Pessimistes

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Opposition entre un monde d'apparence civilisé et tranquille sombrant dans la noirceur cruelle des hommes, dans une société qui vacille dans la décadence en perdition.

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Parmi les thèmes privilégiés du réalisateur, on retrouve essentiellement :

La perversion, le malsain
L'étrange, le dissonant
L'élégance
Le corps et la puissance physique.
Les intrigues fantastiques
Les appartements maléfiques et les huis clos
La folie
Le cauchemardesque et le délire
Le complot
La paranoïa
L'anomie
L'aliénation
La barbarie
Le point de vue des victimes et des dominés dans l'Histoire
La perte de l'innocence
L'enfance bafouée
La dialectique maître-esclave
L'ambiguïté du mal et du rapport entre victime et bourreau
La relation au monde extérieur ou à autrui vécue comme une effraction ou une violation
L'humour noir
Le tragique absurde
Un jeu sur les noms ou la manière de nommer
Un goût prononcé pour le baroque
Le satanisme

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Le style Zombie se caractérise par du sexe à outrance et des scènes de violence très réalistes, où souvent les personnages sont pervers et cruels, mais aussi vulgaires et immoraux. Dans la plupart de ses films, Zombie essaye de créer une ambiguïté ou une ambivalence morale, en mettant les méchants du film toujours au centre de l'action. Ainsi, dans The Devil's Rejects, alors que les membres de la famille Firefly au début du film semblent constituer les mauvais de l'histoire, à la fin du film ils se font persécuter et molester par le shérif, de la sorte que le spectateur en vient à s'interroger sur qui est vraiment la victime et qui est vraiment détestable dans l'intrigue.

Rockeur dans l'âme, il apporte une attention particulière à la bande son (Hard rock).

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Sa filmographie peut se caractériser par trois principaux styles : l'étude du corps humain sous un aspect angoissant et monstrueux, l'étude du rapport de l’humain avec la technologie sous un aspect visionnaire, l'étude de la dégénérescence du corps social sous un aspect réaliste et pessimiste.

Son cinéma, influencé par la psychanalyse, sonde les addictions et les phobies de la société occidentale, ainsi que les névroses, laissant libre cours au déchaînement de pulsions refoulées. Ses deux thèmes récurrents sont la double personnalité et le massacre du corps humain. Ses films, caractérisés par une grande maîtrise technique et un univers à la fois malsain, ultra-violent et cérébral, ouvrent la voie à de nombreuses lectures sur le conditionnement, le mal, l'aliénation et la confusion entre réel et virtuel.

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Un grand nombre des films d'Herzog abordent les thèmes de la folie et de la cruauté de la nature, souvent mêlés : il s'agit pour lui de révéler la part sombre de l'homme comme de la nature. Héritier d'un romantisme allemand tardif et sombre, Herzog met en scène une nature, humaine comme terrestre, chaotique, menaçante, presque démoniaque.

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Son style novateur et surréaliste, parfois qualifié de « lynchien », est devenu reconnaissable pour de nombreux spectateurs et critiques. Il se caractérise par son imagerie onirique et sa conception sonore méticuleuse. L'imagerie parfois violente de ses films lui confère la réputation de « déranger, d'offenser ou de mystifier » son public. David Lynch porte un regard sombre et halluciné sur la réalité humaine inquiétante qui se dissimule derrière le vernis social, au sein des petites bourgades américaines.

Le travail de David Lynch, qui met monde quotidien et imaginaire sur le même plan, est rebelle à toute étiquette. Il développe, dans ses séries comme dans ses films, un univers surréaliste très personnel où se mêlent cinéma expérimental, cinéma de genre, arts graphiques et recherches novatrices, tant sur le plan dramaturgique que plastique (images hypnotiques, bande sonore inquiétante, goût du mystère, de la bizarrerie et de la difformité...). Référence à la peinture : Hopper pour le thème de la solitude, Bacon pour les déformations de la chair, et Rousseau pour le thème du mystère.

Soit il développe une histoire totalement ou globalement compréhensible ou ses autres réalisations brisent les codes d'une narration cinématographique linéaire et conventionnelle. Les lois du film noir en particulier sont utilisées, détournées puis finalement détruites.

Ces deux derniers films sont représentatifs de la manière dont le cinéaste abandonne son intrigue à mi-parcours et passe dans un contexte bouleversé où les acteurs semblent interpréter des rôles différents et où les décors occupent une fonction nouvelle. La lisibilité du récit est volontairement brouillée et une énigme irrésolue se dissémine dans un monde sophistiqué dans lequel le sens s'efface et la frontière entre réalité, cauchemar et hallucination disparaît. Par ailleurs, Lynch n'hésite pas à manipuler certains clichés cinématographiques de manière subversive.

