amateurs de cinéma d’animation. Après son chef-d’œuvre Le Garçon et la Bête, puis son drame familial plus intimiste Mirai, ma petite sœur, le réalisateur japonais revenait sur la Croisette sous un tonnerre d’applaudissements pour présenter Belle en avant-première. Toujours passionné par les mondes virtuels, Belle s’inscrit dans la lignée de son Summer Wars ou du plus récent Ready Player One de Spielberg. Un jeu en ligne – nommé « U » – grâce auquel une jeune lycéenne, encore traumatisée par la mort de sa mère et en proie à la solitude, pourra vivre une vie parallèle sous le feu des projecteurs. « Dans la réalité, vous ne pouvez pas changer de vie. Dans U, tout est possible ». Par la métaphore du monde virtuel et des réseaux sociaux, Hosoda réinvestit le conte de La Belle et la Bête pour en tirer des leçons profondément contemporaines. « U » est un univers qui dévoile la face cachée des gens, autrement dit qui ils sont vraiment, puisque l’anonymat garanti par les avatars permet à chacun d’agir comme il l’entend. Cela permet au film d’aborder la question du harcèlement en ligne, des effets de meute (positifs comme négatifs), de la popularité sur internet (donc du rapport aux critiques comme à l’adoration), de la confiance en soi, du don de soi pour la cause d’inconnus, ou encore de l’insaisissabilité d’une « vérité » que tout le monde prétend défendre parfois au prix de la violence. Belle sait être drôle, tendre et d’une rare générosité dans sa mise en scène, bien que ce soit au détriment de la subtilité et du dosage. Heureusement, si tout est too much dans le monde virtuel, les scènes qui se déroulent dans la réalité quotidienne de l’héroïne sont d’une grande simplicité, tout en pudeur, et rééquilibrent l’ensemble. Grâce à sa direction artistique flamboyante (malgré quelques effets 3D ratés), son montage nerveux, son climax magnifique et ses personnages attachants, Belle est un film émouvant et indéniablement original. On lui pardonnera d’évidentes maladresses d’écriture et quelques fautes de rythme, tant la proposition est sincère et résolument en phase avec son époque.

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Cannes Première

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Semaine de la critique

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Un Certain Regard

Premier film bangladais de l’histoire du Festival de Cannes, Rehana Maryam Noor, réalisé par Abdullah Mohammad Saad, lance la sélection Un Certain Regard avec fracas – quelques heures avant l’ouverture officielle par le très attendu Onoda. Film à la fois intimiste et brutal, il raconte l’histoire d’une mère et de sa fille, toutes deux victimes (directes ou indirectes) de harcèlement, l’une au travail et l’autre à l’école. Ces deux femmes, malgré la différence de génération, sont animées par la même volonté de se battre et de répondre aux comportement toxiques et injustes qui les entourent. Le problème, c’est que la société qui est la leur n’en fait jamais des victimes, mais des accusatrices qui devraient mieux se taire et s’excuser plutôt que de prendre la parole. Dans un écrin bleuté d’une froideur carcérale, Rehana Maryam Noor saisit par son atmosphère assourdissant, ses gros plans à la caméra-épaule tremblants, ses couloirs floutés à l’arrière-plan suffocants, mais surtout par le jeu de ses deux actrices absolument poignantes. Que faire dans une telle situation : parler, se révolter et mettre en péril son confort professionnel et familial ? ou bien se résigner, accepter les conventions où chacun doit rester à sa place, troquant ses idéaux contre un moment de répit ? Si le film tire parfois en longueur, et que la mise en scène s’avère répétitive, l’intelligence dans l’écriture des personnages permet au film de ne jamais évacuer les difficultés, laissant s’enfoncer les personnages dans leurs positions comme leurs contradictions. Et ce, tout en nous faisant nous rendre compte, à nous spectateurs occidentaux, que les problèmes de harcèlement et d’impunité dans le milieu professionnel (ou plus généralement dans la sphère publique) sont malheureusement les mêmes partout. Mais heureusement, il en va de même de l’envie de changer notre regard sur ceux-ci.

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Quinzaine des réalisateurs

Séduit par A Chiara, film italien où l'on suit une jeune fille de 15 ans dont l'harmonie familiale va imploser en découvrant que son père, son héros, trempe dans la mafia. Parcours initiatique vers l'âge adulte pour une Alice au pays des merveilles désenchantée.

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Compétition

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Cannes Première

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Quinzaine des réalisateurs

Comme son titre l’indique, mieux vaut découvrir A Night of Knowing Nothing en en sachant le moins possible à son sujet : l’expérience intellectuelle comme sensorielle n’en sera que plus forte. Par son concept, ce film indien rappellera aux plus cinéphiles les expérimentations de Chris Marker, et notamment Sans Soleil pour sa construction formelle et narrative : une voix off lisant des lettres sur des images dont on ne sait jamais vraiment si elles sont documentaires ou fictives. Le film aborde les épisodes de manifestations étudiantes ayant marqué l’Inde ces dernières années, pose la question du rassemblement autour d’idéaux communs, s’interroge sur la rhétorique des foules, montre la violence de la répression, s’indigne devant la division sociale d’un pays encore enfermé dans ses castes, mais laisse aussi sa chance à l’amour à travers ces lettres adressées à un amant. Un film engagé qui réfléchit en même temps sur les limites intellectuelles de son propre militantisme, avec la volonté de réunir ces hommes et ces femmes séparées par un simple uniforme – et tout un tas de préjugés. Sans doute un peu long et parfois difficile à appréhender par sa forme, mais une proposition qui remet les idées en place.

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Compétition

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Compétition

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Un Certain Regard

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Quinzaine des réalisateurs

Présenté à la Quinzaine des réalisateurs, Clara Sola est un film mexicain un peu frustrant, tant il tutoie par instants une grâce suspendue et s’embourbe par d’autres dans le symbolisme lourdaud et la répétitivité. Clara est une femme d’une quarantaine d’années vivant encore chez sa mère, et que l’on comprend être atteinte d’une forme d’autisme. C’est une sorte de sainte, de guérisseuse qui aurait fait plusieurs miracles et que les gens viennent voir pour être bénis ou purifiés. Mais l’on comprend là aussi que tout ceci n’est que superstition et manipulation de la part de sa mère, et que Clara ne croit pas vraiment en la divinité de ses « pouvoirs ». C’est une femme à l’écoute des autres et surtout de la nature, finalement plus proche du sol que du ciel, et dont l’aliénation religieuse semble faire barrage à ses désirs charnels. Clara Sola, comme son titre l’indique, parle donc d’une femme qui se sent seule et qui cherche à se réapproprier son corps. A l’image de son cheval, elle est silencieuse et loyale ; on peut faire reposer le poids des gens sur ses épaules. Éternelle spectatrice de la vie des autres, elle souffre de n’avoir jamais exploré sa sexualité. La rencontre avec le petit ami de sa nièce changera tout et l’éveillera à sa propre féminité, à sa propre liberté, avec un mélange d’appréhension enfantine et de grande sagesse. Trop répétitif, le film propose malgré tout plusieurs scènes d’une grande poésie, et notamment une découverte nocturne de son corps au milieu d’une forêt éclairée par des lucioles. De même, le final, rappelant énormément Carrie au bal du diable, conclut ce conte de Cendrillon avec fracas puis apaisement, sans jamais sacrifier sa bienveillance. Clara Sola est déséquilibré, maladroit, mais on ne lui enlèvera pas sa générosité ni la bonté profonde de sa protagoniste ; des défauts inhérents à un premier film que l’on pardonnera volontiers à la jeune cinéaste Nathalie Álvarez Mesén.

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Semaine de la critique

Film italien bien déroutant que ce Piccolo Corpo de Laura Samani, pèlerinage silencieux où les dialogues se font rares et où la mort sert de moteur à l’action. Agata est une jeune femme venant d’accoucher, dans un village de bord de mer de l’Italie profonde du début du XXe. Sa fille meurt à la naissance, et dans un décorum religieux où le christianisme flirte avec une forme de paganisme mystique, la mort d’un nouveau-né avant le baptême condamne son âme à l’errance éternelle. Déchirée, cette jeune mère décide d’entreprendre un long voyage vers le sommet d’une montagne où un baptême de la dernière chance promet d’offrir à son bébé un prénom, c’est-à-dire un salut. C’est donc un road movie hanté par le traumatisme d’un enfant perdu, dont la mère transporte le corps inerte enfermé dans une petite boîte de bois, et qu’elle porte sur son dos. Sur le chemin, elle fera la rencontre de plusieurs compagnons de route tous plus mystérieux et inquiétants les uns que les autres, et pour lesquels cette boîte, qui est en réalité un cercueil, nourrira fascination et mystère. Piccolo Corpo, comme son titre l’indique, parle d’un « petit corps », d’un corps mort que la vie n’animera jamais, mais pour lequel Agata sera prête à tout. Un corps auquel la nature a refusé un souffle, mais dont la question de l’identité décidera de la valeur même de cette quête éperdue (un mort-né existe-t-il en tant que personne ?). Extension d’elle-même, ce cadavre sera sa croix, et le film n’hésitera pas à mettre le corps – bien vivant – d’Agata à rude épreuve, comme pour compenser (montées de lait, règles, blessures, corps affamé, pieds meurtris…). Une Passion, en somme, vers son Mont Calvaire à elle. Piccolo Corpo possède une ambiance étrange, avec ces paysages italiens – magnifiques – aux allures de Scandinavie (lacs, forêts, montagnes enneigées), avec ces barrières linguistiques entre dialectes locaux incompréhensibles les uns pour les autres, avec ces chants murmurés se substituant aux paroles. Malgré sa courte durée (1h29), la lenteur se faire sentir, les péripéties se répètent un peu trop, et tout est trop énigmatique pour permettre une émotion à la hauteur du drame présenté, avec un final assez attendu qui laisse un goût d’inachevé malgré la beauté indiscutable de la scène. Frustrant.