Son cinéma, silencieux et anxiogène, mêle la violence, le macabre et le grotesque à une forme de normalité sociale et cherche à retranscrire la réalité profonde des fantasmes, en passant d'un monde lumineux à un univers nocturne où surgissent des pulsions refoulées.

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Se caractérisent par des mises en scène stylisées et violentes et par une volonté de combiner cinéma de genre (film noir, film policier, thriller, western) et cinéma d'auteur. Ses réalisations s'appuient sur des récits sophistiqués et des personnages masculins insaisissables ou ambivalents, évoluant dans un univers sombre et angoissant, à la lisière de l'onirisme.

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Représentation du mal sur toute ses facettes (comme Polanski)

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David Fincher est à classer parmi les réalisateurs « visuels ». Issu du monde des effets spéciaux et des vidéoclips, il maîtrise parfaitement les techniques permettant d'obtenir le rendu visuel qu'il désire, notamment en matière de photographie et de postproduction. Tout comme le réalisateur Stanley Kubrick, réputé pour son perfectionnisme et très attaché aux détails, il peut tourner un très grand nombre de prises de ses plans et séquences.

Les génériques de ses films sont par ailleurs très travaillés et soignés.

Les films de David Fincher ont en commun la thématique de la douleur psychique ou physique causée par le combat entre le bien et mal, l'enfermement, la solitude, l'obsession ou encore l'aliénation.

Fight Club a été critiqué pour son orientation politique. On l'a accusé de propager un message fasciste, voire nihiliste, ou à l'inverse anarchiste, véhiculant un message libertaire.

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Inventeur d'un grand nombre de techniques innovantes qui sont devenues autant de standards et lui ont valu le titre de « Maître des ténèbres », il introduit dès 1919 dans le cinématographe une esthétique expressionniste qui fera école et inspirera en particulier le film noir. Son œuvre est traversée de thèmes récurrents :

La vengeance, la pulsion de mort qui mine l'individu et la société, la manipulation des foules par un surhomme, la lutte pour le pouvoir, la violence de l'homme pour l'homme, la liberté pour le mal. Celui du double, image d'une inquiétante étrangeté, est présent dans la quasi-totalité de ses films.

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La folie du pouvoir. L'ascension et la chute. Thèmes très Shakespearien.

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Surnommé « le Maître du suspense », il est considéré comme l'un des réalisateurs les plus influents sur le plan stylistique. Pionnier de nombreuses techniques dans le genre cinématographique du thriller, Hitchcock a installé les notions de suspense et de MacGuffin dans l'univers du cinéma. Ses thrillers, caractérisés par une habile combinaison entre tension et humour, déclinent les variations de la figure de l'innocent persécuté à tort à travers des thèmes récurrents : la peur, la justice, le doute, la culpabilité et la perte d'identité.

Les femmes fatales et ambiguës, complexe d'oedipe, psychanalyse, névrose et obsession, le point de vue des criminels, le voyeurisme, le fétichisme, la nourriture source de désir, les fantasmes, spectateur témoin et complices, intimité des personnages, l'arme du crime, la lumière, le double, le couple, moyens de transports, découverte d'un nouveau lieu, utilisation du travail du protagoniste.

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Caméra libre et violente au service du récit. Forme de tension et d'apesanteur. Décor nihiliste de drogué, flashy, violence physique et verbale gratuite. Peu de dialogue.

Cinéaste subversif, ne reculant devant rien pour mettre mal à l'aise le spectateur et lui faire ressentir des émotions fortes.

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Sur les budgets gigantesques que réclamaient ses films, et qui ont causé sa perte, Erich von Stroheim a déclaré : « Mes films coûtent cher car mes sujets ont beaucoup d'ampleur, et que je veux être le plus exhaustif possible. » Sa seule erreur est d'avoir réalisé ces chefs-d'œuvre dans l'Amérique puritaine des années 1920. Le sexe et l'argent sont des sujets hautement tabous, et montrer que les êtres humains sont pervertis autant par l'un que par l'autre était une entreprise risquée.

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L’œuvre de Scorsese, reconnue pour sa force et son audace, aborde des thèmes divers tels que l'identité italo-américaine, les interprétations catholiques du bien et du mal, de la culpabilité, de la rédemption, du machisme, de la grandeur et de la décadence, de la perdition et de la violence.