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Un Certain Regard

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ACID

Présenté à l’ACID, Vénus sur la rive est le premier film de Lin Wang, jeune réalisatrice chinoise de 32 ans. Il raconte la vie d’une fillette de 9 ans obligée de vivre tantôt chez une tante, tantôt chez une autre, parfois chez la grand-mère, du fait de l’hospitalisation de sa maman pour une longue durée. Déracinée de sa famille proche, la petite Chichi servira de prisme par lequel le spectateur assistera à des moments de vie des autres femmes de la famille : ses deux tantes et sa cousine, entre autres. L’une est battue par son mari, l’autre entretient une relation compliquée avec sa fille, et cette dernière, jeune adulte, découvre la vie nocturne et les garçons. Vénus sur la rive est donc davantage un film choral, qui ne sait pas toujours où il va et dont les segments consacrés à chaque personnage sont très inégaux. Cette vue panoramique aurait pu avoir son charme, faisant parfois repenser au magnifique Séjour dans les monts Fuchun pour ce côté « film de famille » lent et poétique. Mais ici, le charme n’opère pas ; le rythme, d’une lenteur rédhibitoire, achève de gâcher cette histoire dont on reconnaîtra pourtant la sincérité et la pudeur. Et si le tout est formellement plutôt oubliable, deux scènes retiennent l’attention et restent en tête : une séquence de boîte de nuit où les regards fuient et les corps se pourchassent sur une bande-son plutôt jolie ; la scène qui donne au film son titre, sorte de parenthèse poétique dont nous préserverons le mystère, mais où une barque fleurie arpente un cours d’eau jusqu’à réunir deux êtres chers l’un pour l’autre. Un film globalement décevant, frustrant de par ce qu’il aurait pu être, mais plein de douceur et d’envie d’aller de l’avant.

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Hors compétition

The Story of Film : A New Generation aura été le tout premier film projeté à Cannes pour cette édition 2021 du festival. Avant même la séance d’ouverture et la projection d’Annette de Leos Carax, le documentariste Mark Cousins propose un film idéal pour « pré-ouvrir »le plus grand festival de cinéma au monde. The Story of Film est un documentaire de 2h40 qui pose une question simple : comment la décennie qui vient de s’achever aura-t-elle marqué l’histoire du cinéma ? Immense montage de séquences issues des films les plus marquants des années 2010, le réalisateur questionne d’abord la façon dont ces œuvres ont « étendu le langage cinématographique », à travers des analyses de plans, de cadrages, de renversements de codes de genres, etc. Puis, le documentaire pose la question du regard : à travers ces mutations de la façon de filmer et de raconter des histoires, qu’apprend-on de nous-mêmes et de notre époque ? Sans jamais vraiment répondre de manière tranchée, Mark Cousins propose des pistes qui rappellent à quel point le cinéma est intimement lié aux questions sociales, politiques et de représentation. Le documentaire n’est pas exempt de reproches, trop long, inégal en termes de pure qualité d’analyse, parfois timoré dans son propos et peu original, et construit de façon trop didactique. Un film certes académique mais qui aura tout de même le mérite de s’interroger sur l’extrême contemporain, sur l’héritage du passé et celui que ces années 2010 laisseront elles-mêmes. The Story of Film : A New Generation transpire la passion et l’éclectisme, dans une vue panoramique appréciable à défaut d’être révolutionnaire.

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Semaine de la critique