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Les films de Gilliam dépeignent souvent un univers très sombre et pessimiste, témoignant souvent d'une caricature hyperbolique des aspects les plus laids de notre société. Son style très distinctif crée une atmosphère surréaliste. On a l’impression que le monde est en déséquilibre. Dans les films de Terry Gilliam, certains sujets reviennent fréquemment tels que la technologie et la surconsommation qui sont les maux de notre société. L’Homme devient l'esclave de la technologie et dans cet univers, la communication n’existe plus entre les individus. Pour Terry Gilliam le monde est devenu un chaos, un paradis perdu. Tous les héros de ses films tentent de fuir ce monde condamné à sa perte, par l’imagination, le rêve ou même la drogue. La bureaucratie est souvent très critiquée dans ses films et la télévision remplace la communication entre les hommes. Pour créer le monde hallucinatoire de ses personnages, Terry Gilliam utilise un objectif 14 mm qui maintenant est connu sous le nom du « Gilliam ». Tout comme ceux de Tim Burton, les films de Terry Gilliam se distinguent par la création d'un univers poétique - narratif et visuel - singulier, à l'esthétique très soignée.

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Malgré ses comédies sophistiquées et intellectuelles, pleine d'auto-derision. Les parodies de mise en abyme d'Allen finissent souvent mal.

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Franz Kafka laisse une œuvre vaste, caractérisée par une atmosphère cauchemardesque, sinistre, où la bureaucratie et la société impersonnelle ont de plus en plus de prise sur l'individu. Hendrik Marsman décrit cette atmosphère comme une « objectivité extrêmement étrange ».

L'œuvre de Kafka est vue comme symbole de l'homme déraciné des temps modernes. D'aucuns pensent cependant qu'elle est uniquement une tentative, dans un combat apparent avec les « forces supérieures », de rendre l'initiative à l'individu, qui fait ses choix lui-même et en est responsable.

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Dans la tête de criminel dépravé. Noirceur et beauté macabre et gothique, le deuil, la mélancolie, la souffrance, la folie, le spleen, le mal être, la tristesse, la solitude, l'abandon, enquête policière...

La narration, chez Poe, est marquée par la polysémie, dont témoignent les nombreux jeux de mot, dans les textes tragiques comme dans les textes comiques. Le narrateur, qui se signale le plus souvent par des lectures néfastes (littérature fantastique à l'allemande, romans gothiques, ésotérisme, métaphysique), décrit une histoire déformée par sa fancy, il ne maîtrise pas son écriture, dans laquelle plusieurs indices permettent d'appréhender la réalité sous-jacente (focalisation souvent interne).

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Ses sources d'inspiration, tout comme ses créations, se réfèrent à la notion d'horreur cosmique, selon laquelle l'être humain est insignifiant à l'échelle du cosmos qui lui est profondément étranger. Ceux qui raisonnent véritablement, comme ses protagonistes, mettent toujours en péril leur santé mentale. Il voulait montrer essentiellement que le cosmos n’est pas anthropocentrique, que l’être humain, forme de vie insignifiante parmi d’autres, est loin de tenir une place privilégiée dans la hiérarchie infinie des formes de vie. Ses travaux sont profondément pessimistes et cyniques et remettent en question le Siècle des Lumières, le romantisme ainsi que l'humanisme chrétien. Les héros de Lovecraft éprouvent en général des sentiments qui sont à l'opposé de la gnose et du mysticisme au moment où, involontairement, ils ont un aperçu de l'horreur en guise de réalité.

Le savoir interdit, l'occultisme, Influences extraterrestres sur l'humanité, destin hérité et secret de famille, civilisation menacée, Risques de l'ère scientifique, mépris de la religion.

Écriture en journal intime ou rapport scientifique. Style froid et anxiogène. 3 cycles d'histoires : cycle macabre, cycle onirique, mythe de Chtuluhu.

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Au cœur des débats sur la fonction de la littérature de son époque, Baudelaire détache la poésie de la morale, la proclame tout entière destinée au Beau et non à la Vérité. Comme le suggère le titre de son recueil, il a tenté de tisser des liens entre le mal et la beauté, le bonheur fugitif et l'idéal inaccessible, la violence et la volupté, mais aussi entre le poète et son lecteur, et même entre les artistes à travers les âges. Outre des poèmes graves ou scandaleux, il a exprimé la mélancolie, l'horreur et l'envie d'ailleurs à travers l'exotisme.

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Maître de l'horreur, au fil du temps, Carpenter a développé des tendances voyeuristes, puis il a ainsi réalisé des films où les personnages se retrouvent prisonniers dans un espace clos, ce qui est propice à l’observation. L’un de ses thèmes de prédilection est donc l’enfermement. La peur, la paranoïa et l’invasion extra-terrestre figurent également parmi ses thèmes récurrents, de même que la critique du capitalisme par des antihéros et des pouvoirs politiques et religieux.

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Tout comme Woody Allen, les apparences sont trompeuses. Sous le couvert de films en apparence colorés et chantants, l’univers de Demy est extrêmement sombre. Ses films ont pour la plupart des conclusions malheureuses.